💿 Qué es la Industria Musical
La industria musical consiste compañías y particulares que ganan dinero a partir de la creación de canciones o fracciones de canciones nuevas, por la venta de conciertos en vivo y shows, grabaciones de audio y vídeo, composiciones y partituras, y de la organización y asociación que ayudan además de representar a los autores.
La mayoría de los particulares y organizaciones, que trabajan en la industria son: autores y compositores que crean canciones nuevas y piezas musicales; los cantantes, músicos, conductores y directores musicales que hacen música; las compañías y profesionales que crean venden grabaciones musicales y/o partituras (Ej., editores musicales, productores musicales, estudio de grabación, ingenieros, marcas discográficas, al por menor y tiendas musicales en línea, organizaciones de derecho de ejecución); y aquellos que ayudan a organizar las interpretaciones musicales en vivo (ingenieros en sonido, agente de preservación, promotores, salas de concierto, equipo callejero).
La industria de la música también incluye una gama de profesionales que asisten a los cantantes y músicos con sus carreras musicales (representantes de talento, representantes de arte, representante de negocios, representantes legales); aquellos que transmiten contenido musical en audio y vídeo (satélite, estaciones de radio en Internet, radio transmisión y estacones de televisión); emprendedores y críticos musicales, DJs; profesores y educadores de música; fabricante de instrumentos musicales; al igual que muchos otros.
Adicionalmente a los negocios y artistas que trabajan en esta industria para tener una ganancia o ingreso, hay una gama de organizaciones que también juegan un rol importante en la industria musical, incluyendo la unión de músicos (por ejemplo: American Federation of Musicians) organizaciones de derecho de ejecución sin fines de lucro(por ejemplo American Society of composers, Authors and Publishers) y otras asociaciones.
La industria musical moderna occidental emergió entre 1930 y 1950, cuando las grabaciones remplazaron las partituras como el producto más importante en el negocio de la música.
En el mundo comercial, «La industria discográfica»- como referencia a la grabación de canciones, piezas y la venta de discos. Las cuales empezaron a ser usadas como un libre sinónimo para «La industria musical».
En los 2000, la mayoría del mercado musical es controlado por tres marcas corporativas: la compañía francesa “Universal Music Group”, la compañía japonesa “Sony Music Entertainment” y la compañía estadounidense “Warner Music Group”. Las marcas fuera de estas tres son referidas como marcas independientes (o “indies”).
La porción más grande del mercado musical en vivo para conciertos y tures está controlada por “Live Nation”, una de las promotoras más grandes, dueña de salones de concierto. La “Live Nation” estaba complementada por “iHeartMedia Inc”, la cual es la compañía más grande dueña de muchas estaciones de radio en los Estados Unidos.
En la primera década del año 2000, la industria musical sufrió cambios drásticos con la llegada de la distribución digital la generalizada de la música vía internet (lo cual incluye tanto la distribución ilegal de canciones como la compra legal de música a través de tiendas musicales en línea).
Un indicador llamativo de estos cambios es el total de ventas: desde el 2000, las ventas de música grabada han descendido sustanciosamente mientras que las de música en vivo han incrementado con mucha importancia.
En el 2011, el comerciante más grande de música grabada en el mundo es ahora una plataforma digital, a través de internet controlada por una compañía computarizada: Apple Inc.’s online ITunes Store.
💿 Diferencia entre industria de la música e industria discográfica
El término “industria de la música” abarca muchas cosas. Los servicios de streaming, las compañías de sincronización, los managers de artistas, los agentes organizadores y los promotores de eventos – todas esas personas y compañías forman parte de la industria de la música.
La industria discográfica es una sub-sección de la industria de la música, la cual se encarga específicamente de la producción (entendiéndose ésta como la grabación) y posterior promoción y distribución de la música.
Las discográficas son grandes accionistas en la industria de la música, y en América son representadas por la RIAA (Recording Industry Association of America o Asociación Americana de la Industria Discográfica).
💿 Historia de la Industria Musical
La edición musical con partituras impresas por máquina, se desarrolló durante la era de la música renacentista a mediados del siglo XV. El desarrollo de la publicación de música seguido de la evolución de la tecnología de imprenta que fue creada en primer lugar para la imprenta de libros regulares.
Después de la mitad del siglo XV, las técnicas mecánicas para la imprenta de partituras fueron creadas por primera vez. El ejemplo más antiguo, un conjunto de cánticos litúrgicos que datan alrededor de 1465, poco después de que la biblia de Gutenberg fuese impresa.
Previo a esto, la música tenía que ser copiada a mano. Para copiar las anotaciones musicales era muy costoso, laborioso y requería mucho tiempo, así usualmente realizado por monjes y sacerdotes buscando la preservación de música sacra para la iglesia.
Las pocas colecciones de música secular (no religiosa) que existían eran encomendadas y pertenecen a aristócratas ricos. Los ejemplos incluyen el Codex Squarcialupi del trecento musical italiano y el Codex Chantilly del Ars subtilior musical.
La imprenta permitió reproducir muchas más partituras y a un menor precio que las hechas a mano. Esto ayudo a los estilos musicales esparcirse a otras ciudades y países mucho más rápido, y también ayudo a que la música llegara a lugares muchos más lejanos.
Previo a la invención de la impresión musical, la música de un compositor podría solo ser conocida en la ciudad en la que vivía y los pueblos aledaños, porque solo los aristócratas adinerados serían capaces de pagar las copias hechas a mano de su música.
Con la imprenta musical, aunque, la música de un compositor podía ser impresa y distribuida a compradores a un precio relativamente bajo y en un área mayor.
A medida que las piezas de partituras canciones de los principales compositores comenzaron a ser impresas y distribuidas en un área más amplia, esto permitió a los compositores y oyentes escuchar nuevos estilos y formas de música.
Un compositor alemán podría comprar piezas escritas por un compositor italiano o inglés, y un compositor italiano podría comprar piezas de un compositor holandés y aprender como ellos tocan la música. Esto permitió la mezcla de más estilos musicales de diferentes países y regiones.
El pionero de la imprenta de musica moderna fue Ottaviano Petruci (nacido en Fossombrone el año 1466 y murió en Venecia el año 1539) un impresor y editor que fue capaz de monopolizar por 20 años la imprenta musical en Venecia durante el siglo XVI. Venecia fue uno de los mayores centros de negocios y musical durante este periodo.
Su Harmonice Musices Odhecaton, una de las colecciones de música impresa en el año 1501, comúnmente identificada erróneamente como el primer álbum de partitura impresa del tipo movible.
En realidad, esa distinción pertenece al impresor romano Missale Romanum de Ulrich Han del año 1576. No obstante, el trabajo posterior de Petrucci fue extraordinario por la compleja de su nación mensural blanca y por la pequeñez de su escritura. Imprimió el primer álbum polifónico (música con 2 o más melodías independientes) usando el tipo movible.
Tambien publico numerosos trabajos compuetos por los mas reconocidos compositores del renasentismo, incluyedo Josquin des Prez y Antoine Brumel. Florecio por enfocarse en trabajos flamencos, en lugar de los italianos, ya que eran muy populares atraves de Europa durante la era de la musica renacentista.
Su tienda de imprenta usaba el método de la imprenta triple, en el cual el papel era presionado tres veces. La primera era la línea de lpersonal, la segunda las palabras, y la tercera las notas.
