Instrumentos Musicales Electrónicos: Qué Son, Historia y Ejemplos

🎛 Qué es un instrumento musical electrónico

Un instrumento musical electrónico o electrófono es un instrumento musical que produce sonido utilizando circuitos electrónicos.

Dicho instrumento suena al emitir una señal de audio eléctrica, electrónica o digital que, en última instancia, se conecta a un amplificador de potencia que activa un altavoz , creando el sonido que escuchan el intérprete y el oyente.

Un instrumento electrónico puede incluir una interfaz de usuario para controlar su sonido, a menudo ajustando el tono, la frecuencia o la duración de cada nota.

Una interfaz de usuario común es el teclado musical, que funciona de manera similar al teclado de un piano acústico, excepto que con un teclado electrónico, el teclado en sí no produce ningún sonido.

Un teclado electrónico envía una señal a un módulo de sintetizador , computadora u otro generador de sonido electrónico o digital, que luego crea un sonido. Sin embargo, es cada vez más común separar la interfaz de usuario y las funciones de generación de sonido en un controlador de música (dispositivo de entrada ) y un sintetizador de música , respectivamente, con los dos dispositivos comunicándose a través de un lenguaje de descripción de interpretación musical como MIDI o Open Sound Control .

Todos los instrumentos musicales electrónicos pueden verse como un subconjunto de aplicaciones de procesamiento de señales de audio. Los instrumentos musicales electrónicos simples a veces se denominan efectos de sonido ; la frontera entre los efectos de sonido y los instrumentos musicales reales a menudo no está clara.

En el siglo XXI, los instrumentos musicales electrónicos ahora se usan ampliamente en la mayoría de los estilos de música.

En los estilos de música popular, como la música dance electrónica , casi todos los sonidos de instrumentos utilizados en las grabaciones son instrumentos electrónicos (p. ej., sintetizador de bajo, sintetizador, caja de ritmos).

El desarrollo de nuevos instrumentos musicales electrónicos, controladores y sintetizadores sigue siendo un campo de investigación muy activo e interdisciplinario.

Congresos especializados, entre los que destaca el Congreso Internacional sobre Nuevas Interfaces para la Expresión Musical, han organizado para informar sobre el trabajo de vanguardia, así como para proporcionar un escaparate para los artistas que interpretan o crean música con nuevos instrumentos de música electrónica, controladores y sintetizadores.

🎛 Clasificación de los instrumentos musicales electrónicos

En musicología, los instrumentos musicales electrónicos se conocen como electrofones. Los electrofones son la quinta categoría de instrumentos musicales bajo el sistema Hornbostel-Sachs.

Los musicólogos generalmente solo clasifican la música como electrofones si el sonido es producido inicialmente por electricidad, excluyendo instrumentos acústicos controlados electrónicamente, como órganos de tubos e instrumentos amplificados, como guitarras eléctricas.

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 La categoría fue agregada al sistema de clasificación de instrumentos musicales Hornbostel-Sachs por Sachs en 1940, en su libro de 1940 The History of Musical Instruments; 1  la versión original del sistema de 1914 no lo incluyó. Sachs dividió los electrofones en tres subcategorías: 

 La última categoría incluía instrumentos como theremins o sintetizadores, a los que llamó instrumentos radioeléctricos.

 Francis William Galpin proporcionó dicho grupo en su propio sistema de clasificación, que está más cerca de Mahillon que Sachs-Hornbostel. Por ejemplo, en el libro de Galpin de 1937 A Textbook of European Musical Instruments, enumera los electrofones con tres divisiones de segundo nivel para la generación de sonido ( «por oscilación», «electromagnético» y «electroestático»), así como categorías de tercer y cuarto nivel basadas en el método de control. 

 Los etnomusicólogos actuales, como Margaret Kartomi  3  y Terry Ellingson,  4  sugieren que, de acuerdo con el espíritu del esquema de clasificación original de Hornbostel Sachs, si uno clasifica los instrumentos por lo que primero produce el sonido inicial en el instrumento, que solo la subcategoría 53 debe permanecer en la categoría de electrofones.

