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Claqué: Origen, Historia y Bailarines Destacados

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▶ Qué es el claqué


El claqué es una forma de baile que se caracteriza por usar los sonidos de los zapatos de claqué golpeando el suelo como una forma de percusión.

Existen dos variaciones principales del claqué: el rítmico (jazz) y el claqué de Broadway. El claqué de Broadway se enfoca en la danza; se realiza ampliamente en el teatro musical.

El claqué rítmico se centra en la musicalidad y los practicantes se consideran parte de la tradición del jazz .

El sonido lo hacen los zapatos que tienen un «tap» de metal en el talón y la punta. Hay diferentes marcas de zapatos que a veces difieren en la forma en que suenan.

▶ Historia del Claqué


Se cree que la fusión de varios bailes de percusión étnica, como bailes de África occidental y bailes de zuecos escoceses, irlandeses e ingleses, hornpipes, y jigs, comenzó a mediados de 1800 durante el surgimiento de espectáculos de juglares.

A medida que los espectáculos de juglares comenzaron a disminuir en popularidad, el claqué se trasladó a la etapa cada vez más popular de Vaudeville. Debido a la tácita «regla de dos colores» de Vaudeville, que prohibía a las personas de raza negra actuar en solitario, muchos artistas de claqué de Vaudeville eran duetos.

Uno de esos dúo fue «Buck and Bubbles», que consistía en John «Bubbles» Sublett tocando claqué y Ford «Buck» Washington tocando un piano. El dúo realizó Class Act, una rutina en la que los artistas usaban esmoquin, distinguiéndolos efectivamente del concepto de espectáculo de juglares más antiguo de los bailarines de tap como «payasos sonrientes y bailando».

Otra figura notable durante este período es Bill «Bojangles» Robinson, un protegido de Alice Whitman de The Whitman Sisters alrededor de 1904 (entonces conocido como «Willie Robinson» ).

Bien versado tanto en el baile de Buck y Wing como en el baile de Irish Step, Robinson se unió al circuito de Vaudeville en 1902 en un dúo con George W. Cooper. El artista se hizo rápidamente famoso, encabezando eventos en todo el país y recorriendo Inglaterra también.

En 1908, la colaboración terminó y Robinson comenzó a bailar solo, lo cual era extremadamente raro para un hombre negro en ese momento. A pesar de esto, tuvo un gran éxito y pronto se convirtió en una celebridad mundialmente famosa.

Pasó a tener un papel principal en muchas películas, especialmente en la franquicia de Shirley Temple.

Poco después, los Nicholas Brothers entraron en escena. Compuesto por los hermanos de la vida real Fayard y Harold, este equipo cautivó al público con sus hazañas acrobáticas incorporadas a su elegante estilo de baile. Una escena notable en la película «Stormy Weather» presenta a la pareja bailando por una escalera y luego bajando la escalera en una serie de ranas saltando una sobre la otra en una división completa de la que se levantan sin manos.

 

Durante la década de 1930, tap dance se mezcló con Lindy Hop. «Los «sucos voladores» y los «círculos voladores» son movimientos de Lindy Hop con juego de pies.

A mediados y finales de la década de 1950, el estilo de entretenimiento cambió. La música de jazz y el claqué disminuyeron, mientras que surgió el rock and roll y el nuevo jazz dance. Lo que ahora se llama baile de jazz evolucionó a partir del baile de claqué, por lo que ambos bailes tienen muchos movimientos en común. Pero el jazz evolucionó por separado del claqué para convertirse en una nueva forma por derecho propio.

Los bailarines conocidos durante las décadas de 1960 y 1970 incluyeron a Arthur Duncan y Tommy Tune.

No Maps on My Taps, el documental PBS ganador del premio Emmy de 1979, ayudó a comenzar el reciente renacimiento del claqué.