Este método producía unos resultados bastante legibles y limpios, aunque era un proceso bastante largo y costoso.
Hasta el siglo XVIII, el proceso de la composición formal y de la imprenta musical tomo lugar la mayoría por el apoyo de los patrocinantes, los aristócratas e iglesias.
En la mitad posterior del siglo XVIII, los artistas y compositores como Wolfgang Amadeus Mozart empezaron a buscar oportunidades más comerciales para vender sus espectáculos al público en general.
Después de la muerte de Mozart, su esposa (Constanze Weber) continuo el proceso de comercialización de su música a través de una serie de conciertos memoriales sin precedentes, vendiendo sus manuscritos, y colaborando con su segundo esposo, Georg Nissen, en la biografía de Mozart.
En el siglo XIV, los editores de partituras dominaron la industria. Previo a la invención de la tecnología grabación de sonido, la forma principal de escuchar nuevas sinfonías y arias de óperas era comprar partituras (a menudo arreglado para piano o para un pequeño grupo de música de cámara) y tocar la musica en una sala de estar, con amigos que usualmente eran músicos y cantantes amateurs.
En los Estados Unidos, la industria musical surgió de un tándem con el surgimiento de “black face minstrelsy”. A finales de siglo el grupo de editores musicales y escritores que dominaban la música popular en los Estados Unidos se conocieron como Tin Pan Alley.
El nombre se originó referencia a un lugar específico: “West 28th Street between Fifth and Sixth Avenue” en Manhattan, y una placa al lado de la calle en “28th Street between Broadway and Sixth” lo conmemora.
El inicio de Tin Pan Alley data alrededor de 1885, cuando una serie de editores musicales se establecieron en un mismo distrito de Manhattan.
El final de Tin Pan Alley es menos claro. Algunos consideran que fue durante la gran depresión en la década de 1930 cuando el fonógrafo y la radio sustituyeron las partituras como la fuerza que conducía la música popular americana, mientras que otros consideran que Tin Pan Alley continuar a los años 50 cuando los estilos anteriores de la música popular americana fueron superados por el auge del rock & roll.
💿 Historia de la música grabada y la radio difusión
✔ De la partitura al fonógrafo
A comienzos del siglo 20 eran los editores de partituras quienes manejaban la industria de la música. Durante la era de las partituras, si una persona común quería escuchar música popular nueva, compraría la partitura y la tocaría en un piano en su hogar, o aprendía la canción mientras tocaba el acompañamiento en piano o guitarra.
Los conciertos en casa fueron un punto común en el entretenimiento para la gente de clase media – el número de pianos fabricados en los Estados Unidos llegaban a un promedio de 300.000 cada año (en comparación con los 31.000 que hubo en 2017).
Sin embargo, en 1920 los fonógrafos (y gramófonos) comenzaron a ser muy accesibles, y ya para 1921 el margen de ventas de los fonógrafos en Estados Unidos alcanzó los 106 millones de dólares (1.500 millones de dólares en la economía actual), habiendo alcanzado 140 millones de pistas vendidas.
✔ El surgimiento de las discográficas
Las primeras discográficas (las cuales eran departamentos de los productores más grande de fonógrafos: Columbia, Victor y Edison), encontraron su lugar en la industria cómo fabricantes de discos, y se encargaban de financiar la costosa producción, fabricación y distribución de los discos.
Tan sólo una década después, durante la época de la Gran Depresión, los ingresos bajaron a 6 millones de dólares (o 117 millones de dólares en la economía actual). Pero surgió un nuevo medio para la música con el nacimiento de la radio, y al ser gratuito y de mayor calidad, disminuyó el atractivo que existía en los fonógrafos.
Para 1930 todas las grandes empresas discográficas de Estados Unidos fueron adquiridas por las corporaciones de radio: RCA compró Victor en 1929 para crear RCA Records, y CBS compró Columbia Records en 1939. En 1931, las afiliaciones europeas de Victor y Columbia se unieron para formar EMI.
Por su parte, los discos de interpretaciones musicales lanzados comercialmente, comenzaron a finales de la década de 1880, y más adelante la difusión extensa de la radio, comenzando en la década de 1920, cambiaron para siempre la manera de escuchar música.
Teatros de ópera, salones de concierto, y clubes continuaron la creación de muchas y músicos y los cantantes siguieron presentándose en vivo, pero el poder de la radio permitió a bandas, conjuntos y cantantes quienes solo se habían presentado en una región volverse populares en una cobertura a nacional y a veces a nivel mundial.
Por otra parte, mientras que la asistencia a los conciertos sinfónicos y de ópera estaba antes restringida a la gente de altos ingresos en un mundo pre-radio, con la radio difundida, un público mucho más amplio, incluyendo a las personas de bajos y medianos ingresos las mejores orquestas, grandes bandas, cantantes populares y espectáculos de ópera.
✔ La evolución del sector discográfico
Algunas casas discográficas de las décadas tempranas incluyen a Columbia Records, Crystalate, Decca Records, Edison Bell, The Gramophone Company, Invicta, Kalliope, Pathé, Victor Talking Machine Company entre otras.
Muchas discográficas desaparecieron tan rápido como se habían formaron, y al final de la década de los 80, las “seis grandes” — EMI, CBS, BMG, PolyGram, WEA y MCA — dominaron la industria. Sony compró CBS records en 1987 y cmabio su nombre a Sony Music en 1991.
A mitad de 1998, PolyGram Music Group emergió con MCA Music creando música de entretenimiento con lo que ahora conocemos como Universal Music Group. Desde entonces, Sony y BMG emergieron en 2004, y Universal se hizo cargo de la mayoría de los intereses de música grabada de EMI en 2012. EMI Music Publishing, también siendo parte del ahora grupo británico desaparecido, es ahora copropiedad de Sony como sucursal de Sony/ATV Music Publishing.
Emprendedores musicales expandieron sus modelos industriales a áreas como la música folclórica, en la cual la composición y la ejecución habían continuado por siglos en una base autosuficiente ad hoc.
Formando una marca discográfica independiente, o marca “indie”, o firmando a marcas que continúan siendo una elección popular para esos músicos prometedores, especialmente los géneros como hardcore punk y extreme meta, a pesar del hecho de que las indie no pueden ofrecer el mismo apoyo financiero como las grandes marcas.
Algunas bandas prefieren firmar con marcas indie, porque estas mascar normalmente dan mayor libertad artística.
✔ El Avance Tecnológico
La eventualmente “industria discográfica” reemplazó la edición de partituras como la fuerza más grande de la industria musical. Una multitud de marcas discográficas vinieron y se fueron.
Después de eso, ocurrió el nacimiento de los discos de vinilo, los casetes, los CD, el surgimiento de Napster y la piratería digital, el inicio de los servicios de descargas legales, y finalmente, la aparición del streaming.
A lo largo de los años, los avances tecnológicos provocaron distintos cambios en la forma de la industria, pues los fabricantes de nuevos medios y dispositivos encontraron su lugar dentro de la misma.
Las grabaciones, los medios de audio y los reproductores de audio son lo que la teoría económica llamaría bienes complementarios.
Por ejemplo, la casa Victor realizaba grabaciones para vender fonógrafos, y mientras más fonógrafos existían, más demanda había por formatos compatibles.
Posterior a esto, la RCA compró Victor para hacer que las grabaciones fueran transmitidas por señal de radio con el objetivo de aumentar las ventas de las radios, y esto a su vez aumentó la audiencia de este medio y la demanda de nuevos éxitos.
