Ciertamente los llamados musicales son una de las formas de entretenimiento más populares de nuestros tiempos y nos hemos propuesto profundizar acerca de qué son los musicales, su historia y su evolución como género.
¡Toman asientos y disfruten!
🎭 🎼 Qué es el Teatro Musical
El teatro musical es una forma de representación teatral que combina canciones, diálogos, actuaciones y danza. La historia y el contenido emocional de un musical (humor, patetismo, amor, ira) se comunican a través de las palabras, la música, el movimiento y los aspectos técnicos del entretenimiento como un elemento único integrado.
Aunque el teatro musical se superpone con otras formas teatrales como la ópera y la danza, puede distinguirse por la misma importancia que se le da a la música en comparación con el diálogo, el movimiento y otros elementos artísticos. Desde principios del siglo XX, las obras teatrales de teatro musical han sido generalmente llamadas, simplemente, musicales.
Aunque la música ha sido parte de las presentaciones dramáticas desde la antigüedad, el teatro musical moderno occidental apareció durante el siglo XIX, con muchos elementos estructurales establecidos por las obras de Gilbert y Sullivan en Gran Bretaña y las de Harrigan y Hart en América. Estos fueron seguidos por las numerosas comedias musicales eduardianas y las obras de teatro musical de creadores estadounidenses como George M. Cohan a finales del siglo XX.
Los musicales de Princess Theatre (1915–1918) y otros espectáculos inteligentes como Of Thee I Sing (1931) fueron expresiones artísticas que superaron a las revistas y otros entretenimientos espeluznantes de principios del siglo 20, y presentaron obras tan innovadoras como Show Boat (1927) y Oklahoma! (1943).
Algunos de los musicales más famosos a lo largo de las décadas siguientes incluyen West Side Story (1957), The Fantasticks (1960), Hair (1967), A Chorus Line (1975), Les Misérables (1985), The Phantom of the Opera (1986), Rent (1996), The Producers (2001), Wicked (2003) y Hamilton (2015).
Los musicales se realizan en todo el mundo. Pueden presentarse en grandes salas, como las producciones de gran presupuesto de Broadway o West End en la ciudad de Nueva York o Londres.
Alternativamente, los musicales pueden organizarse en lugares más pequeños, como producciones teatrales, off-Broadway, off-off-broadway, teatro regional, teatro comunitario, o en gira.
Los musicales son a menudo presentados por grupos de aficionados y escolares en iglesias, escuelas y otros espacios de actuación.
Además de los Estados Unidos y Gran Bretaña, también existen escenas vibrantes de teatro musical en Europa continental, Asia, Australasia, Canadá y América Latina.
🎭 🎼 Definición de Teatro Musical
👉 Libro musical
Desde el siglo XX, el «libro musical» se ha definido como una obra musical en la que las canciones y los bailes están completamente integrados en una historia bien hecha con objetivos dramáticos serios que pueden evocar emociones genuinas además de la risa.
Los tres componentes principales de un libro musical son su música, letra y libro. El libro o guión de un musical se refiere a la historia, el desarrollo del personaje y la estructura dramática, incluido el diálogo y las direcciones del escenario, pero también puede referirse al diálogo y la letra juntos, que a veces se denominan libretto (italiano para » Libro pequeño»).
La música y las letras juntas forman la partitura de un musical e incluyen canciones, música incidental y escenas musicales, que son «la secuencia teatral puesta en música, a menudo combinando canción con diálogo».
La interpretación de un musical es la responsabilidad de su equipo creativo, que incluye un director, un director musical, generalmente un coreógrafo y, a veces, un orquestador.
La producción de un musical también se caracteriza creativamente por aspectos técnicos, como el diseño de escenografía, el vestuario, las propiedades del escenario (accesorios), la iluminación y el sonido.
El equipo creativo, los diseños y las interpretaciones generalmente cambian de la producción original a las producciones posteriores. Algunos elementos de producción, sin embargo, pueden ser retenidos de la producción original; por ejemplo, la coreografía de Bob Fosse en Chicago.
No existe una duración fija para un musical. Si bien algunos musicales pueden ser elaborados como breve entretenimiento de un acto hasta varios actos y varias horas de duración (o incluso una presentación de varias noches), la mayoría de los musicales tienen una duración de una hora y media, o incluso tres horas.
Los musicales generalmente se presentan en dos actos, con un breve intervalo, y el primer acto suele ser más largo que el segundo. El primer acto generalmente presenta a casi todos los personajes y la mayoría de la música, y a menudo termina con la introducción de un conflicto dramático o complicación de la trama, mientras que el segundo acto puede introducir algunas canciones nuevas, pero generalmente contiene repeticiones de temas musicales importantes y resuelve el conflicto o complicación.
Un libro musical generalmente se construye en torno a cuatro o seis temas principales que se repiten progresivamente a lo largo del programa del musical, aunque a veces consiste en una serie de canciones que no están directamente relacionadas con la música.
El diálogo hablado generalmente está intercalado entre las presentaciones musicales, aunque se puede usar el «diálogo cantado» o el recitativo, especialmente en los llamados musicales «cantados» como Jesus Superstar, Falsettos, Les Misérables, Evita y Hamilton.
Varios musicales más cortos en Broadway y en el West End han sido presentados en un solo acto en las últimas décadas.
Los momentos de mayor drama o intensidad de un musical de libro son usualmente presentados con una canción. Tal como lo indica el proverbio: “cuando la emoción es demasiado fuerte como para hablar, entonces canta; cuando es demasiado fuerte para cantar, entonces baila”.
En un libro musical, las canciones se crean de tal forma que describan perfectamente al personaje (o a los personajes), y que también sean adecuadas para la situación en la que ellos se encuentran dentro de la historia. Sin embargo, han existido momentos en la historia de los musicales (como por ejemplo, desde los años 1890 a los 1920), en los cuales la integración entre la música y la historia ha sido tenue.
Tal como el crítico de The New York Times, Ben Brantley, describió la canción ideal para el teatro cuando reseñaba la versión del 2008 de Gypsy: «No existe separación alguna entre la canción y el personaje, lo cual ocurre en esos momentos poco comunes en los cuales los musicales alcanzan sus razones de ser. “
Típicamente, muchas menos palabras son cantadas en una canción de 5 minutos, en comparación con las palabras que sí son pronunciadas durante un bloque de diálogo de 5 minutos. Por lo tanto, el tiempo para desarrollar un drama es mucho menor en un musical que en una presentación continua que tenga la misma duración, dado que un musical le dedica mucho más tiempo a la música que a los diálogos. Dentro de la naturaleza comprimida de un musical, los escritores deben desarrollar los personajes y la trama.
El material presentado en un musical puede ser original, o puede ser adaptado a partir de novelas (Wicked and Man of La Mancha), obras (Hello, Dolly! And Carousel), leyendas clásicas (Camelot), eventos históricos (Evita), o películas (The Producers and Billy Elliot). Por otra parte, muchos trabajos teatrales que han sido exitosos, han sido adaptados para películas musicales, tales como West Side Story, My Fair Lady, The Sound of Music, Olliver! And Chicago.
👉 Teatro Musical VS Ópera
El teatro musical está estrechamente relacionado con la forma teatral de la ópera, pero los dos se distinguen generalmente por una serie de factores.
Primero, los musicales generalmente tienen un mayor enfoque en el diálogo hablado. Esta no es una regla dura y rápida; algunos musicales están completamente acompañados y cantados, mientras que algunas óperas, como Die Zauberflöte, y la mayoría de las operetas, tienen algún diálogo no acompañado.
En segundo lugar, los musicales también suelen incluir más baile como parte esencial de la narración, particularmente presentado por parte de los artistas principales y el coro.
En tercer lugar, los musicales a menudo utilizan varios géneros de música popular o al menos cantos y estilos musicales populares.
Finalmente, los musicales suelen evitar ciertas convenciones operísticas. En particular, un musical casi siempre se realiza en el idioma de su audiencia. Los musicales producidos en Broadway o en el West End, por ejemplo, se cantan invariablemente en inglés, incluso si se escribieron originalmente en otro idioma.
Mientras que un cantante de ópera es principalmente un cantante y solo un actor secundario (y rara vez necesita bailar), un actor de teatro musical es a menudo primero un actor, pero también debe ser un cantante y bailarín.
Alguien que tiene el mismo desempeño en los tres se conoce como una «triple amenaza». Los compositores de música para musicales a menudo consideran las demandas vocales de los roles con intérpretes de teatro musical en mente. Hoy en día, los grandes teatros que presentan musicales generalmente usan micrófonos y amplifican las voces de los actores de una manera que generalmente se desaprobaría en un contexto operístico.