El éxito sobresaliente de la película animada, Happy Feet, ha reforzado aún más el atractivo popular. 7

El Día Nacional de Danza del claqué en los Estados Unidos, ahora celebrado el 25 de mayo, fue promulgado por el presidente George Bush el 7 de noviembre de 1989. ( Se eligió el 25 de mayo porque es el cumpleaños del famoso artista de claqué Bill «Bojangles» Robinson. )

Los prominentes bailarines modernos de tap han incluido a Sarah Reich, Brenda Bufalino, Melinda Sullivan, The Clark Brothers, Savion Glover, Gregory y Maurice Hines, LaVaughn Robinson, Jason Samuels Smith, Chloe Arnold, Michelle Dorrance, Dormeshia Sumbry-Edwards y Dianne «Lady Di» Walker.

La banda de indie-pop Tilly and the Wall también presenta a un bailarín de claqué, Jamie Pressnall, tocando como percusión.

 

▶ Vodevil


A principios del siglo XX, los programas de variedades de vodevil se trasladaron al frente del entretenimiento así como bailarines de la talla de Greenlee y Draytono Pat Rooney, Sr., y George White que viajaron por todo el país.

Se formaron varios grupos artisticos familiares, incluido el del futuro actor, productor y compositor de Broadway George M. Cohan, quien con su hermana, madre y padre formó Four Cohans. Los hermanos Covan junto con sus esposas formaron los Four Covans, uno de los artistas de claqué rápido más sensacionales de la historia.

El comediante y bailarín Eddie Foy, Sr., apareció con sus siete hijos bailando claqué, los Seven Little Foys. A fines de la década de 1910, más de 300 teatros de todo el país organizaron actos de vodevil.

 

Según el productor Leonard Reed, durante la década de 1920 no había un solo espectáculo que no incluyera claqué. Los clubes nocturnos, el vodevil y los musicales presentaban bailarines de claqué, cuyos nombres a menudo aparecían en las muchas carpas que iluminaban la Broadway de Nueva York.

Las estrellas del día, incluido Fred Astaire y su hermana, Adele, trajeron aún más luz a la “ Great White Way ” con su elegante baile.

Bill Robinson, conocido por bailar sobre las bolas de sus pies ( los topes del dedo del pie ) y por su exquisito baile fue el primer bailarín de claqué negro en romper la regla de los dos colores de Broadway, convirtiéndose en uno de los artistas más queridos y mejor pagados de su época.

Debido a que esta era una era en la que el baile de claqué era una habilidad común entre los artistas, un bailarín de claqué tenía que crear algo único. El grupo Berry Brothers, por ejemplo, incluía acrobacias rítmicas, sincronizadas y deslumbrantes.

Cook y Brown tuvieron uno de los mejores shows. King, King y King bailaron con trajes de convicto, encadenados juntos haciendo su trabajo. Buster West bailó claqué con zapatos de estilo payaso de gran tamaño que, debido a su longitud extendida. Will Mahoney bailó tap en un xilófono gigante.

El desafío en el que los bailarines de claqué se desafiaron mutuamente a un duelo de baile había sido una parte importante de la educación del bailarín de claqué desde el principio. Se filtró en muchos actos teatrales.

Posiblemente los mejores exponentes del desafío fueron los Four Step Brothers, cuyo show consistió en pasos furiosos y voladores, y luego un momento en que cada uno intentó superar a los demás.

Desde el principio, los bailarines de claqué han ampliado la forma de arte, bailando con una amplia variedad de música e improvisando nuevos estilos.

Entre estos estilos innovadores se encontraban los movimientos de baile flash ( que incorporaban acrobacias y a menudo se usaban para terminar un baile ); novelty ( la incorporación a una rutina de accesorios especiales, como cuerdas de salto, maletas y escaleras ); excéntrico, legomanía y comedia ( cada uno de los cuales usó el cuerpo de manera excéntrica y cómica para engañar a los ojos del espectador ); swing tap, también conocido como claqué clásico ( que combina el movimiento de la parte superior del cuerpo encontrado en ballet y jazz del siglo XX con un juego de pies percusivo y sincopado, un estilo utilizado ampliamente en las películas ); class ( baile de precisión realizado por bailarines impecablemente vestidos ); militar ( el uso de marchas militares y ritmos de batería ); y ritmo, y paddle and roll ( cada uno de los cuales enfatizó el juego de pies usando el talón y dedo del pie, típicamente de naturaleza rápida y rítmica ).