Este mismo principio se trasladó a la era contemporánea. ¿Apple habría lanzado iTunes si el iPod no hubiera sido un rotundo éxito?
La sinergia entre los fabricantes de hardware (o, en el caso del siglo 21, de software), los canales de distribución y la dimensión de la producción siempre llevaba a una integración vertical en la cadena de grabación musical.
Podemos ver las señales de esta tradición en las relaciones entre las compañías discográficas y los servicios de streaming que hay en la actualidad. ¿Recuerdas cómo Frank Ocean lanzó Blond? Allá en 2016 lanzó su álbum visual, Endless, para satisfacer sus obligaciones contractuales con Def Jam y Universal – y al día siguiente lanzó el “álbum correcto” a través de su propia discográfica como un exclusivo para Apple Music. Posterior a eso, Universal anunció que no volvería a lanzar exclusivos de streaming, aunque no se sabe a ciencia cierta si esas dos historias están conectadas, pero las tensiones en la cadena de producción son visibles.
✔ El ascenso de la distribución digital y en línea
En la primera década del 2000, las descargas digitales y la música en stream se volvieron más popular que la compra física de grabaciones (por ejemplo, CD, discos y cintas).
Esto le dio a los consumidores un acceso casi “sin estorbos” a una variedad más amplia de música que antes.
Al mismo tiempo, los consumidores gastaban menos dinero en música grabada (tanto física como la distribuida digitalmente) que como lo habían hecho en la década de los 90.
De acuerdo a IFPI el total de ganancias en Estados Unidos bajaron a la mitad, desde $14.600 millones en 1999 a $6.3 billones en 2010. “The economist” y “the new york times” reportaron que se espera que la tendencia descendente continua en un futuro cercano. Este dramático descenso en ventas a causado grandes despidos dentro de la industria, minoristas impulsados (como Tower Records) fuera del negocio y forzado a compañías disqueras, productoras, estudios, ingenieros en sonido y músicos a buscar nuevos modelos de negocios.
En respuesta del extenso intercambio ilegal de música digital, la industria tomo acciones legales agresivas. En el 2001 tuvo éxito el cierre de la popular página de música Napster, y amenazaron con acciones legales contra cientos de personas particulares que participaron en el intercambio de canciones y documentos de sonido.
Sin embargo, esto no logró frenar la caída en los ingresos de grabación de música y resultó ser un desastre de relaciones públicas para la industria de la música.
Algunos estudios académicos incluso han sugerido que las descargas no causaron la disminución en las ventas de grabaciones.
Una encuesta inglesa del 2008 mostraba que el 80% en Inglaterra quería un servicio e intercambio de archivos legal (P2P), sin embargo, solo la mitad de los encuestados afirmaban que los creadores de música deberían ser pagados.
La encuesta fue consistente con los resultados de investigaciones anteriores realizadas en los Estados Unidos, sobre las que se basó el Modelo de Música Abierta.
Las descargas digitales legales se volvieron mucho más accesible con el debut de apple, iTunes Store en el 2003. La popularidad de la distribución de la música por internet ha incrementado y en el 2012 las ventas por internet detuvieron la venta física.
Los reportes de Atlantic Records dicen que las ventas digitales suprimieron las ventas físicas. Sin embargo, como reporta “The Economist”, “la descarga paga creció rápidamente, pero no inicio la pérdida de ingresos de los CD”.
Después del 2010, los servicios basados en internet como Deezer, Pandora; Spotify, y Apple’s iTunes Radio comenzaron a ofrecer suscripciones basadas en servicio “pay to stream” a través de internet.
Con servicio de transmisión (streaming), el usuario paga una suscripción a una compañía para tener derecho de escuchar canciones y otros medios de una biblioteca.
Mientras que, con el servicio de descargas legales, el comprador posee una copia digital de una canción (la cual puede conservar en su computadora o reproductor digital), con el servicio de streaming, el usuario nunca descarga la canción o es dueño de ese archivo.
El suscriptor solo puede escuchar las canciones mientras esté pagando el servicio de streaming. Una vez que el usuario pare de pagar la suscripción, no podrá seguir escuchando las canciones de dicha compañía.
El servicio de Streaming empezó a tener un serio impacto en la industria en el 2014.
Spotify, junto con la industria de streaming musical en general, enfrentan críticas de artistas reclamando que no son compensados justamente por su trabajo cunado bajaron las ventas de descargas de música y el streaming musical aumento.
A diferencia de las ventas físicas o las descargas, en las cuales se paga por canción o álbum, Spotify les paga a los artistas por su “cuota de mercado” (El número de secuencias de sus canciones como una proporción del total de canciones transmitidas en el servicio).
Distribuyen aproximadamente el 70% de los titulares de derecho, que les pagaran a los artistas basándose en sus contratos individuales.
La variable, y algunos dicen insuficiente, naturaleza de esta compensación, ha dado pie a críticas. Los reportes de pagos de Spotify en promedio son de US$0.006 a US$0.008 por transmisión.
En respuesta, Spotify afirma que están beneficiando a el negocio de la música al “alejarlos de la piratería y plataformas monetizadas y permitiéndoles generar mucha más lealtad que antes”, alentando a los usuarios a utilizar su servicio de pago.
La Recording Industry Association od America (RIAA) reveló a través de su informe de ganancias de 2015 que los servicios de streaming eran responsables del 34,3 por ciento de los ingresos totales de la industria del año, creciendo 29 por ciento respecto al año anterior y convirtiéndose en la mayor fuente de ingresos, trayendo alrededor de $2.4 billones.
Los ingresos de streaming de Estados Unidos crecieron un 57 por ciento a $1.6 billones en la primera mitad de 2016 y representaron casi la mitad de las ventas de la industria.
La crisis en la industria de música grabada en el siglo XXI altero el balance entre los artistas, compañías discográficas, promotores, las tiendas de música minoristas y consumidores de este siglo.
A partir de 2010, grandes tiendas como Wal-Mart y Best Buy venden más música grabada que las tiendas en línea, que han dejado de funcionar como un actor importante en la industria de la música.
Los artistas de grabación ahora dependen de presentaciones en vivo y las ventas de mercancías (camisetas, sudaderas, etc.) para la mayoría de sus ingresos, lo que a su vez los ha hecho más dependientes de promotores musicales como Live Nation (que domina la promoción de gira y posee un gran Número de locales de música).
Con el fin de beneficiarse de todos los flujos de ingresos de un artista, las compañías discográficas cada vez más dependen del «acuerdo 360», una nueva relación de negocios iniciada por Robbie Williams y EMI en 2007.
En el otro extremo, las compañías discográficas pueden ofrecer un acuerdo simple de fabricación y distribución, lo que da un porcentaje más alto al artista, pero no cubre los gastos de marketing y promoción.
Las compañías como Kickstarter ayudan a los músicos independiente a producir sus propios álbumes por medio de los fans que financian bandas que quieren escuchar.
Muchos de los más nuevos artistas no ven una un contrato con una discográfica como parte en su plan de negocio.
Hardware y software de grabación de bajo costo hizo posible grabar música de calidad razonable en un ordenador portátil en un dormitorio y distribuirlo a través de Internet a una audiencia mundial.
Esto, a su vez, le causo problemas a estudios de grabación, productoras de grabación y ingenieros en sonido.