Algunas obras (por ejemplo, de George Gershwin, Leonard Bernstein y Stephen Sondheim) se han convertido en producciones de «teatro musical» y «ópera». Del mismo modo, algunas operetas más antiguas u óperas ligeras (como Los piratas de Penzance de Gilbert y Sullivan) se han producido en adaptaciones modernas que los consideran como musicales.
Para algunas obras, los estilos de producción son casi tan importantes como el contenido musical o dramático de la obra al definir a qué tipo de arte pertenece la pieza. Sondheim dijo: «Realmente creo que cuando algo se presenta en Broadway, es un musical, y cuando se presenta en una casa de ópera, es ópera. Eso es todo. Es el terreno, el campo, las expectativas del público lo que hace que sea una cosa u otra». Sigue existiendo una superposición entre las formas operísticas más ligeras, y los musicales más musicalmente complejos o ambiciosos.
En la práctica, a menudo es difícil distinguir los diversos tipos de teatro musical, incluyendo «obra musical», «comedia musical», «opereta» y «ópera ligera».
Al igual que la ópera, el canto en el teatro musical generalmente está acompañado por un grupo instrumental llamado “orquesta de foso”, ubicado en un área baja frente al escenario.
Mientras que la ópera generalmente utiliza una orquesta sinfónica convencional, los musicales generalmente se orquestan para grupos musicales que van desde 27 músicos hasta una cantidad mucho menor.
Los musicales de rock generalmente emplean en su mayoría un pequeño grupo de instrumentos de rock, y algunos musicales pueden requerir tan solo un piano o dos instrumentos.
La música en los musicales utiliza una variedad de «estilos e influencias que incluyen operetas, técnicas clásicas, música tradicional, jazz y estilos locales o históricos que son apropiados para el escenario». Los musicales pueden comenzar con una obertura interpretada por la orquesta que «reúne extractos de las famosas melodías de la partitura».
👉 Tradiciones orientales y otras formas
Hay varias tradiciones orientales del teatro que incluyen música, como la ópera china, la ópera taiwanesa, el teatro japonés Noh y el teatro musical indio, incluido el drama sánscrito, la danza clásica india y el Yakshagana.
India, desde el siglo XX, ha producido numerosas películas musicales, conocidas como musicales «Bollywood», y en Japón se ha desarrollado una serie de musicales basados en los populares cómics de Anime y Manga en las últimas décadas.
Versiones «junior» más cortas o simplificadas de muchos musicales están disponibles para escuelas y grupos de jóvenes, y las obras muy cortas creadas o adaptadas para la interpretación de los niños son a veces denominadas minimúsicas.
🎭 🎼 Historia del Teatro Musical
⏳ Primeros inicios del teatro musical
Los antecedentes del teatro musical en Europa se remontan al teatro de la antigua Grecia, donde la música y la danza se incluyeron en comedias y tragedias escénicas durante el siglo V a. C.
La música de las formas antiguas se pierde, sin embargo, y tuvieron poca influencia en el desarrollo posterior del teatro musical.
En los siglos XII y XIII, los dramas religiosos enseñaban la liturgia. Los grupos de actores usaban vagones de concurso al aire libre (etapas sobre ruedas) para contar cada parte de la historia. Las formas poéticas a veces se alternaban con los diálogos en prosa, y los cantos litúrgicos dieron paso a nuevas melodías.
El Renacimiento europeo vio cómo las formas más antiguas evolucionaban hacia dos antecedentes del teatro musical: commedia dell’arte, donde payasos ruidosos improvisaban historias familiares y, más tarde, ópera buffa.
En Inglaterra, las obras isabelinas y jacobeas incluían frecuentemente la música, y las obras musicales cortas comenzaron a presentarse en los entretenimientos dramáticos de una noche.
Durante el período Tudor, se desarrollaron mascaradas cortesanas, que involucraban música, baile, canto y actuación, a menudo con trajes costosos y un diseño escénico complejo. Estos se convirtieron en obras cantadas que son reconocibles como óperas en inglés, tales como The Siege of Rhodes (1656).
Mientras tanto, en Francia, Molière convirtió varias de sus comedias cómicas en entretenimientos musicales con canciones (música proporcionada por Jean-Baptiste Lully) y baile a finales del siglo XVII. Estos influyeron en un breve período de la ópera inglesa de compositores como John Blow y Henry Purcell.
Desde el siglo XVIII, las formas más populares de teatro musical en Gran Bretaña fueron las óperas de balada, como The Beggar’s Opera, de John Gay, que incluía letras escritas al ritmo de canciones populares de la época (a menudo falsificando la ópera), y más tarde Pantomima, que se desarrolló a partir de commedia dell’arte, y ópera cómica con tramas en su mayoría románticas, como The Bohemian Girl (1845) de Michael Balfe.
Mientras tanto, en el continente surgían singspiel, comédie en vaudeville, opéra comique, zarzuela y otras formas de entretenimiento musical ligero.
The Beggar’s Opera, fue la primera obra de larga duración grabada de cualquier tipo, con 62 actuaciones sucesivas en 1728.
Pasó casi un siglo después de que cualquier obra alcanzara un número total de 100 presentaciones, pero el récord pronto alcanzó las 150 a fines de la década de 1820.
Otras formas de teatro musical desarrolladas en Inglaterra en el siglo XIX, como el music hall, el melodrama y el burletta, se popularizaron en parte porque la mayoría de los teatros de Londres tenían licencia solo como salas de música y no se les permitía presentar obras sin música.
La América colonial no tuvo una presencia teatral significativa hasta 1752, cuando el empresario londinense William Hallam envió una compañía de actores a las colonias administradas por su hermano Lewis.
En Nueva York, en el verano de 1753, interpretaron balada-óperas, como The Beggar’s Opera, y ballad-farces. En la década de 1840, P. T. Barnum estaba operando un complejo de entretenimiento en el bajo Manhattan.
Otro teatro musical antiguo en América consistía en formas británicas, como burletta y pantomima, pero la forma en que se llamó una pieza no definió necesariamente lo que era. La extravaganza de Broadway de 1852, The Magic Deer, se promocionó como «Un cuento histórico de encantamiento extravagántico, histórico, y trágico».
El teatro en Nueva York se mudó gradualmente hasta el centro de la ciudad desde aproximadamente 1850, y no llegó a la zona de Times Square. Hasta los años veinte y treinta. The Elves, the Broadway (1857) rompieron la barrera del rendimiento de los años 50. Las carreras en Nueva York siguieron quedando muy por detrás de las de Londres, pero la burletta musical de Laura Keene, Seven Sisters (1860) rompió los récords anteriores de Nueva York con un éxito de 253 presentaciones.
⏳ Desde los años 1850 hasta los 1880s
Alrededor de 1850, el compositor francés Hervé estaba experimentando con una forma de teatro musical cómico que él llamó opérette.
Los compositores de opereta más conocidos fueron Jacques Offenbach, desde 1850 hasta 1870, y Johann Strauss II en 1870 y 1880. Las melodías fértiles de Offenbach, combinadas con la sátira ingeniosa de sus libretistas, formaron un modelo para el teatro musical siguiente.
Las adaptaciones de las operetas francesas (interpretadas mayormente con traducciones malas y arriesgada) burlescos musicales, music hall, pantomima y burletta dominaron la etapa musical de Londres en la década de 1870.
En Estados Unidos, los entretenimientos de teatro musical de mediados del siglo XVIII incluían variedades amplias, que eventualmente se convirtieron en vodevil, espectáculos de juglares, que pronto cruzaron el Atlántico hacia Gran Bretaña, y burlescos victorianos, primero popularizados en los Estados Unidos por compañías británicas.
Un musical de gran éxito que se estrenó en Nueva York en 1866, The Black Crook, fue una pieza de teatro musical original que se ajustaba a muchas de las definiciones modernas de un musical, incluida la danza y la música original que ayudó a contar la historia. La espectacular producción, famosa por sus trajes diminutos, tuvo 474 presentaciones sin precedentes.
El mismo año, The Black Domino / Between You, Me and the Post fue el primer programa en llamarse a sí mismo una «comedia musical». Los comediantes Edward Harrigan y Tony Hart produjeron y protagonizaron musicales en Broadway entre 1878 (The Mulligan Guard Picnic) y 1885.
Estas comedias musicales presentaron personajes y situaciones tomadas de la vida cotidiana de las clases más bajas de Nueva York y representaron un paso significativo hacia un avance más teatral y legítimo.
Ellos protagonizaron cantantes de alta calidad (Lillian Russell, Vivienne Segal y Fay Templeton) en lugar de las damas de reputación cuestionable que habían protagonizado las formas musicales anteriores.
