Investigación

Historia del Ballet: Orígenes y Evolución

historia del ballet

Qué es el Ballet

 Ballet es una forma formalizada de danza con sus orígenes en las cortes renacentistas italianas de los siglos XV y XVI.

El ballet se extendió de Italia a Francia con la ayuda de Catherine de Medici, donde el ballet se desarrolló aún más bajo su influencia aristocrática. Un ejemplo temprano del desarrollo del ballet de Catherine es a través de ‘Le Paradis d’ Amour’, un trabajo presentado en la boda de su hija Marguerite de Valois con Enrique de Navarra.

El dinero aristocrático fue responsable de las etapas iniciales de desarrollo en el ‘ballet de la corte’, ya que fue el dinero real el que dictó las ideas, literatura y música utilizadas en ballets que fueron creados para entretener principalmente a los aristócratas de la época.

El primer ‘ballet de la corte’ formal jamás reconocido se organizó en 1573, ‘Ballet des Polonais’. En verdadera forma de entretenimiento real, ‘Ballet des Polonais’ fue comisionado por Catherine de’ Medici honrará a los embajadores polacos que visitaban París con la adhesión de Enrique de Anjou al trono de Polonia.

En 1581, Catherine de ‘Medici encargó otro ballet de la corte, el Ballet Comique de la Reine, sin embargo, fue su compatriota, Balthasar de Beaujoyeulx, quien organizó el ballet. Catherine de ‘Medici y Balthasar de Beaujoyeulx fueron responsables de presentar el primer ballet de la corte en aplicar los principios de la Academia de Baif, integrando poesía, danza, música y diseño de escenarios para transmitir una historia dramática unificada. Además, la organización y el desarrollo tempranos del ‘ballet judicial’ fue financiado, influenciado y producido por los aristócratas de la época, satisfaciendo tanto sus necesidades de entretenimiento personal como de propaganda política.

 A fines del siglo XVII, Luis XIV fundó la Académie Royale de Musique ( la Ópera de París ) en la que surgió la primera compañía profesional de ballet teatral, el Ballet de la Ópera de París. El predominio del francés en el vocabulario del ballet refleja esta historia.

El ballet teatral pronto se convirtió en una forma de arte independiente, aunque con frecuencia mantiene una estrecha asociación con la ópera y se extendió desde el corazón de Europa a otras naciones.

El Royal Danish Ballet y el Imperial Ballet del Imperio ruso se fundaron en la década de 1740 y comenzaron a florecer, especialmente después de aproximadamente 1850.

En 1907, el ballet ruso regresó a Francia, donde los Ballets Rusos de Sergei Diaghilev y sus sucesores fueron particularmente influyentes. Pronto el ballet se extendió por todo el mundo con la formación de nuevas empresas, incluido el Royal Ballet de Londres ( 1931 ), el Ballet de San Francisco ( 1933 ), el American Ballet Theatre ( 1937 ), el Royal Winnipeg Ballet ( 1939 ), The Australian Ballet ( 1940 como el predecesor Borovansky Ballet ), el New York City Ballet ( 1948 ), el National Ballet of Canada ( 1951 ), y la Academia Nacional de Ballet y el Fideicomiso de India ( 2002 ). 

 En el siglo XX, los estilos de ballet continuaron desarrollándose e influyeron fuertemente en la danza de conciertos más amplia, por ejemplo, en los Estados Unidos, el coreógrafo George Balanchine desarrolló lo que ahora se conoce como ballet neoclásico, los desarrollos posteriores han incluido el ballet contemporáneo y el ballet postestructural, por ejemplo visto en el trabajo de William Forsythe en Alemania.

 La etimología de la palabra «ballet» refleja su historia. La palabra ballet proviene del francés y fue prestada al inglés alrededor del siglo XVII. La palabra francesa a su vez tiene su origen en el balletto italiano, un diminutivo de ballo ( dance ). El ballet finalmente se remonta a Italianballae, que significa «bailar».  

Orígen del Ballet

El ballet en el Renacimiento: Italia y Francia

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Grabado de la segunda escena del Ballet Comique de la Reine , representado en París en 1581 para la corte francesa.