Los cambios en la industria musical le han dado a los consumidores más acceso a una mayor variedad de música que nunca, por un precio que gradualmente se aproxima a cero.
Sin embargo, el gasto del consumidor en software y hardware relacionados con la música aumentó dramáticamente durante la última década, proporcionando un valioso nuevo flujo de ingresos para compañías de tecnología como Apple Inc. y Pandora Radio.
💿 Estructura de negocio de la industria musical
La industria musical es sistema complejo de muchas organizaciones diferentes, firmas y particulares. Ha pasado por muchos cambios dramáticos en las primeras décadas del siglo XXI.
No obstante, la mayoría de los participantes en la industria musical siguen cumpliendo sus roles tradicionales, que se describen abajo. Hay tres tipos de propiedad que son creadas y vendidas por la industria discográfica: Composiciones (canciones, piezas, liricas), grabaciones (audio y video) y medios (como CD o MP3, y DVD).
Puede haber muchas grabaciones de una misma composición y una única grabación se distribuirá típicamente a través de muchos medios. Por ejemplo, la canción “My Way” está en posesión de sus compositores, Paul Anka and Claude François, la versión de Frank Sinatra de “My Way” es posesión de Capitol Records, la versión de Sid Vicious de “My Way” es posesión de Virgin Records, y las millones de copias en CD y vinil que contienen estas versiones están en posesión de millones de consumidores.
✔ Composición
Canciones, piezas instrumentales y otras composiciones musicales son creadas por escritores musicales o compositores y son propiedad de los compositores, aunque los derechos pueden ser vendidos o asignados a otros. Por ejemplo, en el caso de trabajo por contrato, a composición es inmediatamente propiedad de otro equipo.
Tradicionalmente, el dueño de la licencia de derechos de autor o “asignan” alguno de sus derechos (ejemplo: distribución y ventas) para las compañías de edición, por medio de un contrato.
La compañía de edición (o una sociedad colectiva que opera en nombre de muchos de tales editores, compositores y compositores) recoger impuestos (conocidas como “regalías por edición”) cuando la composición es utilizada.
Una porción de las regalías es pagada por compañías de edición a los dueños de los derechos de autor, dependiendo de los términos del contrato.
Las partituras proveen un flujo de ingreso que es pagado exclusivamente al compositor y a su compañía de edición. Normalmente (aunque no universalmente), la compañía de edición proveerá al dueño con un avance por las futuras ganancias cuando el contrato es firmado.
Una compañía de edición también promocionara la composición, tales como la adquisición de canciones «colocaciones» en la televisión o en películas.
✔ Grabaciones
Las grabaciones son creadas por artistas que incluyen cantantes, músicos (incluyendo a los músicos de sesión) y grupos musicales (ejemplo, bandas de acompañamiento, secciones rítmicas, orquestas, etc.) usualmente con la asistencia y guía del productor y el ingeniero de sonido.
Tradicionalmente se hacían en los estudios discográficos (los cuales se alquilan para una tarifa diaria o por hora) en una sesión de grabación. En el siglo XXI, los avances en la tecnología de grabación digital han permitido a muchos productores y artistas a crear “estudios en casa” utilizando computadoras de gama alta y programas de grabación digital como Pro Tools, eludiendo el papel tradicional del estudio de grabación oficial.
El productor discográfico supervisa todos los aspectos de la grabación, haciendo que muchas de las decisiones logísticas, financieras y artísticas en cooperación con los artistas.
El productor discográfico tiene una gama de diversas responsabilidades, incluyendo elegir material y / o trabajar con los compositores, contratar a los mejores músicos de la sesión, entrenar a los miembros de la banda y los cantantes para obtener el mejor sonido, y trabajar con los artistas y el ingeniero de sonido durante la mezcla Proceso para obtener el mejor sonido.
Los ingenieros de sonido (incluidos los ingenieros de grabación, mezcla y masterización) son responsables de garantizar una buena calidad de audio durante la grabación.
Seleccionan y configuran micrófonos y utilizan unidades de efectos y consolas de mezclas para ajustar el sonido y el nivel de la música.
Una sesión de grabación también puede requerir los servicios de un arreglista, orquestador, músicos de estudio, músicos de la sesión, entrenadores vocales, o incluso un escritor discretamente contratado para ayudar con la letra o composición.
Las grabaciones son (tradicionalmente) propiedad de las compañías discográficas. Algunos artistas son propietarios de sus propias discográficas (por ejemplo, Ani DiFranco).
Un contrato de grabación especifica la relación comercial entre un artista de grabación y la compañía discográfica.
En un contrato tradicional, la empresa proporciona un adelanto al artista que se compromete a grabar música que será propiedad de la empresa.
El departamento de A & R de una compañía discográfica es responsable de encontrar nuevos talentos y supervisar el proceso de grabación. La compañía paga los costos de grabación y el costo de promover y comercializar la grabación.
Para medios físicos (como DC), la compañía paga la manufactura y distribución de las grabaciones físicas. Las compañías discográficas más pequeñas (conocidas como “indie”) formaran relaciones laborales con otras compañías para realizar estas tareas.
La compañía discográfica paga al artista discográfico una porción de los ingresos de las ventas de las grabaciones, también conocidas como “regalías”, pero esto es distinto de las regalías por edición ya descritas.
Esta porción es similar a un porcentaje, pero puede ser limitada por un numero de factores (tales como bienes libres, gastos recuperables, bonos, etc.) que especifica el contrato de grabación.
Los músicos de sesión y los miembros de la orquesta (así como algunos artistas de la grabación en mercados especiales) están trabajando bajo contrato; Por lo general sólo pagan honorarios únicos o salarios regulares por sus servicios, en lugar de regalías en curso.
✔ Medios
Medios físicos (como CD o discos de vinyl) son vendidos por minoristas y son propiedad de los consumidores luego de que los compran.
Los compradores normalmente no tienen derecho a hacer copias digitales de CD o de otros medios que ellos compran, o rentan o alquilar los CD, porque no son dueños de la grabación dentro del CD, solo son propietarios de la copia física del CD.
Un distribuidor de música entrega cajas de los medios físicos empaquetados del fabricante al minorista y mantiene relaciones comerciales con minoristas y compañías discográficas.
El minorista de música paga al distribuidor, que a su vez paga a la compañía discográfica por las grabaciones.
La compañía discográfica paga regalías mecánicas a la editorial y al compositor a través de una sociedad de colección.
La compañía disquera paga entonces las regalías, si está obligada contractualmente, al artista discográfico. En el caso de las descargas digitales o el streaming online de música, no hay un medio físico más que la memoria del computador del consumidor en su en su reproductor multimedia portable o portátil.
Por esta razón, artistas como Taylor Swift, Paul McCartney, Kings of Leon, y otros han pedido cambios legales que negara a las redes sociales el derecho de transmitir su música sin pagarles regalías.
En el mercado digital y en línea del 2000, la distribución se vuelve opcional. Grandes tiendas en línea pueden pagar las etiquetas directamente, pero los distribuidores digitales existen para proporcionar servicios de distribución para los vendedores grandes y pequeños.
Al comprar descargas digitales o escuchar música en streaming, el consumidor puede estar obligado a acordar términos de licencias de compañía y proveedores más allá de los que son inherentes a los derechos de autor; por ejemplo, algunos servicios pueden permitir a los consumidores compartir libremente la grabación, pero otros pueden restringir al usuario para almacenar la música en un número específico de unidades de disco duro o dispositivos.