A medida que mejoraba el transporte, que la pobreza en Londres y Nueva York disminuía, y que la iluminación de las calles hacía que los viajes fueran más seguros durante la noche, el número de clientes del creciente número de teatros aumentó enormemente.
Las obras de teatro duraron más, lo que llevó a mejores ganancias y mejores valores de producción, y los hombres comenzaron a traer a sus familias al teatro.
La primera pieza de teatro musical que superó las 500 presentaciones consecutivas fue la opereta francesa The Chimes of Normandy en 1878.
La ópera cómica inglesa adoptó muchas de las ideas exitosas de la opereta europea, ninguna con más éxito que la serie de más de una docena de las óperas cómicas de Gilbert y Sullivan, incluyendo H.M.S. Pinafore (1878) y The Mikado (1885).
Estas fueron sensaciones en ambos lados del Atlántico y en Australia y ayudaron a elevar el estándar para lo que se consideró un espectáculo exitoso.
Estos programas fueron diseñados para audiencias familiares, un marcado contraste entre los burlescos, los ruidosos espectáculos de salas de conciertos y las operetas francesas que a veces atraían a una multitud que buscaba un entretenimiento menos saludable.
Solo unas pocas piezas musicales del siglo XIX superaron la carrera de The Mikado, como Dorothy, que se inauguró en 1886 y estableció un nuevo récord con un éxito de 931 presentaciones. La influencia de Gilbert y Sullivan en el teatro musical posterior fue profunda, creando ejemplos de cómo «integrar» los musicales para que las letras y el diálogo avancen en una historia coherente.
Sus obras fueron admiradas y copiadas por los primeros autores y compositores de musicales en Gran Bretaña y América.
⏳ Desde los años 1890 hasta el nuevo siglo
A Trip to Chinatown (1891) fue el campeón a largo plazo de Broadway (hasta Irene en 1919), con 657 presentaciones, pero las carreras en Nueva York continuaron siendo relativamente cortas, con algunas excepciones, en comparación con las carreras en Londres, hasta la década de 1920.
Gilbert y Sullivan fueron pirateados e imitados en Nueva York por producciones como Robin Hood (1891), de Reginald De Koven, y The Captain (1896), de John Philip Sousa. A Trip to Coontown (1898) fue la primera comedia musical producida y realizada en su totalidad por afroamericanos en Broadway (en gran parte inspirada en las rutinas de los espectáculos de minstrel).
Cientos de comedias musicales se presentaron en Broadway en la década de 1890 y principios del siglo XX, compuestas por canciones escritas en el Tin Pan Alley de Nueva York, incluidas las de George M. Cohan, quien trabajó para crear un estilo estadounidense distinto del de Gilbert y Sullivan. Los espectáculos más exitosos de Nueva York fueron seguidos a menudo por extensas giras nacionales.
Mientras tanto, los musicales se adueñaron del escenario londinense en Gay Nineties, dirigido por el productor George Edwardes, quien percibió que las audiencias querían una nueva alternativa a las óperas cómicas de estilo Savoy y su sátira intelectual, política y absurda.
Experimentó con un estilo de teatro musical más moderno y familiar, con ventosas canciones populares, bromas rápidas y románticas y un espectáculo elegante en Gaiety y sus otros teatros. Estos se inspiraron en las tradiciones de la ópera cómica y utilizaron elementos del burlesque y de las piezas de Harrigan y Hart.
Reemplazó a las mujeres de burlesque con su «respetable» cuerpo de Gaiety Girls para completar la diversión musical y visual. El éxito de la primera de ellas, In Town (1892) y A Gaiety Girl (1893) marcaron el estilo para las próximas tres décadas. Las tramas eran generalmente ligeras, románticas, «la pobre doncella ama a los aristócratas y le gana contra todo pronóstico», con música de Ivan Caryll, Sidney Jones y Lionel Monckton.
Estos programas fueron inmediatamente copiados ampliamente en América, y la comedia musical eduardiana barrió las formas musicales anteriores de la ópera cómica y la opereta.
La Geisha (1896) fue una de las más exitosas en la década de 1890, funcionó durante más de dos años y logró un gran éxito internacional.
The Belle of New York (1898) se convirtió en el primer musical estadounidense en ser lanzado durante más de un año en Londres.
La comedia musical británica Florodora (1899) fue un éxito popular en ambos lados del Atlántico, al igual que A Chinese Honeymoon (1901), que tuvo un récord de 1,074 presentaciones en Londres y 376 en Nueva York.
Después del cambio de siglo, Seymour Hicks unió fuerzas con Edwardes y el productor estadounidense Charles Frohman para crear otra década de espectáculos populares.
Otros éxitos duraderos de la comedia musical eduardiana incluyen The Arcadians (1909) y The Quaker Girl (1910).
⏳ Comienzos del siglo XX
Prácticamente eliminadas de la etapa de habla inglesa por competencia de las omnipresentes comedias musicales eduardianas, las operetas regresaron a Londres y Broadway en 1907 con The Merry Widow, y las adaptaciones de las operetas continentales se convirtieron en competidores directos con los musicales.
Franz Lehár y Oscar Straus compusieron nuevas operetas que fueron populares en inglés hasta la Primera Guerra Mundial.
En América, Victor Herbert produjo una serie de operetas duraderas que incluyen The Fortune Teller (1898), Babes in Toyland (1903), Mlle. Modiste (1905), The Red Mill (1906) y Naughty Marietta (1910).
En la década de 1910, el equipo de PG Wodehouse, Guy Bolton y Jerome Kern, siguiendo los pasos de Gilbert y Sullivan, crearon “The Princess Theatre shows”, y despejaron el camino para el trabajo posterior de Kern al demostrar que un musical podría combinar la luz y el entretenimiento popular con una continuidad entre su historia y sus canciones.
El historiador Gerald Bordman escribió:
Estos espectáculos construyeron y pulieron el molde a partir del cual evolucionaron casi todas las comedias musicales importantes. Los personajes y las situaciones eran creíbles dentro de los límites de la licencia de comedia musical, y el humor provenía de las situaciones o la naturaleza de los personajes.
Las melodías exquisitamente fluidas de Kern se emplearon para promover la acción o desarrollar la caracterización. La comedia musical (eduardiana) a menudo era culpable de insertar canciones de una manera imprevista.
Los musicales de Princess Theatre provocaron un cambio de enfoque. P. G. Wodehouse, el letrista más observador, alfabetizado e ingenioso de su época, y el equipo de Bolton, Wodehouse y Kern tuvieron una gran influencia hasta la actualidad.
El público que iba al teatro necesitaba entretenimiento escapista durante los tiempos oscuros de la Primera Guerra Mundial, y acudieron constantemente al teatro.
El exitoso musical de 1919, Irene, alcanzó 670 presentaciones, un disco de Broadway que se mantuvo hasta 1938.
El público del teatro británico apoyó obras mucho más largas como “The Maid of the Mountains” (1,352 presentaciones), especialmente Chu Chin Chow. Su éxito de 2,238 presentaciones fue más del doble que cualquier musical anterior, estableciendo un récord que se mantuvo durante casi cuarenta años.
Tanto Revues como The Bing Boys Are Here, en Gran Bretaña, y los de Florenz Ziegfeld y sus imitadores en América, también fueron extraordinariamente populares.
Los musicales de Roaring Twenties, tomados de vodevil, music hall y otros entretenimientos ligeros, tendían a enfatizar las grandes rutinas de baile y las canciones populares a expensas de la trama.
Las producciones alegres como Sally, Lady, Be Good, No, No, Nanette, Oh, Kay! y Funny Face fueron espectáculos típicos de la década.
A pesar de historias olvidables, estos musicales presentaron estrellas como Marilyn Miller y Fred Astaire y produjeron docenas de canciones populares perdurables de Kern, George e Ira Gershwin, Irving Berlin, Cole Porter y Rodgers and Hart.
La música popular estaba dominada por los estándares del teatro musical, como «Fascinating Rhythm«, «Tea for Two» y «Someone to Watch Over Me«.
Muchos shows fueron revistas, series de bocetos y canciones con poca o ninguna conexión entre ellos. Los más conocidos de estos fueron los Ziegfeld Follies anuales, espectaculares revistas de canciones y bailes en Broadway que presentan conjuntos extravagantes, trajes elaborados y hermosas chicas de coro.
Estos espectáculos también aumentaron los valores de producción, y el montaje de un musical generalmente se volvió más caro. Shuffle Along (1921) fue un exitoso espectáculo afroamericano en Broadway.
Una nueva generación de compositores de operetas también surgió en la década de 1920, como Rudolf Friml y Sigmund Romberg, para crear una serie de éxitos populares de Broadway.