Ballet se originó en la corte renacentista como consecuencia del espectáculo de la corte en Italia,  donde las bodas aristocráticas fueron lujosas celebraciones. Tutus, zapatillas de ballet y trabajo de punta aún no se usaban.

La coreografía se adaptó de los pasos de baile de la corte. Intérpretes vestidos con modas de los tiempos. Para las mujeres eso significaba vestidos formales que cubrían sus piernas hasta el tobillo.  El ballet temprano fue participativo, y el público se unió al baile hacia el final.

 Domenico da Piacenza ( c. 1400 – c. 1470 ) fue uno de los primeros maestros de baile. Junto con sus alumnos, Antonio Cornazzano y Guglielmo Ebreo da Pesaro, fue entrenado en danza y responsable de enseñar a los nobles el arte. Da Piacenza dejó una obra: De arte saltandi et coreus ducendi ( Sobre el arte de bailar y dirigir bailes ), que fue elaborado por sus alumnos.   

 En 1489, Galeazzo, duque de Milán, se casó con Isabel de Aragón en Tortona. Se organizó un elaborado entretenimiento de baile para las celebraciones del maestro de danza italiano Bergonzio di Botta. Los bailes estaban vinculados por una delgada narrativa sobre Jason y los argonautas, y cada uno correspondía a un curso diferente para la cena. Tristano Calco de Milán escribió sobre el evento, y se consideró tan impresionante, que se organizaron muchos espectáculos similares en otros lugares.

 El ballet fue moldeado por el ballet de cour francés, que consistía en bailes sociales interpretados por la nobleza en conjunto con música, habla, verso, canción, concurso, decoración y vestuario. Cuando Catalina de ‘Medici, una aristócrata italiana interesada en las artes, se casó con el heredero francés Enrique II, ella trajo su entusiasmo por el baile a Francia y brindó apoyo financiero.

Los entretenimientos brillantes de Catherine apoyaron los objetivos de la política judicial y generalmente se organizaron en torno a temas mitológicos.

El primer ballet de cour fue el Ballet de Polonais. Este ballet se realizó en 1573 con motivo de la visita del embajador polaco. Fue coreografiado por Balthasar de Beaujoyeulx y contó con un baile de una hora para dieciséis mujeres, cada una representando una provincia francesa.

El Ballet Comique de la Reine ( 1581 ), que también fue coreografiado y dirigido por Balthasar de Beaujoyeulx, fue encargado por Luisa de Lorena, reina consorte del rey Enrique III, hijo de Catalina, para celebrar el matrimonio del duque de Joyeuse favorito de Henry con Marguerite de Lorraine, la hermana de la reina Luisa. El ballet duró más de cinco horas y fue bailado por veinticuatro bailarines: doce naiades y doce páginas. 

 En el mismo año, la publicación de Il Ballarino de Fabritio Caroso, un manual técnico sobre baile en la cancha, tanto de actuación como social, ayudó a establecer a Italia como un centro de desarrollo técnico de ballet. 

El ballet en el Siglo XVII: Francia y la danza de la corte 

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Luis XIV en el Ballet Real de la Nuit (1653).

Ballet desarrollado como una forma de arte centrada en el rendimiento en Francia durante el reinado de Luis XIV, apasionado de la danza. 1Su interés en el baile de ballet fue motivado políticamente. Estableció estrictas etiqueta social a través del baile y lo convirtió en uno de los elementos más cruciales en la vida social de la corte, manteniendo efectivamente la autoridad sobre los nobles y reinando sobre el estado.

Los iniciados de Louis llevaron al refinamiento y la perfección del baile social entre los aristócratas como una forma de mostrar la realeza, consolidando aún más el arte del ballet clásico con reglas y protocolos recientemente establecidos.   

 En 1661, Luis XIV, decidido a promover su ambición en el control de los nobles  y revertir una disminución en los estándares de danza que comenzó en el siglo XVII, estableció la Académie Royale de Danse.

Antes de eso, los aristócratas consideraban bailar, junto con la equitación y el entrenamiento militar como tres disciplinas principales para mostrar su nobleza. No obstante, la fundación de la Academia por Louis desvió su atención de las artes militares a las funciones sociales de la corte, de la guerra al ballet, endureciendo aún más las reglas a su alrededor. 