Para cada uno de estos estilos había cientos de bailarines creando una versión única. John Bubbles, por ejemplo, pasó a la historia como el padre del “ Rhythm Tap”. Aunque puede no haber sido el primer bailarín de claqué en usar el golpe del talón para empujar el ritmo desde el ritmo de jazz de la década de 1920 hasta el ritmo de swing de la década de 1930, ciertamente fue el más influyente; generaciones de bailarines aprendieron su estilo.

Tres jóvenes bailarines de Filadelfia, los Condos Brothers ( Frank, Nick y Steve ), se volvieron legendarios entre los bailarines por su juego de pies rítmico excepcionalmente rápido; pocos bailarines de claqué lograron el dominio de Nick de un movimiento difícil que se le atribuye la invención conocido como el ala de cinco toques.

De los bailarines excéntricos y legomanía, Buddy Ebsen, Henry ( “ Rubber Legs ” ) Williams y Hal Leroy se destacan.

Un estilo único fue inventado por uno de los mejores bailarines de claqué, Clayton ( “ Peg Leg ” ) Bates. Después de perder su pierna a los 12 años, reinventó el claqué para adaptarse a sus propias especificaciones bailando claqué con una pierna y la otra con una pata de palo.

▶ Impacto de la segregación racial en el claqué


Durante las décadas de 1930 y 1940, la nación pudo ver a los bailarines de claqué actuar en una película. Sin embargo, a los bailarines de claqué negro les resultó extremadamente difícil ser parte de estas películas blancas porque la segregación era extremadamente prominente en Estados Unidos.

Esto llevó a la creación de dos estilos diferentes de baile de claqué: los bailarines de claqué blanco formaron un estilo Broadway y los bailarines negros continuaron evolucionando con el estilo tradicional basado en el ritmo.

El baile de claqué de Broadway se realizó principalmente en musicales y películas de Broadway, y no enfatizó los ritmos clásicos de jazz.

El claqué de ritmo integró más de las raíces africanas clásicas de la danza del grifo, y enfatizó los ritmos de jazz, la musicalidad y la improvisación.

La musicalidad es la comprensión del bailarín de la música que está interpretando. La improvisación es donde un bailarín inventa el movimiento mientras actúan, y la coreografía no se prepara de antemano.

También existía la «regla de dos colores», que aseguraba de que los bailarines de claqué no pudieran realizar solos en el escenario.

Esto llevó a algunos bailarines de claqué a realizar duetos de claqué cómicos. Se colocaron estereotipos sobre los afroamericanos, como el estereotipo del «Tío Tom», y muchos bailarines se vieron obligados a usar «cara negra» en el escenario para actuar.

Uno de los primeros bailarines de claqué negro en ser reconocido por Estados Unidos fue Bill «Bojangles» Robinson, quien realizó duetos con Shirley Temple. 9

Sin embargo, la carrera de Bill Robinson se redujo a «minstrels» (un género teatral típicamente americano), que se pueden definir como artistas blancos que usan maquillaje para burlarse de la cultura negra o usan estereotipos negros en una actuación.

Los afroamericanos se unieron a estas actuaciones de juglares donde se verían obligados a actuar según los estereotipos negros en sus actuaciones.

En general, los estadounidenses blancos nunca negaron la cultura afroamericana, pero mostrarían la cultura afroamericana al público blanco de manera poco ética.

▶ Clubs nocturnos


Desde la década de 1920 hasta la década de 1940, los fans del claqué podían encontrar a sus bailarines favoritos en un nuevo lugar, los clubes nocturnos, donde, junto con cantantes y bandas, los bailarines se convirtieron en elementos habituales.

El espectáculo de una sola noche podría involucrar hasta 20 bailarines de claqué: un bailarín solista destacado, un dúo o trío destacado y una línea de coro.