En Londres, las estrellas escritoras como Ivor Novello y Noël Coward se hicieron populares, pero la primacía del teatro musical británico desde el siglo XIX hasta el 1920 fue reemplazada gradualmente por la innovación estadounidense, especialmente después de la Primera Guerra Mundial, como Kern y otros compositores de Tin Pan Alley, lo cual comenzó a traer nuevos estilos musicales como ragtime y jazz a los teatros, y los Shubert Brothers tomaron el control de los teatros de Broadway.
El escritor de teatro musical Andrew Lamb señala: «Los estilos operísticos y teatrales de las estructuras sociales del siglo XIX fueron reemplazados por un estilo musical más apropiado para la sociedad del siglo XX y su lenguaje popular. Fue en Estados Unidos donde surgió el estilo más directo, y en Estados Unidos, que fue capaz de florecer en una sociedad en desarrollo menos hechizada por la tradición del siglo XIX”.
En Francia, la comedia musical se escribió entre las primeras décadas del siglo para estrellas como Yvonne Printemps.
⏳ Showboat y la gran depresión
Avanzando mucho más allá de los musicales relativamente frívolos y las operetas sentimentales de la década, Show Boat (1927) de Broadway representó una integración del libro y la partitura aún más completa que los musicales del Princess Theatre, con temas dramáticos narrados a través de la música, el diálogo, el escenario y el movimiento.
Esto se logró combinando el lirismo de la música de Kern con el hábil libreto de Oscar Hammerstein II.
Un historiador escribió: «Aquí llegamos a un género completamente nuevo: la obra musical que se distingue de la comedia musical.
Ahora todo lo demás estaba subordinado a esa obra. Ahora, llegó la integración completa de los números de canciones, humor y producción en una entidad artística única e inextricable.
Cuando la Gran Depresión se estableció durante la gira nacional post-Broadway de Show Boat, el público volvió a la mayoría de los espectáculos de baile y danza escapista.
Las audiencias a ambos lados del Atlántico tenían poco dinero para gastar en entretenimiento, y solo unos pocos espectáculos en algún lugar superaron las 500 presentaciones durante la década.
La revista The Band Wagon (1931) fue protagonizada por sus compañeros de baile Fred Astaire y su hermana Adele, mientras que Porter’s Anything Goes (1934) confirmó la posición de Ethel Merman como la Primera Dama del teatro musical, un título que mantuvo durante muchos años. Coward y Novello continuaron presentando musicales viejos y sentimentales, como The Dancing Years, mientras que Rodgers y Hart regresaron de Hollywood para crear una serie de exitosos espectáculos de Broadway, incluyendo On Your Toes (1936, con Ray Bolger, el primer musical de Broadway en hacer un uso dramático de la danza clásica, Babes in Arms (1937) y The Boys from Syracuse (1938).
Porter añadió DuBarry Was a Lady (1939). La pieza de teatro musical de más larga duración de la década de 1930 fue Hellzapoppin (1938), una revista con participación del público que alcanzó las 1.404 actuaciones, estableciendo un nuevo récord de Broadway.
Sin embargo, algunos equipos creativos comenzaron a desarrollar las innovaciones de Show Boat.
Of The I Sing (1931), una sátira política de los Gershwins, fue el primer musical galardonado con el Premio Pulitzer.
Thousands Cheer (1933), una revista de Irving Berlin y Moss Hart en la que cada canción o boceto se basaba en un titular de un periódico, marcó el primer espectáculo de Broadway en el que una afroamericana, Ethel Waters, fue la protagonista junto a actores blancos.
Los números de Waters incluyen «Supper Time«, el lamento de una mujer por su esposo que había sido linchado.
Porgy and Bess (1935) de Gershwins presentó un elenco afroestadounidense, convópera, folk y jazz mezclados.
The Cradle Will Rock (1937), dirigida por Orson Welles, fue una pieza pro-sindical altamente política que, a pesar de la controversia que la rodea, tuvo 108 presentaciones. La película de Rodgers y Hart, “I’d Rather Be Right” (1937) fue una sátira política con George M. Cohan como presidente Franklin D. Roosevelt, y Knickerbocker Holiday, de Kurt Weill, describió la historia de la ciudad de Nueva York mientras satirizaba las buenas intenciones de Roosevelt.
Las películas significaron un desafío para el escenario. Las películas mudas habían presentado solo una competencia limitada, pero a finales de la década de 1920, películas como The Jazz Singer podían presentarse con sonido sincronizado.
Las películas «Talkie» a precios bajos mataron efectivamente al vodevil a principios de los años 1930. A pesar de los problemas económicos de la década de 1930 y la competencia del cine, el musical sobrevivió. De hecho, continuó evolucionando temáticamente más allá de los musicales de gags y showgirls de Gay Nineties and Roaring Twenties y el romance sentimental de la opereta, agregando experiencia técnica y el rápido ritmo de la puesta en escena y el estilo de diálogo naturalista liderado por el director George Abbott.
⏳ La edad de oro del teatro musical (de 1940 a 1960)
👉 1940
La década de 1940 comenzó con más éxitos de Porter, Irving Berlin, Rodgers y Hart, Weill y Gershwin, algunos con más de 500 actuaciones mientras la economía se recuperaba, pero el cambio artístico estaba en el aire.
Oklahoma!, de Rodgers y Hammerstein (1943) completó la revolución iniciada por Show Boat, al integrar estrechamente todos los aspectos del teatro musical, con una trama coherente, canciones que fomentaron la acción de la historia, y presentaron ballets de ensueño y otros bailes que avanzaron en la trama y desarrollaron los personajes en lugar de utilizar la danza como una excusa para desfilar a mujeres con poca ropa por el escenario.
Rodgers y Hammerstein contrataron a la coreógrafa de ballet Agnes de Mille, que usó movimientos cotidianos para ayudar a los personajes a expresar sus ideas. Desafió las convenciones musicales al levantar el telón de su primer acto, no en un grupo de coristas, sino en una mujer batiendo mantequilla, con una voz fuera del escenario cantando las primeras líneas de Oh, What a Beautiful Mornin’ sin acompañamiento. Obtuvo críticas muy favorables, desencadenó un frenesí de taquilla y recibió un Premio Pulitzer.
Brooks Atkinson escribió en The New York Times que el número de apertura del programa cambió la historia del teatro musical: «Después de un verso como ese, cantado a una melodía animada, las banalidades de la vieja etapa musical se volvieron intolerables».
También fue el primer «éxito de taquilla» de Broadway, con un total de 2,212 presentaciones, se convirtió en una exitosa película, y sigue siendo uno de los proyectos más producidos del equipo. William A. Everett y Paul R. Laird escribieron que se trataba de un «espectáculo» que, como Show Boat, se convirtió en un hito, por lo que los historiadores posteriores que escribieron sobre momentos importantes en el teatro del siglo XX comenzaron a identificar épocas según su relación con Oklahoma!
“Después de Oklahoma!, Rodgers y Hammerstein fueron los contribuidores más importantes a la forma de obra musical.
Los ejemplos de la creación de obras vitales, a menudo ricos en pensamiento social, proporcionaron el estímulo necesario para que otros escritores dotados crearan obras musicales propias».
Los dos colaboradores crearon una extraordinaria colección de algunos de los clásicos más queridos y perdurables del teatro musical, entre ellos Carousel (1945), South Pacific (1949), The King and I (1951) y The Sound of Music (1959).
Algunos de estos musicales tratan temas más serios que la mayoría de los espectáculos anteriores: ¡el villano en Oklahoma! es un presunto asesino y psicópata con una gran afición por las tarjetas postales lascivas; Carousel se ocupa del abuso conyugal, el robo, el suicidio y la vida futura; South Pacific explora el mestizaje incluso más exhaustivamente que Show Boat; y The King and I muere en el escenario.
La creatividad del espectáculo estimuló a los contemporáneos de Rodgers y Hammerstein, y marcó el comienzo de la «Edad de Oro» del teatro musical estadounidense.
Americana se exhibió en Broadway durante la «Edad de Oro», cuando comenzó a llegar el ciclo de espectáculos durante la guerra. Un ejemplo de esto es On the Town (1944), escrito por Betty Comden y Adolph Green, compuesto por Leonard Bernstein y coreografiado por Jerome Robbins.
La historia se desarrolla en tiempos de guerra y concierne a tres marineros que se encuentran en una salida en tierra las 24 horas en la ciudad de Nueva York, durante la cual cada uno se enamora.