 Para expandir la influencia de la cultura francesa en toda Europa, Louis ordenó a Pierre Beauchamp, el maestro de baile personal del rey y socio favorito en el ballet de cour en la década de 1650,  para crear “una forma de hacer que la danza se entienda en papel”. 

Beauchamp también fue nombrado Intendant des ballets du roi y en 1680 se convirtió en el director de la academia de baile, cargo que ocupó hasta 1687.

 Esta orden condujo a una intensa investigación en esta área por parte de muchos maestros de ballet, sin embargo, solo se reconoció el sistema de notación de baile de Beauchamp.

En su sistema, codificó las cinco posiciones básicas de los pies en ballet. 19  Raoul Auger Feuillet, un maestro de ballet parisino, más tarde adoptó su sistema y publicó su trabajo en 1700. Su sistema de notación se hizo significativamente popular en Europa.  

 Feuillet concentró sus esfuerzos en el baile más influyente en la corte, llamado «La belle danse», o también conocido como «El estilo noble francés». Este tipo de baile era popular en bailes o canchas con habilidades más exigentes. «Entrée grave», como una de las formas más altas de la belle danse, fue interpretada típicamente por uno o dos hombres con movimientos elegantes y dignos, seguidos de música lenta y elegante.

En este momento, solo los hombres interpretaron la belle danse y entrée grave. Las mujeres actuaron en los ballets de la reina y otras ocasiones sociales, pero no en la tumba entrée, los ballets del rey, en los tribunales o en los escenarios de París, no hasta la década de 1680.

Durante este tiempo en particular, los hombres fueron considerados campeones y maestros del arte, mostrando su danza masculina, digna y noble, la danza de un rey. Esto también establece el modelo para ballet clásico.  

 Los ballets de la corte tenían una larga historia de combinación de danza y etiqueta desde el Renacimiento, pero cuando se trataba de la belle danse, las etiqueta en ballet se llevaron a una altura completamente nueva. Cada regla de etiqueta en los tribunales de Louis se puso en gran detalle en la belle danse y uno ciertamente podía ver el noble estado de los demás a través de sus bailes.

Cinco posiciones de los cuerpos codificados por Beauchamp, seguidas de Feuillet, describieron el cuerpo como un patio en miniatura, con la cabeza como punto central, coordinando sus extremidades como el rey gobernando su estado. Un bailarín que realizara un noble genuino realizaría cinco posiciones diferentes a una que interpretara a un campesino o personajes de menor rango.

La prueba de nobleza también se indicó mediante el uso de máscaras, maquillaje, disfraces, especialmente zapatos en la belle danse. 

 Jean-Baptiste Lully, violinista, bailarín, coreógrafo y compositor italiano, que se unió a la corte de Luis XIV en 1652,  jugó un papel importante en el establecimiento de la dirección general que seguiría el ballet para el próximo siglo. Apoyado y admirado por el rey Luis XIV, Lully a menudo arrojaba al rey en sus ballets.

El título de Rey Sol para el monarca francés, se originó en el papel de Luis XIV en el Ballet de la Nuit de Lully ( 1653 ). Louis XIV, de catorce años, bailó cinco papeles en este ballet de 12 horas. 28  Este Ballet fue lujoso y presentó una escena en la que se quemó una pieza de una casa, incluyendo brujas, hombres lobo, gitanos, pastores, ladrones y las diosas Venus y Diana. 

Sin embargo, el tema principal del ballet no era la oscuridad y los terrores nocturnos, sino que se centró en Louis, que apareció al final como el Sol ( el Dios del Sol, Apolo ), poniendo fin a la noche.

La principal contribución de Lully al ballet fueron sus composiciones matizadas. Su comprensión del movimiento y la danza le permitió componer específicamente para el ballet, con frases musicales que complementaban los movimientos físicos.

Lully también colaboró con el dramaturgo francés Molière. Juntos, tomaron un estilo de teatro italiano, la comedia del arte, y lo adaptaron a su trabajo para una audiencia francesa, creando el ballet de comedia. Entre sus mayores producciones, con Beauchamp como coreógrafo,  19  fue Le Bourgeois Gentilhomme ( 1670 ).   