Esta fórmula era común en todo el país en lugares como Cotton Club (Harlem, Nueva York), Plantation Club (Culver City, California), Cocoanut Grove (Los Ángeles) y Ciro’s (Hollywood). Muchas luminarias del claqué , incluidos Ruby Keeler, los hermanos Nicholas y Louis DaPron, comenzaron sus carreras en clubes nocturnos.

Discotecas y otros espectáculos en vivo (vodevil, Broadway) fueron segregados en los primeros años. El circuito blanco incluía recorridos tan prestigiosos como el Orpheum Circuit y artistas como el de Fred y Adele Astaire.

Los artistas afroamericanos , sin embargo, generalmente confiaban en la Asociación de Reservas de Propietarios de Teatros (TOBA, por sus siglas en inglés), que contrataba a artistas negros en el “circuito chitlin ” (lugares que atendían al público negro); TOBA nutrió a artistas como Leonard Reed y Willie Bryant, creadores de Shim Sham Shimmy y las Whitman Sisters.

El «Circuito Chop Suey” de clubes nocturnos chinos, principalmente en San Francisco y la ciudad de Nueva York, presentaba artistas como Toy and Wing (Dorothy Takahashi Toy y Paul Wing) y atendía principalmente a turistas blancos y militares y mujeres.

Con la ayuda de algunos agentes de reservas de mente abierta, los artistas afroamericanos eventualmente rompieron la línea de color por pura determinación y habilidad.

A Bill Robinson se le atribuye ser el primer artista solista afroamericano en actuar en grandes espectáculos de vodevil . Pronto siguieron otros, y los espectáculos habían comenzado a integrarse en las décadas de 1930 y 1940, pero no fue hasta la década de 1970 cuando las oportunidades de actuación mejoraron notablemente.

▶ El claqué en el cine


Se abrió un campo completamente nuevo para los bailarines de claqué con la introducción de películas del cine hablado. Aunque la tecnología del sonido en el cine existía desde hacía varios años, no fue hasta The Jazz Singer (1927) que el público aceptó este nuevo medio.

El advenimiento del sonido permitió capturar en una película actos completos de muchos bailarines populares de claqué de vodevil.

Algunos bailarines que habían sido estrellas de Broadway, incluidos Bill Robinson, Fred Astaire, Eleanor Powell y Ginger Rogers, encontraron un nuevo estrellato en Hollywood a principios de la década de 1930.

Ampliaron las posibilidades del claqué una vez más al crear material completamente nuevo destinado específicamente al cine.

Los primeros números de claqué en la película se filmaron de frente, con poco o ningún movimiento de cámara (las primeras cámaras de sonido eranestacionario hasta que Dorothy Arzner creó el «micrófono boom»).

Los primeros números de baile también solían usar cortes de los bailarines a los actores o presentaban primeros planos en las caras o los pies de los bailarines.

Trabajando en estrecha colaboración con directores y directores de fotografía, Fred Astaire fue el primer bailarín de cine importante en insistir en que hubiera pocos cortes, si es que había alguno, y que la cámara lo siguiera, de pies a cabeza, a lo largo de sus números. Estableció el estándar de cómo se filmó el claqué durante las siguientes tres décadas.

En 1934 una joven bailarina, de seis años Shirley Temple arrasó en el mundo del cine y se convirtió en la atracción más taquillera del país entre 1935 y 1938.

Entre 1934 y 1940 hizo 24 películas y podría decirse que hizo más por la popularidad del claqué que cualquier otra persona en la historia del baile. A pesar de la Gran Depresión , la inscripción se disparó en las escuelas de claqué de todo el país.

Desde la década de 1930 hasta principios de la de 1950, las películas musicales y los espectáculos teatrales sirvieron para distraer al público de las sombrías condiciones sociales provocadas por eventos como la Gran Depresión y la Segunda Guerra Mundial.