El espectáculo también da la impresión de un país con un futuro incierto, como también lo han hecho los marineros y sus mujeres. Irving Berlin usó la carrera del tirador Annie Oakley como base para su Annie Get Your Gun (1946, 1,147 presentaciones); Burton Lane, E. Y. Harburg y Fred Saidy combinaron la sátira política con la fantasía irlandesa para Finian’s Rainbow (1947, 725 presentaciones); y Cole Porter se inspiró en The Taming of the Shrew para Kiss Me, Kate (1948, 1,077 presentaciones) de William Shakespeare.
Los musicales estadounidenses abrumaron los espectáculos británicos de estilo Coward / Novello, uno de los últimos grandes éxitos de los cuales fue el de Perchance to Dream de Novello (1945, 1,021 actuaciones).
La fórmula de los musicales de la Edad de Oro reflejaba una o más de las cuatro percepciones del «sueño americano»: la estabilidad y el valor se derivan de una relación de amor sancionada y restringida por los ideales protestantes del matrimonio; que una pareja casada debe hacer un hogar moral con niños fuera de la ciudad en un suburbio o pequeña ciudad; que la función de la mujer era como ama de casa y madre; y que los estadounidenses incorporen un espíritu independiente y pionero o que su éxito sea propio.
Los personajes eclécticos de Damon Runyon estaban en el núcleo de los Guys and Dolls de Frank Loesser y Abe Burrows, (1950, 1,200 actuaciones); y la fiebre del oro fue el escenario de Alan Jay Lerner y Frederick Loewe’s Paint Your Wagon (1951).
El período relativamente breve de siete meses de ese programa no desanimó a Lerner y Loewe a colaborar nuevamente, esta vez en My Fair Lady (1956), una adaptación de Pygmalion de George Bernard Shaw protagonizada por Rex Harrison y Julie Andrews, que en 2,717 presentaciones alcanzó el récord a largo plazo durante muchos años.
También, se hicieron películas populares de Hollywood de todos estos musicales. Esto superó los dos éxitos de los creadores británicos: The Boy Friend (1954), que tuvo 2.078 presentaciones en Londres y marcó el debut estadounidense de Andrews, fue el tercer musical más antiguo en la historia del West End o Broadway (después de Chu ¡Chin Chow y Oklahoma!), hasta que Salad Days (1954) superó su carrera y se convirtió en el nuevo poseedor de récord de larga duración, con 2,283 presentaciones.
Otro récord fue establecido por The Threepenny Opera, que alcanzó 2,707 actuaciones, convirtiéndose en el musical off-Broadway más antiguo hasta The Fantasticks.
La producción también se abrió camino demostrando que los musicales podrían ser rentables fuera de Broadway en un formato de pequeña orquesta a pequeña escala. Esto se confirmó en 1959, cuando un renacimiento de Jerome Kern y P. G. Wodehouse, Leave it to Jane, funcionó durante más de dos años.
La temporada Off-Broadway de 1959–1960 incluyó una docena de musicales y revistas que incluyen Little Mary Sunshine, The Fantasticks y Ernest in Love, una adaptación musical del éxito de 1895 de Oscar Wilde The Importance of Being Earnest.
West Side Story (1957) transportó a Romeo y Julieta a la moderna ciudad de Nueva York y convirtió a las familias enemigas de Montague y Capuleto en pandillas étnicas enfrentadas, los Jets y los Tiburones.
El libro fue adaptado por Arthur Laurents, con música de Leonard Bernstein y letras del recién llegado Stephen Sondheim. Fue abrazado por los críticos, pero no fue una opción popular para las «mujeres de cabello azul», que preferían la pequeña ciudad de River City, Iowa, de The Music Man, de Meredith Willson, a los callejones del Upper West Side de Manhattan. Al parecer, los votantes del Premio Tony tenían una opinión similar, ya que favorecían a los primeros en vez de los últimos.
West Side Story tuvo una carrera respetable de 732 presentaciones (1,040 en el West End), mientras que The Music Man tuvo una duración de casi el doble, con 1,375 presentaciones. Sin embargo, la película de West Side Story fue extremadamente exitosa. Laurents y Sondheim se unieron de nuevo para Gypsy (1959, 702 actuaciones), con Jule Styne proporcionando la música para una historia tras bambalinas sobre la madre de escenario más acérrima de todos los tiempos, la madre de stripper, Gypsy Rose Lee, Rose.
La producción original funcionó para 702 actuaciones, y se le dieron cuatro avivamientos subsiguientes, con Angela Lansbury, Tyne Daly, Bernadette Peters y Patti LuPone más tarde abordando el papel hecho famoso por Ethel Merman.
Aunque los directores y coreógrafos han tenido una gran influencia en el estilo del teatro musical desde al menos el siglo XIX, George Abbott y sus colaboradores y sucesores tuvieron un papel central en la integración del movimiento y la danza en las producciones de teatro musical en la Edad de Oro.
Abbott introdujo el ballet como un dispositivo para contar historias en On Your Toes en 1936, al que siguió el ballet y la coreografía de Agnes de Mille en Oklahoma. Después de que Abbott colaboró con Jerome Robbins en On the Town y otros espectáculos, Robbins combinó los roles de director y coreógrafo, enfatizando el poder de la narración de la danza en West Side Story, A Funny Thing Happened on the Way to the Forum (1962) y Fiddler on the Roof (1964).
Bob Fosse coreografió para Abbott en The Pajama Game (1956) y Damn Yankees (1957), inyectando sexualidad lúdica en esos éxitos. Más tarde fue el director y coreógrafo de Sweet Charity (1968), Pippin (1972) y Chicago (1975). Otros directores y coreógrafos notables han incluido a Gower Champion, Tommy Tune, Michael Bennett, Gillian Lynne y Susan Stroman. Los directores destacados han incluido a Hal Prince, quien también comenzó con Abbott, y Trevor Nunn.
Durante la Edad de Oro, las compañías automotrices y otras grandes corporaciones comenzaron a contratar talentos de Broadway para escribir musicales corporativos, espectáculos privados que solo ven sus empleados o clientes.
La década de 1950 terminó con el último éxito de Rodgers y Hammerstein, The Sound of Music, que también se convirtió en otro éxito para Mary Martin.
Alcanzó 1,443 presentaciones en toal y compartió el Premio Tony al Mejor Musical. Junto con su extremadamente exitosa versión cinematográfica de 1965, se ha convertido en uno de los musicales más populares de la historia.
👉 Años 60
En 1960, The Fantasticks se produjo por primera vez fuera de Broadway. Este íntimo espectáculo alegórico se desarrollaría en silencio durante más de 40 años en el Sullivan Street Theatre de Greenwich Village, convirtiéndose en el musical de más larga duración en la historia.
Sus autores produjeron otras obras innovadoras en la década de 1960, como Celebration y I Do! I Do!, el primer musical de Broadway de dos personajes.
La década de 1960 vería una serie de éxitos de taquilla, como Fiddler on the Roof (1964; 3,242 presentaciones), Hello, Dolly! (1964; 2.844 presentaciones), Funny Girl (1964; 1.348 presentaciones) y Man of La Mancha (1965; 2.328 presentaciones), y algunas piezas más arriesgadas como Cabaret, antes de terminar con la aparición del rock musical.
Dos hombres tuvieron un impacto considerable en la historia del teatro musical a partir de esta década: Stephen Sondheim y Jerry Herman.
El primer proyecto para el que Sondheim escribió música y letras fue A Funny Thing Happened on the Way to the Forum (1962, 964 actuaciones), con un libro basado en las obras de Plautus de Burt Shevelove y Larry Gelbart, protagonizada por Zero Mostel.
Sondheim movió el musical más allá de su concentración en las tramas románticas típicas de épocas anteriores; su trabajo tendió a ser más oscuro, explorando los aspectos más sórdidos de la vida, tanto presente como pasado.
Otras obras tempranas de Sondheim incluyen Anyone Can Whistle (1964, que tuvo solo nueve actuaciones, a pesar de contar con las estrellas Lee Remick y Angela Lansbury), y la exitosa Company (1970), Follies (1971) y A Little Night Music (1973).
Posteriormente, Sondheim se inspiró en fuentes inverosímiles: la apertura de Japón al comercio occidental para Pacific Overtures (1976), un legendario barbero asesino que buscaba venganza en la era industrial de Londres para Sweeney Todd (1979), las pinturas de Georges Seurat para el domingo en The Park with George (1984), cuentos de hadas para Into the Woods (1987) y una colección de asesinos presidenciales en Assassins (1990).
Si bien algunos críticos han argumentado que algunos de los musicales de Sondheim carecen de atractivo comercial, otros han elogiado su sofisticación lírica y su complejidad musical, así como la interacción de letras y música en sus espectáculos.
Algunas de las notables innovaciones de Sondheim incluyen un espectáculo presentado al revés (Merrily We Roll Along) y el mencionado Anyone Can Whistle, en el que el primer acto termina con el elenco informando a la audiencia que están locos.