 En 1669 Louis XIV fundó la Académie d’Opéra con Pierre Perrin como director. Luis XIV se retiró como bailarín en 1670, en gran parte debido al aumento de peso excesivo. Anteriormente, en 1661 había fundado una escuela, la Adacemie Royale de danse. Beauchamp fue el primer maestro de ballet de la Opéra y creó los bailes para la primera producción de la nueva compañía Pomone con música de Robert Cambert.

Más tarde, después de que Perrin se declaró en quiebra, el rey restableció la Ópera como la Academia Real de Música e hizo de Lully la directora.

Beauchamp fue uno de los principales coreógrafos. En esta posición, Lully, con su libretista Philippe Quinault, creó un nuevo género, la tragédie en musique, cada acto del cual presentaba un desvío que era una escena de ballet en miniatura. Con casi todas sus creaciones importantes, Jean-Baptiste Lully reunió música y drama con elementos de danza italiana y francesa. Su trabajo creó un legado que definiría el futuro del ballet.

 Popularidad del ballet en toda Europa 

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El Real Ballet de la Viuda del Gran Baile de Bilbao, 1626.

La corte de Francia fue de alguna manera la principal fuente de cultura de moda para muchas otras cortes reales en Europa. Se imitaron estilos de entretenimiento, incluidos los ballets reales.

Los tribunales en España, Portugal, Polonia, Alemania y otros lugares se convirtieron en audiencias y participantes en ballets. Además de Francia, Italia se convirtió en una influencia importante en la forma de arte, predominantemente Venecia.

 Las compañías profesionales de ballet comenzaron a organizar y recorrer Europa, actuando para audiencias aristocráticas.

En Polonia, el rey Władysław IV Vasa ( 1633 – 1648 ) organizó producciones de ópera italiana, que incluyeron artistas de ballet en algunas escenas. Los famosos maestros de ballet europeos que trabajaron para la corte polaca incluyen a Jean Favier, Antoine Pitrot, Antonio Sacco y Francesco Caselli.

El ballet en el Siglo XVIII

 Francia y el desarrollo como forma de arte

El siglo XVIII fue un período de avance en los estándares técnicos del ballet y el período en que el ballet se convirtió en una forma de arte dramático serio a la par de la ópera.

El centro de este avance fue el trabajo seminal de Jean-Georges Noverre, Lettres sur la danse et les ballets ( 1760 ), que se centró en el desarrollo del ballet d’action, en el que los movimientos de los bailarines están diseñados para expresar el carácter y ayudar en la narrativa.

Noverre creía que: el ballet debería ser técnico pero también mover a la audiencia emocionalmente, las tramas deben estar unificadas, el escenario y la música deben apoyar la trama y unificarse dentro de la historia, y esa pantomima debe ser simple y comprensible. 

 Las reformas fueron hechas en composición de ballet por compositores como Christoph Willibald Gluck. Finalmente, el ballet se dividió en tres técnicas formales sérieux, demi-caractère y comique. El ballet también comenzó a aparecer en óperas como interludios llamados divertissements.

 El ballet fuera de Francia

 Venecia continuó siendo un centro de danza en Europa, particularmente durante el Carnaval de Venecia, cuando bailarines y visitantes de todo el continente viajaban a la ciudad para un animado intercambio cultural.

El Teatro San Benedetto de la ciudad se convirtió en un hito famoso en gran parte debido a los ballets realizados allí. Las técnicas de ballet italianas siguieron siendo la influencia dominante en gran parte del sur y el este de Europa hasta que las técnicas rusas las suplantaron a principios del siglo XX.

 Las representaciones de ballet se extendieron a Europa del Este durante el siglo XVIII, en áreas como Hungría, donde se llevaron a cabo en teatros privados en castillos aristocráticos.

Se establecieron empresas profesionales que actuaron en toda Hungría y también realizaron giras por el extranjero. El Teatro Nacional de Budapest desempeña cada vez más un papel como hogar para los bailarines.

 Algunos de los bailarines más importantes de la época que actuaron en toda Europa fueron Louis Dupré, Charles Le Picque con Anna Binetti, Gaetano Vestris y Jean-Georges Noverre.   