Todos los estudios importantes presentaban bailarines de claqué: entre otros, MGM tenía a Gene Kelly y Vera-Ellen; Warner Brothers tenía a Ruby Keeler y Gene Nelson; Twentieth Century-Fox tenía a los hermanos Nicholas, Dan Dailey y Betty Grable; y Universal Studios tenía a Peggy Ryan y los Jivin’ Jacks and Jills.

Ann Miller y Donald O’Connor trabajaron para varios estudios. Destacados bailarines de claqué, como Hermes Pan, Willie Covan, Louis DaPron, Miriam Nelson, Nick Castle, Buddy Bradley y Henry LeTang fueron contratados para coreografiar secuencias musicales.

Aunque a los artistas negros de todo tipo se les impidió protagonizar largometrajes convencionales durante este tiempo, muchos bailarines aparecieron como actos especiales en largometrajes, temas cortos musicales y Soundies (películas sonoras en blanco y negro de tres minutos que se podían ver en máquinas de retroproyección de 16 mm que funcionan con monedas llamadas Panorams en restaurantes, bares y otros lugares públicos).

El arte de una gran variedad de talentos afroamericanos, entre estos Buck and Bubbles, Jeni LeGon y Tip Tap and Toe, se puede ver en flashes de celuloide de tres minutos. Incluso el excepcional equipo de baile asiático-americanoToy and Wing se puede ver como un acto especial en Deviled Ham (1937).

Aunque el vodevil estaba en decadencia a mediados de la década de 1930 y muerto en la década de 1940, los bailarines de claqué continuaron siendo actos populares en clubes nocturnos y espectáculos musicales. Paul Draper y Georgie Tapps fue la primera en popularizar el claqué con música clásica , y actuaron en clubes nocturnos tan glamurosos como el Rainbow Room de Manhattan.

A lo largo de la era de las Big Band, los bailarines de claqué actuaron con orquestas conocidas; Bunny Briggs, por ejemplo, bailó con las bandas de Duke Ellington , Earl Hines y otros, y Ralph Brown se presentó con Count Basie, Dizzy Gillespie y Charlie Parker, entre otros.

La popularidad del claqué comenzó a declinar en la década de 1950. Este cambio a menudo se atribuye a una serie de eventos en la década de 1940. En 1942¡ Agnes de Mille introdujo el ballet narrativo en el espectáculo de Broadway con Oklahoma! .

Aunque en Rodeo (1942) también había sido la primera en introducir el claqué en el ballet, su fama de “coreógrafa” y la falsa competencia con el ballet hacían que el claqué pareciera “cursi” y pasado de moda.

Otro factor en la disminución del claqué fue una caída dramática en la asistencia a los clubes nocturnos, ya que los hombres y mujeres que habían regresado a casa del servicio en el extranjero se concentraron en obtener una educación, comenzar una carrera y formar una familia.

▶ El claqué en televisión y Las Vegas

La introducción de la televisión y el surgimiento de Las Vegas, Nevada, como una popular atracción turística salvó al claqué de una muerte lenta.

Los programas de variedades, que incluían bailarines de claqué junto con sus otros artistas, se encontraban entre los programas más populares en las primeras décadas de la televisión, incluidos The Colgate Comedy Hour, Your Show of Shows, The Milton Berle Show y The Ed Sullivan Show, para nombrar sólo unos pocos.

Para muchos bailarines de claqué, la televisión presentaba un nuevo desafío. La mayoría de los actos de tap habían subsistido con un acto infalible de tres a ocho minutos, que habían realizado durante toda su carrera.

En el teatro en vivo esto no había planteado un problema, porque rara vez, si es que alguna, aparecían más de una vez al año ante la misma audiencia regional. Sin embargo, cuando el acto se transmitió por televisión, toda la nación lo vio y los bailarines se vieron obligados a crear nuevas rutinas para mantener frescos sus actuaciones.

La mayoría, incluidos los actos de toque negro, como Peg Leg Bates, que había estado confinado al circuito de vodevil negro hasta la era de la televisión, enfrentó el desafío y pudo hacer la transición a la televisión.