Jerry Herman jugó un papel importante en el teatro musical estadounidense, comenzando con su primera producción de Broadway, Milk and Honey (1961, 563 actuaciones), sobre la fundación del estado de Israel, y continuando con los éxitos de taquilla Hello, Dolly! (1964, 2,844 actuaciones), Mame (1966, 1,508 actuaciones) y La Cage aux Folles (1983, 1,761 actuaciones).
Incluso sus programas menos exitosos como Dear World (1969) y Mack y Mabel (1974) han tenido puntuaciones memorables (Mack y Mabel fueron reelaborados más tarde en un hit de Londres).
Escribiendo palabras y música, muchas de las melodías de los shows de Herman se han convertido en estándares populares, como «Hello, Dolly!», «We Need a Little Christmas», «I Am What I Am», «Mame», «The Best of Times», «Before the Parade Passes By», «Put On Your Sunday Clothes», «It Only Takes a Moment», «Bosom Buddies» y «I Won’t Send Roses», grabados por artistas como Louis Armstrong, Eydie Gormé, Barbra Streisand, Petula Clark y Bernadette Peters.
El libro de canciones de Herman ha sido tema de dos revistas musicales populares, Jerry’s Girls (Broadway, 1985) y Showtune (off-Broadway, 2003).
El musical comenzó a divergir de los confines relativamente estrechos de los años cincuenta.
La música rock se usaría en varios musicales de Broadway, comenzando con Hair, que presentaba no solo música rock, sino también desnudos y opiniones controvertidas sobre la Guerra de Vietnam, las relaciones raciales y otros temas sociales.
👧👦 Temas Sociales del Teatro Musical
Después de Show Boat y Porgy y Bess, y a medida que avanzaba la lucha por los derechos civiles de las minorías en Estados Unidos y en otros lugares, Hammerstein, Harold Arlen, Yip Harburg y otros, se animaron a escribir más musicales y óperas que pretendían normalizar la tolerancia social de las minorías, e instó a armonía racial.
Las primeras obras de la Edad de Oro que se enfocaban en la tolerancia racial incluían Finian’s Rainbow, y South Pacific. Hacia el final de la Edad de Oro, varios espectáculos abordaron temas y temas judíos, como Fiddler on the Roof, Milk and Honey, Blitz! y luego Rags.
El concepto original que se convirtió en West Side Story se estableció en el Lower East Side durante las celebraciones de pascua; Las pandillas rivales serían judías e católicas italianas. Más tarde, el equipo creativo decidió que el conflicto entre un polaco (blanco) y un puertorriqueño era un concepto mucho más fresco.
La tolerancia, como un tema importante en los musicales ha continuado en las últimas décadas. La expresión final de West Side Story dejó un mensaje de tolerancia racial. A fines de la década de 1960, los musicales se integraron racialmente, con miembros del elenco en blanco y negro que incluso cubrían los roles de los demás, como lo hicieron en Hair.
La homosexualidad también se ha explorado en los musicales, comenzando con Hair, y aún más abiertamente en La Cage aux Folles, Falsettos, Rent, Hedwig and the Angry Inch y otros espectáculos en las últimas décadas.
El desfile es una exploración sensible tanto del antisemitismo como del racismo histórico estadounidense, y Ragtime explora de manera similar la experiencia de los inmigrantes y las minorías en los Estados Unidos.
⏳ 1970 hasta el presente
👉 Años 70
Después del éxito de Hair, los musicales de rock florecieron en la década de 1970, con Jesus Christ Superstar, Godspell, The Rocky Horror Show, Evita y Two Gentlemen of Verona.
Algunos de ellos comenzaron siendo «álbumes conceptuales» y luego pasaron al cine o al escenario, como Tommy.
Otros no dialogaron o recordaban la ópera, con temas dramáticos y emocionales; estos a veces comenzaron como álbumes conceptuales y se denominaban óperas de rock.
Programas como Raisin, Dreamgirls, Purlie y The Wiz trajeron una influencia afroamericana significativa a Broadway.
Géneros y estilos musicales más variados se incorporaron a los musicales, especialmente aquellos que no pertenecían a Broadway.
Al mismo tiempo, Stephen Sondheim encontró el éxito con algunos de sus musicales, como se mencionó anteriormente.
En 1975, el musical de baile A Chorus Line surgió de sesiones grabadas de estilo terapia grupal que Michael Bennett dirigió con «gitanos», quienes cantan y bailan apoyando a los actores principales, de la comunidad de Broadway.
Luego de cientos de horas de grabaciones, James Kirkwood Jr. y Nick Dante diseñaron un libro sobre una audición para un musical, incorporando muchas historias de la vida real de las sesiones; algunas de las personas que asistieron a las sesiones ejecutaron actuaciones variando las características de sus propios personajes, o las de otros, en el espectáculo.
Con música de Marvin Hamlisch y letras de Edward Kleban, A Chorus Line se inauguró en el Teatro Público de Joseph Papp en el bajo Manhattan.
Lo que inicialmente se había planeado como un compromiso limitado finalmente se trasladó al Teatro Shubert en Broadway para una ejecución de 6,137 actuaciones, convirtiéndose en la producción de más larga duración en la historia de Broadway hasta ese momento.
El programa se extendió por los Premios Tony y ganó el Premio Pulitzer, y su exitosa canción, What I Did for Love, se convirtió en un estándar.
Las audiencias de Broadway dieron la bienvenida a musicales que variaron el estilo y la esencia de la Edad de Oro.
John Kander y Fred Ebb exploraron el auge del nazismo en Alemania en Cabaret, y el asesinato y los medios de comunicación en la era de la Prohibición en Chicago, que se basaba en las antiguas técnicas de vaudeville.
Pippin, de Stephen Schwartz, se desarrolló en los días de Carlomagno. La película autobiográfica 8½ de Federico Fellini se convirtió en Maury Yeston’s Nine.
Al final de la década, Evita y Sweeney Todd fueron los precursores de los musicales más oscuros y de gran presupuesto de la década de 1980 que dependían de historias dramáticas, partituras y efectos espectaculares.
Al mismo tiempo, los valores pasados de moda seguían siendo aceptados en éxitos como Annie, 42nd Street, My One and Only, y los populares No, No, Nanette, e Irene.
Aunque muchas versiones cinematográficas de musicales se hicieron en la década de 1970, pocas fueron críticas o éxitos de taquilla, con las notables excepciones de Fiddler on the Roof, Cabaret y Grease.
👉 Años 80
La década de 1980 sufrió la influencia de los «mega-musicales» europeos, u «óperas pop», en Broadway, en el West End y en otros lugares.
Estos típicamente tenían una banda sonora influenciada por el pop, tenían grandes moldes y series y se identificaron por sus efectos notables (un candelario que caía (en El Fantasma de la Ópera), un helicóptero que aterrizaba en el escenario (en Miss Saigon), y grandes presupuestos.
Muchos se basaron en novelas u otras obras de la literatura. Los escritores de mega-musicales más importantes incluyen el equipo francés de Claude-Michel Schönberg y Alain Boublil, responsable de Les Misérables, que se convirtió en el éxito musical internacional más antiguo de la historia.
El equipo, en colaboración con Richard Maltby Jr., continuó produciendo éxitos, incluida Miss Saigon, inspirada en la ópera de Puccini Madama Butterfly.
El compositor británico Andrew Lloyd Webber vio un éxito similar con Evita, basado en la vida de la argentina Eva Perón; Cats, derivado de los poemas de T. S. Eliot (ambos musicales originalmente protagonizados por Elaine Paige); Starlight Express, realizado sobre patines; The Phantom of the Opera, derivado de la novela de Gaston Leroux, «Le Fantôme de l’Opéra»; y Sunset Boulevard (de la película clásica del mismo nombre).
Estas obras se ejecutaron (o siguen funcionando) durante décadas en Nueva York y Londres, y tuvieron un extraordinario éxito internacional y de giras.
Los enormes presupuestos de los mega-musicales redefinieron las expectativas de éxito financiero en Broadway y en el West End.
En años anteriores, era posible que un programa se considerara un éxito después de varios cientos de presentaciones, pero con costos de producción multimillonarios, un programa debe funcionar durante años simplemente para obtener ganancias.
👉 Años 90
En la década de 1990, surgió una nueva generación de compositores teatrales, entre ellos Jason Robert Brown y Michael John LaChiusa, quien comenzó con las producciones fuera de Broadway.
El éxito más notorio de estos artistas fue el show de Jonathan Larson, Rent (1996), un musical de rock (basado en la ópera La bohème) sobre una comunidad de artistas con dificultades en Manhattan.