Artistas de ballet polacos en el Carnaval de Venecia de 1827. La bailarina de la izquierda está actuando «en travestie» como una mujer que toma el papel del hombre.

El ballet en el Siglo XIX

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Artistas de ballet polacos en el Carnaval de Venecia de 1827

 La bailarina se convirtió en la intérprete de danza más popular de Europa en la primera mitad del siglo XIX, alejando gradualmente la atención del bailarín. En muchas actuaciones, los héroes del ballet fueron interpretados por una mujer, como el chico principal en pantomima. 

 La profesionalidad de las compañías de ballet se convirtió en un foco para una nueva generación de maestros y bailarines de ballet. Viena fue una fuente importante de influyentes entrenadores de ballet.

El primer maestro de ballet del Teatro Nacional y la Ópera Real de Hungría fue el Frigyes Campilli, nacido en Viena, que trabajó en Budapest durante 40 años. 

 El siglo XIX fue un período de gran cambio social, que se reflejó en el ballet por un alejamiento de las sensibilidades aristocráticas que habían dominado períodos anteriores a través del ballet romántico.

Bailarinas como Geneviève Gosselin, Marie Taglioni y Fanny Elssler experimentaron con nuevas técnicas, como la pintura que le dio a la bailarina prominencia como la figura ideal del escenario.

Taglioni era conocida como la «Bailarina Cristiana», ya que su imagen era ligera y pura ( asociada con su papel como la sílfa en La Sylphide ). Fue entrenada principalmente por su padre, Filipo Taglioni.

En 1834, Fanny Elssler llegó a la Ópera de París y se hizo conocida como la «Bailarina Pagana», debido a las cualidades ardientes del baile Cachucha que la hizo famosa. Los libretistas profesionales comenzaron a elaborar las historias en ballets.

Los maestros como Carlo Blasis codificaron la técnica de ballet en la forma básica que todavía se usa hoy en día. El zapato de punta en caja de ballet fue inventado para apoyar el trabajo de punta.

 El movimiento romántico en el ballet

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Marie Taglioni como Flore en el ballet Flore et Zéphire de Charles Didelot (hacia 1831).

El movimiento romántico en el arte, la literatura y el teatro fue una reacción contra las limitaciones formales y la mecánica de la industrialización. 

El zeitgeist llevó a los coreógrafos a componer ballets románticos que parecían ligeros, aireado y libre que actuaría en contraste con la difusión de la ciencia reduccionista a través de muchos aspectos de la vida cotidiana que, en palabras de Edgar Allan Poe, «condujo el hamadryad desde el bosque».

Estos ballets «poco reales» retrataban a las mujeres como seres frágiles y sobrenaturales, criaturas etéreas que podían levantarse sin esfuerzo y casi parecían flotar en el aire.

Las bailarinas comenzaron a usar disfraces con faldas pastel y fluidas que cubrían las espinillas. Las historias giraban en torno a espíritus folklóricos y misteriosos.

Un ejemplo de uno de esos ballet romántico es La Sylphide, uno de los ballets románticos más antiguos que todavía se realiza en la actualidad.

 Una cepa del movimiento romántico fue una nueva exploración del folklore y la cultura étnica tradicional. Esta influencia se vio en el surgimiento de la danza popular europea y las representaciones occidentales de los pueblos de África, Asia y Oriente Medio en los escenarios europeos.

En ballets de este período, los personajes no europeos a menudo se creaban como villanos o como desvíos tontos para adaptarse a la comprensión occidental orientalista del mundo. 

La Ópera Nacional de Ucrania, un teatro de artes escénicas con una compañía de ópera residente, se estableció en Kiev en 1867.

También incluía una pequeña compañía residente de bailarines de ballet, que realizaría principalmente baile de estilo folklórico durante las producciones de ópera.

Para 1893, esto se convirtió en una compañía lo suficientemente grande como para organizar grandes ballets. El baile popular y los ballets con historias ucranianas se encontraban entre las primeras producciones. 