✔ Difusión, banda sonora y streaming
Cuando la grabación es una difusión (bien sea en radio o un servicio de musica de fondo como lo es Muzak), Organizaciones de derecho a presentación (como la ASCAP y BMI en Estados Unidos, SOCAN en Canada, o MCPS y PRS en Reino Unido), reciben un tercer tipo de regalía, la regalía por presentación, la cual es pagada a los escritores, compositores y artistas discograficos.
Esta regalía normalmente es mucho menor que la de edición o las mecánicas. Entre las décadas pasadas, mas del “15 al 30 por cierto” de los temas en servicio de transmisión no están identificados con un artista especifico.
Jeff Price dice “Audiam, un servicio de streaming de música online, ha hecho más de varios cientos de miles de dólares en el año pasado de la recaudación de regalías de streaming en línea.
De acuerdo con Ken Levitan, manager de Kings of Leon, Cheap Trick y otros, “Youtube se ha vuelto la radio para los chicos”.
Debido a la sobreutilización de YouTube y streaming sin conexión, las ventas de álbumes han caído un 60 por ciento en los últimos años. Cuando se usan grabaciones en televisión y películas, el compositor y su compañía editora suelen pagarse a través de una licencia de sincronización.
En la década del 2000, los servicios de suscripción en línea (como Rhapsody) también proporcionan un flujo de ingresos directamente a las compañías discográficas y, a través de ellas, a los artistas, si los contratos lo permiten.
✔ Música en vivo
Un promotor reúne a un artista interpretativo y al propietario de un local y este elabora varios contratos. Una agencia de contrataciones presenta el artista a los promotores, hace tratos y agenda presentaciones.
Los consumidores normalmente compran boletos ya sea desde el local o desde un servicio de distribución de boletos tal como “Ticketmaster”.
En Estados Unidos, “Live Nation” es la compañía dominante en todos estos roles: ellos poseen la mayoría de los grandes locales en Estados Unidos, son los más grandes promotores, y poseen a “Ticketmaster”.
El Mánager del artista toma las decisiones de donde y cuando viajar, a veces consultando a la compañía discográfica.
Las compañías discográficas pueden financiar un viaje con las esperanzas de que esto ayudará a promocionar la venta de los discos.
Sin embargo, en el siglo XXI, se ha vuelto más común lanzar los discos para promover la venta de los boletos para los espectáculos en vivo, y no reservar viajes para promover las ventas de los discos
Importante, los artistas exitosos normalmente emplearán un roadie: una organización de viaje semipermanente la cual viajará con el artista durante la serie de conciertos.
El roadie es dirigido por un mánager de viajes. Los miembros del roadie proveen iluminación del escenario, refuerzo del sonido en vivo, mantenimiento y ajustes del equipo musical, escolta para el artista, transporte del equipo y miembros del conjunto musical.
En viajes largos, el roadie puede incluir un contador, director de escena, peluqueros, artistas de maquillaje y personal de catering.
Típicamente se contrata a los roadies locales para ayudar a mover el equipo dentro y fuera del escenario.
En viajes pequeños con poco respaldo financiero, todos estos trabajos pueden ser manejados por unos pocos roadies o los mismos músicos. Las bandas firman con un pequeño sello “independiente” y las bandas en géneros como hardcore punk tienden a hacer sus viajes sin un roadie, o con soporte mínimo.
✔ Management de artistas y representación
Artistas tales como cantantes y músicos pueden contratar a un número de personas de otros campos para asistirlos con su carrera.
El mánager supervisa todos los aspectos de la carrera de un artista a cambio de un porcentaje de sus ganancias. Un abogado del espectáculo los asiste con los detalles de sus contratos y con las compañías discográficas y otros detalles.
Un administrador de negocios maneja las transacciones financieras, impuestos y la contabilidad. Uniones, tales como AFTRA y la American Federation of Musicians en Estados Unidos proveen seguro médico y seguro para instrumentos en caso de los músicos.
Un artista exitoso funciona en el mercado como una marca y como tal, ella puede obtener ingresos desde muchas otras fuentes, tales como mercancía, apoyo personal, apariciones (sin presentaciones) en eventos o en servicios basados en internet.
Normalmente estos son supervisados por el mánager y toman la forma de relación entre el artista y las compañías que se especializan en estos productos.
Los cantantes también pueden contratar a un maestro de canto, instructor de danza o un maestro de actuación.
Los intérpretes también pueden contratar a un entrenador personal o a un mentor personal para ayudarlos
✔ Nuevos modelos comerciales
En el año 2000, las líneas tradicionales que dividían una vez a cantantes, instrumentistas, editores, compañías disqueras, distribuidores, minoristas y productos electrónicos se han difuminado o borrado.
Los artistas pueden grabar en un estudio casero usando una laptop de alta calidad y un programa de grabación digital tal como Protools o el uso de Kickstarter para recaudar fondos para una sesión de grabación costosa de estudio sin involucrar a una compañía discográfica.
Los artistas pueden elegir promoverse y comercializarse exclusivamente usando solo servicios de compartir vídeos gratuitos en línea tales como Youtube o usando sitios web de redes sociales, evitando la promoción y comercialización tradicional de una compañía discográfica.
En el año 2000, productos electrónicos y compañías de computación tales como Apple Computer se han vuelto minoristas de música digital.
Las nuevas distribuciones tecnológicas en música digital y las tendencias hacia usar muestreo de las canciones viejas en canciones nuevas o mezclar diferentes canciones para crear una grabación “mashup” también han forzado tanto a los gobiernos como a la industria de la música para revisar las definiciones de propiedad intelectual y los derechos de todas las partes involucradas.
Además, esto complica el problema de definir límites de derechos de autor, así como el hecho de que la definición de “derechos” y “derechos de autor” varia de país en país y de región en región, lo cual cambia los términos de algunas de estas relaciones de negocios.
💿 Estructura de la industria discográfica
Como ya se comentó al principio del presente artículo, la industria discográfica y la industria musical no son lo mismo. Por ello, se pasa a definir la estructura y funciones la industria discográfica.
La industria discográfica está guiada por la tecnología, mucho más de lo que se podría ver en cualquier otra parte de la industria de la música. Llevar un álbum desde el estudio al cliente final solía ser un proceso largo y costoso, pero en la actualidad un álbum puede ser producido en una laptop y distribuido a través del streaming con un coste marginal de cero – como podemos ver, la estructura de la cadena de producción ha cambiado de forma radical.
La dirección en la era de la distribución física era bastante clara. Las discográficas estaban produciendo y vendiendo, los fabricantes estaban creando el medio físico, los distribuidores estaban ocupándose de las logísticas, y las tiendas de música se encargaban de los clientes finales.
El entorno digital ha cambiado el sistema por completo. Ahora los clientes obtienen música a través de proveedores de servicios digitales (distribución digital de música) de todos los tipos, yendo desde plataformas con publicidad como Youtube a radios digitales como Pandora y servicios de streaming por suscripción.
Los artistas trabajan con las discográficas, y las discográficas trabajan con los distribuidores, quienes colectan las regalías de las plataformas de streaming. Sin embargo, casi cada paso de esta cadena puede ser omitido.