Mientras que el costo de las entradas para los musicales de Broadway y West End fue más allá del presupuesto de muchos espectadores, Rent se comercializó para aumentar la popularidad de los musicales entre un público más joven.
Presentó un elenco joven y una banda sonora fuertemente influenciada por el rock; el musical se convirtió en un éxito.
Sus jóvenes fanáticos, muchos de ellos estudiantes, que se hacían llamar RENTheads], acamparon en el Nederlander Theatre con la esperanza de ganar la lotería por $20 boletos de primera fila, y algunos vieron el espectáculo docenas de veces.
Otros programas en Broadway siguieron el liderazgo de Rent al ofrecer boletos con descuentos en el día del show, o en la sala de espera, aunque a menudo los descuentos se ofrecen solo a los estudiantes.
La década de 1990 también experimentó la influencia de las grandes corporaciones en la producción de musicales.
El más importante ha sido Disney Theatrical Productions, que comenzó a adaptar algunas de las películas musicales animadas de Disney para el escenario, comenzando con Beauty and the Beast (1994), The Lion King (1997) y Aida (2000), estas últimas dos con música de Elton John.
El Rey León es el musical de mayor recaudación en la historia de Broadway. The Who’s Tommy (1993), una adaptación teatral de la ópera rock Tommy, logró una saludable carrera de 899 actuaciones, pero fue criticado por sanear la historia y «musicalizar el teatro» con la música rock.
A pesar del creciente número de musicales a gran escala en los años 80 y 90, varios musicales de menor escala y bajo presupuesto lograron encontrar éxitos críticos y financieros, como Falsettoland y Little Shop of Horrors, Bat Boy: The Musical and Blood Brothers. Los temas de estas piezas varían ampliamente, y la música varía de rock a pop, pero a menudo se producen fuera de Broadway o para teatros más pequeños de Londres, y algunas de estas representaciones han sido consideradas como imaginativas e innovadoras.
⏳ 2000-2010
👉 Tendencias
En el nuevo siglo, la familiaridad ha sido aceptada por productores e inversionistas ansiosos por garantizar que puedan recuperar sus considerables inversiones. Algunos aprovecharon (generalmente con un presupuesto modesto) oportunidades para material nuevo y creativo, como Urinetown (2001), Avenue Q (2003), The Light in the Piazza (2005), Spring Awakening (2006), In the Heights (2007), Next to Normal (2009), American Idiot (2010) y The Book of Mormon (2011).
Hamilton (2015), transformó la «historia estadounidense poco dramatizada» en un inusual éxito de inflexión del hip-hop.
En 2011, Sondheim argumentó que de todas las formas de «música pop contemporánea», el rap era «el más cercano al teatro musical tradicional» y era «un camino hacia el futuro».
Sin embargo, la mayoría de las producciones del mercado del siglo XXI han tomado una ruta segura, con renacimientos de ferias familiares, como Fiddler on the Roof, A Chorus Line, South Pacific, Gypsy, Hair, West Side Story y Grease, o con adaptaciones de otro material, como la literatura (The Scarlet Pimpernel, Wicked and Fun Home), con la esperanza de que los espectáculos tengan una audiencia integrada como resultado.
Esta tendencia es especialmente persistente con las adaptaciones de películas, que incluyen (The Producers, Spamalot, Hairspray, Legally Blonde, The Color Purple, Xanadu, Billy Elliot, Shrek, Waitress y Groundhog Day).
Algunos críticos han argumentado que la reutilización de los argumentos de la película, especialmente los de Disney (como Mary Poppins y The Little Mermaid), equiparan el musical de Broadway y West End con una atracción turística, en lugar de una salida creativa.
Hoy en día, es menos probable que un único productor, como David Merrick o Cameron Mackintosh, respalde una producción.
Los patrocinadores corporativos dominan Broadway y, a menudo, se forman alianzas para presentar musicales, que requieren una inversión de $ 10 millones o más.
En 2002, los créditos para Thoroughly Modern Millie enumeraron a diez productores, y entre esos nombres se encontraban entidades compuestas por varias personas.
Por lo general, los teatros fuera de Broadway y regionales tienden a producir musicales más pequeños y, por lo tanto, menos costosos, y el desarrollo de nuevos musicales se ha llevado a cabo cada vez más fuera de Nueva York y Londres o en lugares más pequeños. Por ejemplo, Spring Awakening, Fun Home y Hamilton se desarrollaron fuera de Broadway antes de lanzarse allí.
Varios musicales volvieron al formato de espectáculo que tuvo tanto éxito en la década de 1980, recordando extravaganzas que se han presentado algunas veces, a lo largo de la historia del teatro, desde que los antiguos romanos organizaron simulacros de batallas navales.
Los ejemplos incluyen las adaptaciones musicales de El Señor de los Anillos (2007), Lo que el viento se llevó (2008) y Spider-Man: Turn Off the Dark (2011).
Estos musicales involucraron a compositores con poca experiencia teatral, y las producciones caras generalmente perdieron dinero. Por el contrario, The Drowsy Chaperone, Avenue Q, The 25th Putnam County Spelling Bee, Xanadu y Fun Home, entre otros, se presentaron en producciones de menor escala, en su mayoría sin interrupciones, con tiempos de ejecución cortos, y gozaron de éxito financiero.
En 2013, la revista Time informó que una tendencia fuera de Broadway ha sido el teatro «inmersivo», citando programas como Natasha, Pierre & The Great Comet de 1812 (2012) y Here Lies Love (2013) en los que la puesta en escena tiene lugar alrededor y dentro de la audiencia. Los espectáculos establecieron un récord conjunto, cada uno recibió 11 nominaciones para los Premios Lucille Lortel, y presenta puntuaciones contemporáneas.
En 2013, Cyndi Lauper fue la «primera compositora femenina en ganar el premio Tony por Mejor Banda Sonora sin un colaborador masculino» por escribir la música y las letras de Kinky Boots.
En 2015, por primera vez, un equipo de escritores totalmente femenino, Lisa Kron y Jeanine Tesori, ganaron el Premio Tony a la Mejor Banda Sonora Original (y el premio de Mejor Libro para Kron) por Fun Home, aunque el trabajo de compositores masculinos continúa ser producido más a menudo.
👉 Musicales Jukebox
Otra tendencia ha sido crear una trama mínima para adaptarse a una colección de canciones que ya han sido exitosas. Tras el éxito anterior de Buddy – The Buddy Holly Story, estos han incluido Movin ‘Out (2002, basado en las melodías de Billy Joel), Jersey Boys (2006, The Four Seasons), Rock of Ages (2009, con el rock clásico de la década de 1980) y muchos otros.
Este estilo a menudo se conoce como el » musical jukebox » Se han construido musicales similares, pero más basados en la trama, en torno al canon de un grupo de pop en particular que incluye a Mamma Mia! (1999, basado en las canciones de ABBA), Our House (2002, basada en las canciones de Madness) y We Will Rock You (2002, basado en las canciones de Queen)
👉 Musicales de cine y televisión.
Los musicales de cine de acción en vivo estaban casi muertos en los años 80 y principios de los 90, con la excepción de Victor / Victoria, Little Shop of Horrors y la película de 1996 de Evita.
En el nuevo siglo, Baz Luhrmann comenzó un renacimiento de la película musical con Moulin Rouge (2001). Esto fue seguido por Chicago (2002); Fantasma de la ópera (2004); Rent (2005); Dreamgirls (2006); Hairspray, Enchanted y Sweeney Todd (todos en 2007); Mamma Mia! (2008); Nine (2009); Les Misérables y Pitch Perfect (ambos en 2012), Into The Woods y The Last Five Years (2014) y La La Land (2016), entre otros.
La obra de Dr. Seuss: How the Grinch Stole Christmas (2000) y The Cat in the Hat (2003), convirtieron los libros infantiles en musicales de películas en vivo. Después del inmenso éxito de Disney y otras casas con musicales de películas animadas que comenzaron con The Little Mermaid en 1989 y se desarrollaron a lo largo de la década de 1990 (incluidas algunas películas con temas para adultos, como South Park: Bigger, Longer & Uncut (1999)), cada vez menos películas animadas musicales se estrenaron en la primera década del siglo XXI.
El género regresó a principios de 2010 con Tangled (2010), Rio (2011) y Frozen (2013). En Asia, India continúa produciendo numerosos musicales de películas de «Bollywood», y Japón produce musicales de películas de «Anime» y «Manga».
Las películas musicales hechas para televisión fueron populares en la década de 1990, como Gypsy (1993), Cinderella (1997) y Annie (1999).
Varios de los musicales de TV de la primera década del siglo XXI fueron adaptaciones de la versión teatral, como South Pacific (2001), The Music Man (2003) y Once Upon a Mattress (2005), y una versión televisada de la etapa.