 Muchas de las principales compañías europeas de ballet profesional que sobreviven hoy se establecieron en nuevos teatros en las capitales de Europa a mediados y finales del siglo XIX, incluido el Kyiv Ballet, el Ballet Nacional Húngaro, el Ballet Nacional de Teatro ( Praga ) y el Ballet Estatal de Viena ( anteriormente el Ballet de la Ópera Estatal de Viena ).

Estos teatros generalmente combinaban grandes compañías de ópera, teatro y ballet bajo el mismo techo. Los compositores, dramaturgos y coreógrafos pudieron crear obras que aprovecharon la capacidad de colaborar entre estas compañías de performance.

El ballet en Rusia

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Mikhail Mordkin como el Príncipe Siegfried y Adelaide Giuri como Odette con los estudiantes como los pequeños cisnes en la producción del Teatro Imperial Bolshoi de Moscú del Lago de los Cisnes de Petipa/Ivanov/Tchaikovsky . 1901

 Si bien Francia fue instrumental en el ballet temprano, otros países y culturas pronto adoptaron la forma de arte, especialmente Rusia.

Rusia tiene una tradición reconocida de ballet, y el ballet ruso ha tenido gran importancia en su país a lo largo de la historia. Después de 1850, el ballet comenzó a disminuir en París, pero floreció en Dinamarca y Rusia gracias a maestros como August Bournonville, Jules Perrot, Arthur Saint-Léon, Enrico Cecchetti y Marius Petipa. A finales del siglo XIX, el orientalismo estaba de moda.

El colonialismo trajo conciencia de las culturas asiáticas y africanas, pero distorsionado con la desinformación y la fantasía. El Este a menudo se percibía como un lugar lejano donde todo era posible, siempre que fuera lujoso, exótico y decadente. Petipa apeló al gusto popular con La hija del faraón ( 1862 ), y más tarde El talismán ( 1889 ), y La Bayadère ( 1877 ).

Petipa es mejor recordado por sus colaboraciones con Tchaikovsky. Usó su música para su coreografía de The Nutcracker ( 1892, aunque esto está abierto a cierto debate entre los historiadores ), The Sleeping Beauty ( 1890 ), y el renacimiento definitivo de Swan Lake ( 1895, con Lev Ivanov ).

Todos estos trabajos fueron extraídos del folklore europeo.

 El tutú clásico de las bailarinas, tal como se reconoce hoy, comenzó a aparecer en este momento. Consistía en una falda corta y rígida sostenida por capas de crinolina o tul que revelaban el trabajo acrobático de las piernas, combinado con un amplio refuerzo que servía para preservar la modestia.

El ballet en Argentina

 Las compañías de ballet de Europa comenzaron giras lucrativas de teatros en América del Norte, Central y del Sur a mediados del siglo XIX. El prestigioso Teatro Colón de Buenos Aires, Argentina, había acogido a artistas de ballet extranjeros en su escenario, con compañías de turismo de Europa que presentaban ballets completos ya en 1867. 

 En la década de 1880, el Teatro Colón tenía su propia compañía de ballet profesional. Sin embargo, pasarían varias décadas antes de que la mayoría de los países fuera de Europa pudieran reclamar sus propias compañías profesionales de ballet.

El ballet en el Siglo XX y el Modernismo

 Rusia y los Ballets Russes

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Anna Pavlova como bacante en Bacchanale de Mikhail Mordkin .

 Sergei Diaghilev trajo el ballet a todo el círculo a París cuando abrió su compañía, Ballets Russes. Estaba compuesto por bailarines de la comunidad rusa del exilio en París después de la Revolución.

 Diaghilev y el compositor Igor Stravinsky fusionaron sus talentos para dar vida al folklore ruso en The Firebird y Petrushka coreografiados por Fokine. Las siguientes comisiones coreográficas de Diaghilev fueron para Nijinsky. Su primer ballet fue L’apres-midi d’un Faune ( Tarde de un fauno ) a la música de Debussy.

Fue notable por sus formas bidimensionales y la falta de técnica de ballet. Causó controversia al representar al fauno frotando la bufanda de una de las doncellas sobre sí mismo, en masturbación simulada. Sin embargo, el trabajo más controvertido de los Ballets Russes fue The Rite of Spring, coreografiado por Nijinsky con música de Stravinsky.