A partir de la década de 1950, los bailarines de claqué también encontraron nuevas oportunidades para aparecer en el escenario de Las Vegas, que se había convertido en un centro de entretenimiento. Muchos bailarines mayores de claqué se retiraron allí y pasaron sus últimos años de actuación en las salas de exposición de los casinos.

A pesar de su adaptación a un nuevo medio y nuevos lugares , el claqué luchaba por sobrevivir. A partir de la década de 1970, se formaron varias compañías de grifos y, en un esfuerzo por cortejar a un público más joven, viajaron por el circuito universitario.

Los primeros fueron Jazz Tap Ensemble (fundado en 1979 por Lynn Dally), Rhapsody in Taps (cofundado en 1981 por Linda Sohl-Ellison y Toni Relin) y American Tap Dance Foundation (fundado en 1986 como American Tap Dance Orchestra por Brenda Bufalino, Tony Waag y Honi Coles).

▶ Renacimiento del claqué


Un resurgimiento lento comenzó en la década de 1980, cuando los exitosos espectáculos de Broadway como 42nd Street (inaugurado en 1980) y Black and Blue (inaugurado en 1989) destacaron el claqué.

Pero solo con el surgimiento del bailarín, músico y actor.Gregory Hines se aseguró un lugar a fines del siglo XX. Reforzó su estilo dinámico y masculino con una clara preferencia por la música moderna más que por la nostálgica . En la película Tap (1989), actualizó la imagen del claqué y trajo al público un nuevo estilo de claqué.

En 1984 la deslumbrante niña de 10 años Savion Glover asumió el papel principal del espectáculo de Broadway The Tap Dance Kid . El público, así como muchos veteranos del claqué, quedaron impresionados por su juego de pies extremadamente rápido y preciso.

A medida que se acercaba a los últimos años de la adolescencia y principios de los veinte, Glover desarrolló su propio estilo distintivo, enraizado en los ritmos del funk y el hip-hop.

No solo protagonizó la galardonada Bring in ‘da Noise, Bring in ‘da Funk (1996), sino que ganó un premio Tony por su coreografía.

A medida que maduró, continuó improvisando y experimentando mientras reconocía una deuda con los antiguos maestros del claqué.

El estilo y la innovación de artistas como Glover hicieron que el tap fuera atractivo para una nueva generación en los albores de un nuevo siglo.

El claqué, que en la década de 1970 parecía un arte moribundo, emergió en algunos aspectos más fuerte que nunca. Sin duda, esto fue gracias, al menos en parte, a las (en su mayoría) mujeres, mencionadas anteriormente, que formaron compañías de claqué que mantendrían vivo el claqué y a quienes investigaron la historia del claqué.

Características del claqué


Los bailarines de claqué hacen uso frecuente de la síncopa. La coreografía generalmente comienza en el octavo o primer conteo de tiempos.

Otro aspecto del baile de claqué es la improvisación. El baile de claqué se puede hacer con música siguiendo los ritmos proporcionados o sin acompañamiento musical; este último se conoce como baile de claqué «a cappella».

Los hoofers son bailarines de claqué que bailan principalmente «más cerca del suelo», utilizando principalmente el juego de pies y sin mostrar mucho movimiento de brazo o cuerpo.

Este tipo de baile de claqué, también llamado claqué rítmico, fue empleado por esclavos en Estados Unidos.

Steve Condos desarrolló un innovador estilo de toque rítmico que influyó en el trabajo de bailarines de claqué posteriores como Gregory Hines y Savion Glover.

La mayoría de los primeros hoofers, como Sammy Davis Jr., Glover, Hines y LaVaughn Robinson, eran hombres afroamericanos.

Savion Glover ayudó a llevar el tap dance a los principales medios de comunicación al coreografiar Happy Feet, una película sobre un pingüino que baila claqué. Otra conocida película de claqué es Tap de 1989, protagonizada por Gregory Hines y muchos hoofers de antaño.

Los primeros artistas de claqué como Fred Astaire proporcionaron un aspecto más de salón para bailar claqué, mientras que Gene Kelly introdujo elementos de ballet y estilo en claqué.