Legally Blonde musical en 2007. Además, varios musicales se filmaron en el escenario y se emitieron en Public Television, por ejemplo, Contact en 2002 y Kiss Me, Kate and Oklahoma, en 2003.
El musical de High School Musical (2006), hecho para televisión, y sus varias secuelas, tuvieron un éxito particular y fueron adaptados para musicales de escenario y otros medios.
En 2013, NBC comenzó una serie de transmisiones musicales en vivo de televisión con The Sound of Music Live!, que, aunque la producción recibió críticas mixtas, fue un éxito de clasificación. Otras transmisiones han incluido Peter Pan Live! (NBC 2014), The Wiz Live! (NBC 2015), una transmisión del Reino Unido, The Sound of Music Live (ITV 2015), Grease: Live (Fox 2016), A Christmas Story Live! (Fox, 2017), y Rent: Live (Fox 2019).
Algunos programas de televisión han establecido episodios como un musical. Los ejemplos incluyen episodios de Ally McBeal, Xena: Warrior Princess («The Bitter Suite» y «Lyre, Lyre, Heart’s On Fire»), Psych («Psych: The Musical»), Buffy the Vampire Slayer («Once More, with Feeling «), That’s So Raven, Daria, Dexter’s Laboratory, The Powerpuff Girls, Flash, Once Upon a Time, Oz, Scrubs (un episodio fue escrito por los creadores de Avenue Q), Batman: The Brave and the Bold («Mayhem de Music Meister «) y That ’70s Show (el episodio 100,»That ’70s Musical «).
Otros incluyen escenas en las que los personajes comienzan a cantar y bailar de repente en un estilo de teatro musical durante un episodio, como en varios episodios de Los Simpson, 30 Rock, Hannah Montana, South Park, Bob’s Burgers y Family Guy.
La serie de televisión Cop Rock utilizó ampliamente el formato musical, al igual que la serie Flight of the Conchords, Glee, Smash y Crazy Ex-Girlfriend.
También se han realizado musicales para internet, incluido Dr. Horrible’s Sing-Along Blog, que trata sobre el blog un súper villano de bajos ingresos interpretado por Neil Patrick Harris.
Fue escrito durante la huelga del escritor de la WGA. Desde 2006, los programas de televisión de realidad se han utilizado para ayudar a comercializar los avivamientos musicales mediante la celebración de una competencia de talentos para apoyar (generalmente mujeres) líderes. Ejemplos de estos son: How Do You Solve a Problem like Maria?, Grease: You Are the One that I Want!, Any Dream Will Do, Legally Blone: The Musical – The Search for Elle Woods, I’d Do Anything, y Over the Rainbow.
🌏 Musicales internacionales
Los EE. UU. Y Gran Bretaña fueron las fuentes más activas de libros musicales desde el siglo XIX hasta gran parte del siglo XX (aunque Europa produjo varias formas de ópera ligera y opereta populares, por ejemplo, la Zarzuela española, durante ese período e incluso antes). Sin embargo, la etapa musical ligera en otros países ha sido más activa en las últimas décadas.
Los musicales de otros países de habla inglesa (especialmente Australia y Canadá) a menudo tienen un buen desempeño local y, en ocasiones, incluso llegan a Broadway o al West End (por ejemplo, The Boy from Oz y The Drowsy Chaperone).
Sudáfrica tiene una activa escena teatral musical, con revistas como African Footprint y Umoja, y libros musicales, como Kat and the Kings y Sarafina, de gira internacional.
A nivel local, musicales como Vere, Love and Green Onions, Over the Rainbow: the all-new all-gay… extravaganza, Bangbroek Mountain, In Briefs, un pequeño musical queer que se ha producido con éxito.
Los musicales exitosos de Europa continental incluyen espectáculos de (entre otros países) Alemania (Elixier y Ludwig II), Austria (Tanz der Vampire, Elisabeth, Mozart! Y Rebecca), República Checa (Drácula), Francia (Notre-Dame de Paris, Les Misérables, Roméo et Juliette y Mozart, l’opéra rock) y España (Hoy no me puedo levantar y The Musical Sancho Panza).
Japón ha visto recientemente el crecimiento de una forma indígena de teatro musical, tanto animada como en vivo, basada principalmente en Anime y Manga, como Kiki’s Delivery Service y Tenimyu.
Las populares metaseries de Sailor Moon han tenido veintinueve musicales, que abarcan trece años.
A partir de 1914, Takarazuka Revue realizó una serie de revistas populares, que actualmente cuenta con cinco comparsas. En otros lugares de Asia, el musical indio de Bollywood, en su mayoría en forma de películas, tiene un éxito tremendo.
Comenzando con una gira de 2002 de Les Misérables, varios musicales occidentales se han importado a China continental y se han presentado en inglés.
Los intentos de localizar producciones occidentales en China comenzaron en 2008 cuando se produjo Fame en mandarín con un reparto completo chino en la Academia Central de Drama de Beijing.
Desde entonces, otras producciones occidentales se han presentado en China en mandarín con un elenco chino.
La primera producción china en el estilo del teatro musical occidental fue The Gold Sand en 2005. Además, Li Dun, un conocido productor chino, produjo Butterflies, basada en una tragedia clásica del amor chino, en 2007, así como Love U Teresa en 2011.
💘 Producciones amateur y escolares
Los musicales son a menudo presentados por grupos de aficionados y escolares en iglesias, escuelas y otros espacios de actuación.
Aunque el teatro amateur ha existido durante siglos, incluso en el Nuevo Mundo, François Cellier y Cunningham Bridgeman escribieron, en 1914, que antes de finales del siglo XIX, los actores aficionados eran tratados con desprecio por profesionales.
Después de la formación de las compañías amateur Gilbert y Sullivan con licencia para realizar las óperas Savoy, los profesionales reconocieron que las sociedades amateur «apoyan la cultura de la música y el drama.
Ahora son aceptadas como escuelas de capacitación útiles para la etapa legítima, y de las filas de voluntarios han surgido muchos de los favoritos actuales «.
La National Operatic and Dramatic Association se fundó en el Reino Unido en 1899. Informó, en 1914, que cerca de 200 sociedades dramáticas de aficionados estaban produciendo obras de Gilbert y Sullivan en Gran Bretaña ese año. Del mismo modo, más de 100 teatros comunitarios se fundaron en los Estados Unidos a principios del siglo XX. Este número ha aumentado a aproximadamente 18,000 en los EE. UU. La Asociación de Teatro Educativo de los EE. UU. Cuenta con cerca de 5,000 escuelas miembro.
🎭 🎼 Importancia del Teatro Musical
La Liga de Broadway anunció que en la temporada 2007-08, se compraron 12.27 millones de boletos para los espectáculos de Broadway por un monto bruto de venta de casi mil millones de dólares.
La Liga informó además que durante la temporada 2006-07, los turistas compraron aproximadamente el 65% de los boletos de Broadway, y que los turistas extranjeros fueron el 16% de los asistentes.
El teatro de la Sociedad de Londres informó que 2007 estableció un récord de asistencia en esta ciudad.
El total de asistentes a los principales teatros comerciales y subvencionados en el centro de Londres fue de 13,6 millones, y los ingresos totales por entradas fueron de £ 469,7 millones.
Además, la escena musical internacional ha sido particularmente activa en los últimos años. Stephen Sondheim comentó en el año 2000:
“Existen dos tipos de espectáculos en Broadway: aquellos que son renacimientos, y los que son el mismo tipo de musicales una y otra vez, pero todos son espectáculos. La gente compra entradas para The Lion King con un año de anticipación, y esencialmente una familia le transmite a sus hijos la idea de que eso es teatro: un musical espectacular que se ve una vez al año, una versión teatral de una película. No tiene nada que ver con el teatro. Tiene que ver con ver lo que es familiar… No creo que el teatro muera per se, pero nunca va a ser lo que era antes… Es una atracción turística «.
Sin embargo, observando el éxito en décadas recientes de material original y re-imaginaciones creativas de películas, obras de teatro y literatura, el historiador de teatro John Kenrick respondió:
“¿Están muertos los musicales? ¡Absolutamente no! ¿Están cambiando? ¡Siempre! El musical ha estado cambiando desde que Offenbach hizo su primera reescritura en la década de 1850.
Y el cambio es el signo más claro de que el musical sigue siendo un género vivo y en crecimiento.
¿Volveremos alguna vez a la llamada «edad de oro», con los musicales en el centro de la cultura popular?
Probablemente no.
El gusto del público ha sufrido cambios fundamentales, y las artes comerciales solo pueden fluir donde el público que paga lo permite.”
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