La música moderna del ballet, el pisoteo de paloma y el tema del sacrificio humano conmocionaron tanto al público que se amotinaron.

 Después de la edad de oro de Petipa, Michel Fokine comenzó su carrera en St. Petersburgo, pero se mudó a París y trabajó con Diaghilev y los Ballets Russes.

 El ballet ruso continuó el desarrollo bajo el dominio soviético. Quedaba poco talento en el país después de la Revolución, pero fue suficiente para sembrar una nueva generación.

Después del estancamiento en la década de 1920, a mediados de la década de 1930, apareció en escena una nueva generación de bailarines y coreógrafos.

La perfección técnica y la precisión de la danza fueron promovidas ( y exigidas ) por Agrippina Vaganova, a quien Petipa y Cecchetti le habían enseñado y dirigieron la Academia de Ballet Vaganova, la escuela para preparar bailarines para el Ballet Kirov en St. Petersburgo / Leningrado.

 Ballet era popular entre el público. Tanto el Bolshoi con sede en Moscú como el St. Petersburgo (y luego Leningrado) con sede en Kirov las compañías de ballet estaban activas. La presión ideológica obligó a la creación de muchas piezas realistas socialistas, la mayoría de las cuales causaron poca impresión en el público y fueron eliminadas del repertorio de ambas compañías más tarde.

 Sin embargo, algunas piezas de esa época fueron notables. Romeo y Julieta de Prokofiev y Lavrovsky es una obra maestra.

Las llamas de París, si bien muestra todos las fallos del arte realista socialista, fue pionero en el uso activo del cuerpo de ballet en la actuación y requirió un virtuosismo sorprendente. La versión de ballet del poema Pushkin, La fuente de Bakhchisarai con música de Boris Asafiev y coreografía de Rostislav Zakharov también fue un éxito.

 El conocido ballet Cenicienta, para el cual Prokofiev proporcionó la música, es también el producto del ballet soviético. Durante la era soviética, estas piezas eran en su mayoría desconocidas fuera de la Unión Soviética y más tarde fuera del Bloque del Este. Sin embargo, después del colapso de la Unión Soviética, recibieron más reconocimiento.

 El estreno norteamericano de 1999 de La Fuente de Bakhchisarai por el Ballet Kirov en Nueva York fue un éxito sobresaliente, por ejemplo. La era soviética del ballet ruso puso mucho énfasis en la técnica, el virtuosismo y la fuerza. Exigía fuerza generalmente por encima de la norma de los bailarines occidentales contemporáneos.

Las bailarinas prima notables incluyen a Galina Ulanova, Natalya Dudinskaya y Maya Plisetskaya y coreógrafos como Pyotr Gusev.

 Las empresas rusas, particularmente después de la Segunda Guerra Mundial, realizaron múltiples giras por todo el mundo que revitalizaron el ballet en Occidente.

El ballet en Estados Unidos

 Tras el traslado de los Ballets Russes a Francia, el ballet comenzó a tener una influencia más amplia, particularmente en los Estados Unidos de América.

 Desde París, después de desacuerdos con Diaghilev, Fokine fue a Suecia y luego a los Estados Unidos y se estableció en Nueva York. Diaghilev creía que el ballet tradicional ofrecía poco más que belleza y exhibición atlética.

Para Fokine eso no fue suficiente. Además del virtuosismo técnico, exigió drama, expresión y autenticidad histórica. El coreógrafo debe investigar el período y el contexto cultural del entorno y rechazar el tutú tradicional a favor del costo exacto del período.

 Fokine coreografió Sheherazade y Cleopatra. También reelaboró a Petrouchka y The Firebird. Una de sus obras más famosas fue The Dying Swan, interpretada por Anna Pavlova. Más allá de su talento como bailarina, Pavlova tenía los dones teatrales para cumplir la visión de Fokine del ballet como drama.

La leyenda dice que Pavlova se identificó tanto con el papel de cisne que solicitó su disfraz de cisne de su lecho de muerte.

 George Balanchine desarrolló una técnica de vanguardia en Estados Unidos al abrir una escuela en Nueva York. Adaptó el ballet a los nuevos medios, películas y televisión.