Los artistas pueden lanzar su música directamente en plataformas como Soundcloud, Bandcamp e incluso Spotify, o firmar un acuerdo de “sólo distribución” para poner su música en todas las plataformas digitales – y mantener gran parte de los ingresos para sí mismos. Independientemente, las discográficas siguen estando en el centro de la industria, y pudieron mantener su posición gracias a que lograron adaptarse a las nuevas necesidades del mercado.
Verás, incluso si los artistas pueden grabar un álbum y hacer que esté disponible en todo el mundo sin coste alguno, de igual forma necesitan un “banco de música” para financiar la promoción del lanzamiento – así es como funciona la economía discográfica.
💿 Funciones de la industria discográfica
La industria discográfica tiene tres objetivos principales:
- Buscar y encontrar a artistas talentosos
- Producir canciones: Financiar el proceso de grabación y ayudar al artista a desarrollar su sonido e imagen.
- Promocionar a los artistas y lanzamientos a través de todos los canales al mismo tiempo que diseñan, implementan y financian las campañas de marketing.
- Fabricar y distribuir el producto.
Los tres primeros objetivos son el foco central de todas las discográficas, aunque las prioridades entres las tres han ido cambiando al pasar los años – pero no te preocupes, ya explicaremos eso luego.
La cuarta función (fabricar y vender el producto) es el trabajo de los distribuidores. Sin embargo, algunas discográficas (principalmente las más grandes) pueden internalizar ese proceso y distribuir por sí mismas – lo cual, de hecho, es una de las principales distinciones cualitativas entre las grandes discográficas y las discográficas independientes en cuanto a proceso se refiere.
1. Buscando a artistas talentosos
Casi cualquier discográfica tiene un departamento de A&R (Artist & Repertoire, o Artistas & Repertorio). Puede limitarse sólo a la búsqueda de talentos pero también puede trabajar con los artistas, abarcando todo desde la imagen hasta la composición del equipo creativo. Las A&R pueden venir de todas las formas y tamaños – pero su objetivo primordial es encontrar a artistas prometedores para hacer que se unan a la discográfica.
El buscar talento ha cambiado muchísimo desde que el espacio digital se apoderó de la industria de la música y las tecnologías han hecho que la producción sea mucho más accesible. Hace tiempo las discográficas eran cazatalentos que debían confiar en artistas inexperimentados, con la esperanza de que tuvieran un debut exitoso. Eso significaba que debían realizar inversiones sin que hubiera una garantía real de que fuera a existir un retorno – pero debían tomar ese riesgo, pues muchos de los más grandes éxitos de aquellas épocas surgieron gracias a dicho riesgo.
En la actualidad, los artistas emergentes pueden realizar sus debuts sin necesidad de que las discográficas intervengan. Las primeras canciones o álbumes ahora pueden ser creados desde la comodidad de una habitación en casa. Las bases de fans iniciales pueden ser desarrolladas en las redes sociales, las cuales se han vuelto el terreno principal donde operan muchas A&R. Antes, las discográficas se dedicaban a crear canciones; ahora se dedican a encontrarlas – y los primeros acuerdos discográficos son llevados a cabo cuando los artistas ya han grabado y lanzado música por su propia cuenta.
En términos contractuales, aquí es donde ocurre el cambio de los contratos con los artistas a los acuerdos de licencias. Bajo un contrato de artista, la discográfica le realiza un pago por adelantado a los artistas y financia el ciclo completo de lanzamiento para disponer del copyright permanente del producto final. Por otro lado, los acuerdos de licencia son llevados a cabo cuando el artista brinda una licencia de una canción existente, dándole el copyright a la discográfica durante un periodo de tiempo especificado (en algunos casos también se especifica el mercado geográfico).
Tales acuerdos son menos arriesgados pero más costosos para la industria discográfica; por un lado, la discográfica debe invertir para “comprar” una canción existente (y medianamente exitosa), pero los riesgos de la etapa creativa son evitados por completo.
Te dejo un artículo completo sobre contratos discográficos ya publicado para que amplíes:
✔ Producción ejecutiva y dirección creativa
Sin embargo, el encontrar el talento es sólo la primera parte del trabajo de las A&R. Una vez que el acuerdo ya está hecho, los representantes del departamento continúan trabajando con los artistas. Del lado de la producción, deben ofrecer una dirección creativa general y apoyar en la creación del equipo creativo; es decir, encontrar compositores y canciones para los artistas que no crean su propio material, hacer que los raperos se pongan en contacto con grandes productores y beatmakers, y así sucesivamente.
En el lado del desarrollo del artista, la A&R se convierte en algo parecido a un manager para el talento. ¿Qué tipo de fotografías debería hacer el artista, cómo debería verse la portada del álbum, y qué estética debería tener el vídeo musical? La A&R pueden ayudarte a encontrar las respuestas a dichas preguntas, definiendo así la imagen del artista y posicionando y acomodando el terreno para la futura estrategia de marketing, llevada a cabo por el equipo de promoción.
Es usualmente el manager el que se involucra a profundidad en el proceso de desarrollo del artista. Eso significa que los artistas, las A&R y los managers tienen que estar alineados para que todo funcione bien. Esto no es siempre el caso; suele haber un desbalance de poder entre el manager y la A&R, y dicho desbalance puede terminar inclinándose hacia cualquiera de los dos lados.
Cuando se trata de la dirección artista, las funciones de la A&R pueden limitarse a la administración del proceso de grabación o a la ejecución de la carrera del artista – la extensión de la participación es distinta en cada artista.
Amplía información con:
2. Produciendo la canción
La producción de la canción masterizada es un proceso complejo.
El proceso creativo es único para cada artista: algunos de ellos no necesitan nada más que su laptop, y otros requieren de una orquesta sinfónica, un coro, cientos de mezclas y distintos estudios. Los costes de hacer un álbum pueden caer entre 0 e infinito: Bleach de Nirvana fue grabado en 3 días con un presupuesto de 600 dólares, mientras que Chinese Democracy de Guns N’ Roses costó cerca de 13 millones de dólares y tomó 13 años terminarlo.
Sin embargo, si quitamos los casos excepcionales, podríamos decir sin duda alguna que las inversiones por grabación han disminuido a lo largo de los años.
Desde la creación de la máquina de 8 pistas en 1950 (que permitía mezclas distintas fuentes de sonido para crear el producto final) hasta las modernas estaciones digitales de trabajo o DAW que proveen todo lo que se encuentra en un estudio y lo llevan hasta tu laptop, la tecnología ha optimizado el proceso de producción, haciendo que sea más barato y accesible.
Esto es un cambio monumental en la industria discográfica. En el pasado, la unión con las discográficas era algo obligatorio para que los artistas pudieran grabar su música, pero ahora, el financiar el proceso es tan sólo un punto dentro de la larga lista de servicios ofrecidos por las discográficas.
Algunos artistas aún necesitan rentar estudios, contratar a técnicos, pagar por equipo y sesiones musicales, y las discográficas financian ese proceso – pero ya no es una parte integral de este negocio.
Poseer un estudio de grabación completo es muy inusual para una discográfica de la actualidad, pero en el siglo anterior todas las discográficas disponían de docenas de ingenieros trabajando.
La industria discográfica ya no está aquí para grabar, sino para encontrar a futuros artistas y ayudarles a desarrollar sus carreras y a encontrar sus audiencias.