Este estilo de claqué condujo a lo que hoy se conoce como estilo Broadway, que es popular en la cultura estadounidense. A menudo implica zapatos de tacón alto y música para espectáculos, y generalmente es el tipo de claqué que se enseña primero a los principiantes. Ejemplos de este estilo se encuentran en musicales de Broadway como Anything Goes y 42nd Street.

Los pasos de claqué comunes incluyen el shuffle, shuffle ball change, double shuffle, leap shuffle, hop shuffle, flap, flap ball change, running flaps, flap heel, cramproll, buffalo, Maxi Ford, Maxi Ford with a pullback, pullbacks, wings, Cincinnati, the shim sham shimmy (también llamado Lindy), Irish, Waltz Clog, paddle roll, paradiddle, stomp, brushes, scuffs, spanks, riffs, golpes simples y dobles de punta, hot steps, heel clicks, time steps, over-the-tops, military time step, New Yorkers, Shiggy Bops, drawbacks, y chugs.

En el baile avanzado, los pasos básicos a menudo se combinan para crear nuevos pasos. Muchos pasos también tienen versiones simples, dobles y triples, incluidos retrocesos, tiempos de espera entre otros elementos.

En el claqué, se pueden realizar varios tipos de giros, incluidos giros en el talón escalonado, giros Maxi Ford, giros en el cramproll y giros de arrastre.

Los pasos de tiempo (timesteps) son ampliamente utilizadas en el claqué y pueden variar en diferentes áreas. Estos consisten en un ritmo que se cambia para crear nuevos pasos de tiempo agregando o eliminando pasos.

El baile de claqué también se puede hacer usando un método a cappella, en el que no se proporciona acompañamiento musical y los bailarines crean su propia «música» a través de los sonidos de sus zapatos.

En los bailes de claqué grupales, los pasos generalmente se mantienen simples y fáciles de controlar. El grupo de bailarines debe mantener sus pasos a la velocidad correcta para estar sincronizados.

«Soft-Shoe» es una forma rítmica de baile de claqué que no requiere zapatos especiales, y aunque el ritmo se genera al tocar los pies, también utiliza deslizamiento de los pies ( incluso a veces usando arena dispersa en el escenario para mejorar el sonido de los pies deslizantes ) con más frecuencia que el claqué de ritmo moderno.

Precedió a lo que actualmente se considera un claqué moderno, pero desde entonces ha disminuido en popularidad.

Zapatos de claqué


En los primeros años de baile de claqué, los zapatos de claqué a menudo tenían suelas de madera,  pero la mayoría de los zapatos de claqué han tenido suelas de cuero.

Hay una variedad de estilos de calzado, el zapato Oxford es muy común en la danza del jazz, y Mary Jane ( zapato ) es común para las chicas más jóvenes en las clases de claqué.

Los fabricantes de zapatos de claqué incluyen Bloch y Capezio.

Dependiendo del fabricante y el modelo, las características del claqué pueden variar considerablemente. Por ejemplo, algunos tienen un peso relativamente bajo y una huella pequeña, mientras que otros pueden ser más gruesos y llenar más el borde del zapato, lo que los hace más pesados como resultado.

El «tono» de un zapato de claqué está influenciado por su peso y su forma de superficie, que puede ser cóncava o convexa.

La calidad tonal también puede verse influenciada por el material del que está hecho y la presencia de una caja de resonancia, aunque existe cierto debate sobre si esto afecta el sonido.

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Vista lateral de un zapato de claqué

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Vista de la tapa de metal en el talón de un zapato de claqué

Las tapas se montan en la suela del zapato con tornillos y, a veces, también adhesivas. Los tornillos se introducen en una caja de resonancia, una tabla de fibra delgada integrada en la suela que los tornillos pueden «agarrar» firmemente para unir la suela de manera confiable al zapato.

Cuando no se usa adhesivo, los tornillos se pueden aflojar o apretar para producir diferentes sonidos, mientras que la calidad tonal se fija cuando se usa adhesivo.

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