Un trabajador prolífico, Balanchine rechoreografió clásicos como Swan Lake y Sleeping Beauty, así como la creación de nuevos ballets. Produjo interpretaciones originales de los dramas de William Shakespeare, como Romeo y Julieta y El sueño de una noche de verano, y también de La viuda feliz de Franz Léhar.

 En 1967, las Joyas de Balanchine rompieron con la tradición narrativa y dramatizaron un tema en lugar de una trama. Este enfoque se ajusta a las fuentes de financiación patrocinadas por el estado en los Estados Unidos que buscaban fomentar la «libertad y el libre pensamiento» en contraste con la danza impulsada por la narrativa, que se consideraba demasiado relacionado con el socialismo, especialmente el comunismo soviético. 

Hoy, en parte gracias a Balanchine, el ballet es uno de los bailes más bien conservados del mundo.  cita necesaria  

 Barbara Karinska era una emigrada rusa y una costurera experta que colaboró con Balanchine para elevar el arte del diseño de vestuario de un papel secundario a una parte integral de una actuación de ballet.

Ella introdujo el corte de sesgo y un tutú clásico simplificado que le permitió al bailarín más libertad de movimiento. Con meticulosa atención al detalle, decoró su tutus con abalorios, bordados, crochet y apliqué.

Ballet neoclásico

Ballets Russes con Apollo (1928) con coreografía de George Balanchine. Los bailarines son Alexandrova Danilova y Serge Lifar

 A George Balanchine a menudo se considera el primer pionero de lo que ahora se conoce como ballet neoclásico, un estilo de danza entre el ballet clásico y el ballet contemporáneo de hoy. Tim Scholl, autor de From Petipa to Balanchine, considera que el Apolo de Balanchine ( 1928 ) es el primer ballet neoclásico.

Representaba un retorno a la forma en respuesta a los ballets abstractos de Serge Diaghilev. Apollo y otros trabajos todavía se realizan hoy, predominantemente por el New York City Ballet. Sin embargo, otras compañías pueden pagar una tarifa por los derechos de desempeño de las obras de George Balanchine.

 Frederick Ashton es otro coreógrafo destacado asociado con el estilo neoclásico. Tres de sus obras se han convertido en piezas estándar en el repertorio internacional: Sylvia ( 1952 ), Romeo y Julieta ( 1956 ), y Ondine ( 1958 ), el último de los cuales fue creado como un vehículo para exhibir a Margot Fonteyn.

Ballet contemporáneo

 Un bailarín que se entrenó con Balanchine y absorbió gran parte de este estilo neoclásico fue Mikhail Baryshnikov. Tras el nombramiento de Baryshnikov como director artístico del American Ballet Theatre en 1980, trabajó con varios coreógrafos modernos, especialmente Twyla Tharp.

Tharp coreografió Push Comes To Shove para ABT y Baryshnikov en 1976; en 1986 creó In The Upper Room para su propia compañía. Ambas piezas se consideraron innovadoras por su uso de movimientos claramente modernos combinados con el uso de zapatos de punta y bailarines de formación clásica para su uso del ballet contemporáneo.

 Tharp también trabajó con la compañía Joffrey Ballet, fundada en 1957 por Robert Joffrey. Coreografió a Deuce Coupe para ellos en 1973, utilizando música pop y una combinación de técnicas modernas y de ballet. El Joffrey Ballet continuó realizando numerosas piezas contemporáneas, muchas coreografiadas por el cofundador Gerald Arpino.

 Hoy en día hay muchas compañías de ballet y coreógrafos contemporáneos. Estos incluyen el Ballet de Madrid; Ballet Real de Flandes; Alonzo King y su compañía, Alonzo King LINES Ballet; Nacho Duato y Compañía Nacional de Danza; William Forsythe, quien ha trabajado extensamente con el Ballet de Frankfurt y hoy dirige The Forsythe Company; y Jiří Kylián, ex director artístico del Teatro Nederlands Dans.

Tradicionalmente, las compañías «clásicas», como el Ballet Kirov y el Ballet de la Ópera de París, también realizan regularmente obras contemporáneas.

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