3. Promoción y marketing
Entonces, a medida que los costes de producción se redujeron de forma substancial, las discográficas tuvieron que adaptarse, cambiando su foco de producir canciones a promocionarlas. La parte principal del servicio de las discográficas ahora se enfoca en la promoción, marketing y distribución de los lanzamientos, y los acuerdos de licencias son una implicación de ese cambio.
La promoción y marketing son casi lo mismo, pues comparten el mismo objetivo. La diferencia principal es que el marketing involucra pagar directamente para tener más alcance y más audiencia, mientras que la estrategia de promoción se enfoca más en adquirir medios y fans para que hablen del artista “de forma gratuita”.
A gran escala, las estrategias de promoción y marketing son los típicos negocios de siempre: lanzar sencillos y enviárselos a curadores de playlists y programadores de radio para obtener reproducciones iniciales, tratar de persuadir a los periodistas musicales para que hablen del lanzamiento, y una vez que el producto final esté fuera, comprar anuncios y organizar apariciones en radio y televisión.
Las discográficas tienen conexiones con medios tradicionales y digitales, yendo desde radio y televisión hasta blogs y periódicos en línea, y eso no ha cambiado mucho desde los años 60. A pesar de que los medios se han vuelto más diversos y nivelados en general, el crear conexiones sigue siendo un rol crucial en la industria. Al igual que en la vida real, la recomendación de un amigo puede ir bastante lejos – no es lo mismo para un periodista realizar un artículo de un artista no reconocido a hacerlo de ese mismo artista si se los recomendó un manager que conocen y en quién confían.
Esas estrategias de comunicación van a depender del alcance del artista, pero el principio básico sigue siendo el mismo. Los medios han evolucionado y miles de nuevos canales y formatos aparecieron para el equipo de marketing. Sin embargo, el objetivo final de la discográfica es hacer que la gente conozca, escucha y compre el producto.
Amplia información con este artículo:
4. Distribución
Hace tiempo, el hacer que el audio fuera del estudio a la audiencia era un proceso complejo donde había que organizar y optimizar las producciones físicas y las logísticas, y esto dependía de una red de subcontratistas y socios.
Pero luego llegó la era digital, dejando obsoletos los antiguos sistemas y haciendo que la distribución fuera muchísimo más barata. En la actualidad puedes simplemente subir tu música en una plataforma digital – y ya estaría disponible para todos los fans en todas partes del mundo. Sin embargo, la distribución sigue siendo una parte muy importante en la industria discográfica.
Un buen distribuidor no se debe limitar a sólo hacer que la música esté disponible en las plataformas de streaming, también debe encargarse de hacer que sea visible en la plataforma. Hemos hablado de la distribución de la música en otro artículo, así que puedes revisarlo para saber más al respecto.
✔ Licencias y sincronización
Existe otra parte dentro de la industria discográfica que hemos decidido dejar de lado por ahora: la integración de la música en otros productos creativos, como películas, videojuegos y más. Al igual que la distribución en plataformas de streaming, la sincronización de contenido se puede convertir en una buena fuente de ingresos y un excelente canal de promoción. Existen decenas de artistas que se han vuelto muy famosos luego de una integración exitosa.
La sincronización es un terreno complicado, el cual afecta a las compañías discográficas y de publicidad, al igual que a representantes de licencias, supervisores musicales y compañías de producción.
Para saber más cómo funcionan las licencias de sincronización, revisa este artículo ya publicado:
💿 Estadísticas en ventas
✔ Aumento del volumen de ventas de álbumes digitales en 2014
De acuerdo a IFPI, las ventas de álbumes digitales a nivel mundial aumentaron un 6.9% en el 2014.
| País | Porcentaje |
| EEUU | +2.1% |
| Reino Unido | -2.8% |
| Francia | -3.4% |
| Global (est.) | +6.9% |
✔ Consolidación
Previo al diciembre de 1998, la industria estaba dominada por los “seis grandes”. Son Music y BMG no habían emergido, y PolyGram no había sido absorbido por por Universal Music Group. Después de que emergiera PolyGram-Universal, las acciones en el mercado de 1998 reflejaron un “cinco grandes”, dominando el 77.4% del mercado, seguido de, según dice el reporte de MEI World 2000:
- Universal Music Group — 28.8%
- Marcas independientes — 22.6%
- Sony Music Entertainment — 21.1%
- EMI — 14.1%
- Warner Music Group — 13.4%
En el 2004, el surgimiento de Sony y BMG creo “los cuatro grandes” en el momento que el mercado mundial estaba valorado en $30-40 billones. El total de unidades (CD, videos musicales, MP3) vendidas por año en el 2004 fue de 3 billones. Adicionalmente, según un reporte de la IFPI publicado en agosto del 2005, los cuatro grandes representaron el 71,7% de las ventas minoristas de música:
- Marcas independientes—28.3%
- Universal Music Group—25.5%
- Sony Music Entertainment—21.5%
- EMI Group—13.4%
- Warner Music Group—11.3%
Nielsen SoundScan en su reporte en el 2011 señaló que los “cuatro grandes” controlaron acerca del 88% del mercado.
- Universal Music Group (USA based) — 29.85%
- Sony Music Entertainment (USA based) — 29.29%
- Warner Music Group (USA based) — 19.13%
- Marcas independientes — 12.11%
- EMI Group – 9.62%
Después de que Sony Music Entertainment y Universal Music Group absorvieran a EMI en diciembre del 2011 se crearon los “tres grandes” y el 8 de enero de 2013 después de la fusión hubo despidos de cuarenta trabajadores de EMI. Los reguladores europeos obligaron a Universal Music a desprenderse de los activos de EMI que se convirtieron en Parlophone Label Group, que fue adquirido por Warner Music Group. Nielsen SoundScan emitió un informe en 2012, señalando que estas etiquetas controlaban el 88,5% del mercado, y señaló, además:
- Universal Music Group(establecido en EEUU.) el cual es dueño de EMI Music — 32.41% + 6.78% of EMI Group
- Sony Music Entertainment(establecido en EEUU) el cual es dueño del brazo editor del EMI Group — 30.25%
- Warner Music Group— 19.15%
- Marcas Independientes— 11.42%
✔ Ventas de álbumes y valor comercial
La venta total de álbumes ha declinado en las primeras décadas del siglo XXI, Llevando a algunos críticos de música a declarar la muerte del álbum. (Por ejemplo, los únicos álbumes que fueron platino en los EE.UU. en 2014 fueron la banda sonora de la película de animación de Disney Frozen y Taylor Swift 1989, mientras que varios artistas hicieron en 2013.) La siguiente tabla muestra las ventas de álbumes y el valor de mercado en el mundo en 2014.
| Mercado musical, con valor al por menor total, y la parte de los expedientes físicos, digitales, 2014 | |||||||
| Puesto | Mercado | Valor de ventas US $ (millones) |
% Variación | Físicas | Digital | Derecho de presentacion | Sincronización |
| 1 | Estados Unidos | 4,898.3 | 2.1% | 26% | 71% | 0% | 4% |
| 2 | Japón | 2,627.9 | −5.5% | 78% | 17% | 3% | 1% |
| 3 | Alemania | 1,404.8 | 1.9% | 70% | 22% | 7% | 1% |
| 4 | Reino Unido | 1,334.6 | −2.8% | 41% | 45% | 12% | 2% |
| 5 | Francia | 842.8 | −3.4% | 57% | 27% | 13% | 3% |
| 6 | Australia | 376.1 | −6.8% | 32% | 56% | 9% | 2% |
| 7 | Canada | 342.5 | −11.3% | 38% | 53% | 6% | 2% |
| 8 | Corea del sur | 265.8 | 19.2% | 38% | 58% | 3% | 1% |
| 9 | Brasil | 246.5 | 2.0% | 41% | 37% | 21% | 1% |
| 10 | Italia | 235.2 | 4.1% | 51% | 33% | 13% | 3% |
| 11 | Holanda | 204.8 | 2.1% | 45% | 38% | 16 | 1% |
| 12 | Suecia | 189.4 | 1.3% | 15% | 73% | 10% | 2% |
| 13 | España | 181.1 | 15.2% | 47% | 35% | 17% | 1% |
| 14 | Mexico | 130.3 | −1.4% | 41% | 53% | 4% | 2% |
| 15 | Noruega | 119.9 | 0.1% | 14% | 72% | 12% | 2% |
| 16 | Austria | 114.9 | −2.7% | 65% | 22% | 13% | 1% |
| 17 | Bélgica | 111.2 | −5.8% | 49% | 28% | 22% | 0% |
| 18 | Suiza | 108.2 | −8.1% | 52% | 38% | 9% | 0% |
| 19 | China | 105.2 | 5.6% | 12% | 87% | 0% | 1% |
| 20 | India | 100.2 | −10.1% | 31% | 58% | 8% | 3% |
✔ Ventas al por menor de música grabada
2000
En su informe anual de 30 de junio de 2000 presentado ante la Comisión de Valores de Estados Unidos, Seagram informó que Universal Music Group realizó el 40% de las ventas de música clásica mundial en el año anterior.
2005
Ventas físicas intermedias al por menor en 2005. Todas las cifras en millones.
| Información del país | Unidades | Valor | Variación (%) | ||||||
| Puesto | Nombre de país | Sencillos | CD | DVD | Total de unidades | $ (en USD) | Moneda local | unidades | valor |
| 1 | EEUU | 14.7 | 300.5 | 11.6 | 326.8 | 4783.2 | 4783.2 | −5.70% | −5.30% |
| 2 | Japon | 28.5 | 93.7 | 8.5 | 113.5 | 2258.2 | 239759 | −6.90% | −9.20% |
| 3 | Reino Unido | 24.3 | 66.8 | 2.9 | 74.8 | 1248.5 | 666.7 | −1.70% | −4.00% |
| 4 | Alemania | 8.5 | 58.7 | 4.4 | 71 | 887.7 | 689.7 | −7.70% | −5.80% |
| 5 | Francia | 11.5 | 47.3 | 4.5 | 56.9 | 861.1 | 669.1 | 7.50% | −2.50% |
| 6 | Italia | 0.5 | 14.7 | 0.7 | 17 | 278 | 216 | −8.40% | −12.30% |
| 7 | Canadá | 0.1 | 20.8 | 1.5 | 22.3 | 262.9 | 325 | 0.70% | −4.60% |
| 8 | Australia | 3.6 | 14.5 | 1.5 | 17.2 | 259.6 | 335.9 | −22.90% | −11.80% |
| 9 | India | – | 10.9 | – | 55.3 | 239.6 | 11500 | −19.20% | −2.40% |
| 10 | España | 1 | 17.5 | 1.1 | 19.1 | 231.6 | 180 | −13.40% | −15.70% |
| 11 | Holanda | 1.2 | 8.7 | 1.9 | 11.1 | 190.3 | 147.9 | −31.30% | −19.80% |
| 12 | Rusia | – | 25.5 | 0.1 | 42.7 | 187.9 | 5234.7 | −9.40% | 21.20% |
| 13 | México | 0.1 | 33.4 | 0.8 | 34.6 | 187.9 | 2082.3 | 44.00% | 21.50% |
| 14 | Brasil | 0.01 | 17.6 | 2.4 | 24 | 151.7 | 390.3 | −20.40% | −16.50% |
| 15 | Austria | 0.6 | 4.5 | 0.2 | 5 | 120.5 | 93.6 | −1.50% | −9.60% |
| 16 | suiza | 0.8 | 7.1 | 0.2 | 7.8 | 115.8 | 139.2 | n/a | n/a |
| 17 | Bélgica | 1.4 | 6.7 | 0.5 | 7.7 | 115.4 | 89.7 | −13.80% | −8.90% |
| 18 | Noruega | 0.3 | 4.5 | 0.1 | 4.8 | 103.4 | 655.6 | −19.70% | −10.40% |
| 19 | Suecia | 0.6 | 6.6 | 0.2 | 7.2 | 98.5 | 701.1 | −29.00% | −20.30% |
| 20 | Dinamarca | 0.1 | 4 | 0.1 | 4.2 | 73.1 | 423.5 | 3.70% | −4.20% |
| Top 20 | 74.5 | 757.1 | 42.8 | 915.2 | 12378.7 | −6.60% | −6.30% | ||
Aproximadamente el 21% de las ventas brutas de CD en el 2003 pueden ser atribuidas a las ventas de CD. Este número creció hasta aproximadamente 27% en el 2007.
El crecimiento se atribuye al aumento de las ventas en línea de productos usados por puntos de venta como Amazon.com, se espera que el crecimiento de los medios de comunicación utilizados continúe creciendo a medida que el costo de las descargas digitales continúa aumentando.
La venta de bienes usados beneficia financieramente a los vendedores y los mercados en línea, pero en los Estados Unidos la doctrina de la primera venta impide que los propietarios de derechos de autor (sellos discográficos y editores, en general) se hagan pasar por un impuesto sobre la venta de música usada.
2011
A mediados de 2011, la RIAA anunció un aumento de las ventas del 5% respecto a 2010, afirmando que «probablemente no haya una sola razón» para el topetón.
2012
El informe de la industria de Nielsen Company & Billboard 2012 indica que las ventas totales de música aumentaron un 3,1% con respecto a 2011. Las ventas digitales causaron este incremento, con un crecimiento de ventas de álbum digital del 14,1% y el crecimiento de ventas de Digital Track de 5,1%, mientras que las ventas de música física disminuyeron un 12,8% frente a 2011.
A pesar de la disminución, los álbumes físicos eran todavía el formato dominante del álbum. Las ventas de discos de vinilo aumentaron un 17,7% y las ventas de álbumes de temporada de vacaciones disminuyeron un 7,1%.
✔ Ingresos totales por año
Ingresos comerciales mundiales según la IFPI.
| Año | Ingreso | Variación |
| 2005 | $20.7 billones | -3% |
| 2006 | $19.6 billones | -5% |
| 2007 | $18.8 billones | -4% |
| 2008 | $18.4 billones | -8% |
| 2009 | $17.4 billones | -5% |
| 2010 | $16.8 billones | -8.4% |
| 2011 | $16.2 billones | -3% |
| 2012 | $16.5 billones | +0.3% |
| 2013 | $15 billones | -3.9% |
| 2014 | $14.97 billones | -0.4% |
| 2015 | $15 billones | +3.2% |
¿Te gustó el artículo?
(22 Votos, Promedio: 4,50 de 5)
Cargando...
Información muy valiosa
Gracias Jota, nos alegramos que te resulte de interés.
Saludos
muy bueno gracias
Es super importante definir lo que buscas como músico; les recomiendo que si tienen interes de ser Músicos Independientes busquen paquetes que les brinden promoción a su material.