Por lo tanto, se ha propuesto más recientemente, por ejemplo, que el órgano de tubería ( incluso si utiliza la acción de la llave eléctrica para controlar las válvulas solenoides ) permanezca en la categoría de aerófonos, y que la guitarra eléctrica permanece en la categoría de cordófonos, y así sucesivamente.

🎛 Primeros instrumentos musicales electrónicos

 En el siglo XVIII, músicos y compositores adaptaron una serie de instrumentos acústicos para explotar la novedad de la electricidad. Así, en el sentido más amplio, el primer instrumento musical electrificado fue el teclado Denis d’or, que data de 1753, seguido en breve por la clavecin électrique del francés Jean-Baptiste de Laborde en 1761.

El Denis d’or consistía en un instrumento de teclado de más de 700 cuerdas, electrificado temporalmente para mejorar las cualidades sonoras. La clavecina eléctrica era un instrumento de teclado con plectra ( picks ) activado eléctricamente. Sin embargo, ninguno de los instrumentos utilizó la electricidad como fuente de sonido.

 El primer sintetizador eléctrico fue inventado en 1876 por Elisha Gray. El «Telégrafo musical» fue un subproducto casual de su tecnología telefónica cuando Gray descubrió que podía controlar el sonido desde un circuito electromagnético autovibrante e inventó un oscilador básico.

El Musical Telegraph utilizó cañas de acero osciladas por electroimanes y transmitidas a través de una línea telefónica. Gray también construyó un dispositivo de altavoz simple en modelos posteriores, que consistía en un diafragma que vibraba en un campo magnético.

 Una invención significativa, que luego tuvo un profundo efecto en la música electrónica, fue la audición en 1906. Esta fue la primera válvula termiónica, o tubo de vacío y que condujo a la generación y amplificación de señales eléctricas, radiodifusión y computación electrónica, entre otras cosas. Otros sintetizadores tempranos incluyeron Telharmonium ( 1897 ), Theremin ( 1919 ), Spharophon de Jörg Mager ( 1924 ) y Partiturophone, Electronde similar de Taubmann ( 1933, 1928 ), Trautonio de Trautwein ( 1930 ).

El Mellertion ( 1933 ) usaba una escala no estándar, el Dynaphone de Bertrand podía producir octavas y quintos perfectos, mientras que el Emicon era estadounidense, instrumento controlado por teclado construido en 1930 y el alemán Hellertion combinaron cuatro instrumentos para producir acordes.

También aparecieron tres instrumentos rusos, Croix Sonore de Oubouhof ( 1934 ), el microtonal ‘Electronic Keyboard Oboe’ de Ivor Darreg ( 1937 ) y el sintetizador ANS, construido por el científico ruso Evgeny Murzin de 1937 a 1958.

Solo se construyeron dos modelos de este último y el único ejemplo sobreviviente se almacena actualmente en la Universidad de Lomonosov en Moscú. Se ha utilizado en muchas películas rusas como Solaris para producir sonidos inusuales «cósmicos». 

 Hugh Le Caine, John Hanert, Raymond Scott, compositor Percy Grainger ( con Burnett Cross ), y otros construyeron una variedad de controladores automáticos de música electrónica a fines de la década de 1940 y 1950.

En 1959, Daphne Oram produjo un nuevo método de síntesis, su técnica «Oramics», impulsada por dibujos en una tira de película de 35 mm; se utilizó durante varios años en el Taller Radiofónico de la BBC. 9  Este taller también fue responsable del tema de la serie de televisión Doctor Who, una pieza, creada en gran parte por Delia Derbyshire, que más que ningún otro aseguró la popularidad de la música electrónica en el Reino Unido.

▶ Telharmonium

 En 1897 Thaddeus Cahill patentó un instrumento llamado Telharmonium ( o Teleharmonium, también conocido como Dynamaphone ).

Utilizando ruedas de tono para generar sonidos musicales como señales eléctricas mediante síntesis aditiva, fue capaz de producir cualquier combinación de notas y connotaciones, en cualquier nivel dinámico. Esta tecnología se utilizó más tarde para diseñar el órgano Hammond.

Entre 1901 y 1910, Cahill hizo tres versiones progresivamente más grandes y complejas, la primera pesaba siete toneladas, la última en exceso de 200 toneladas. La portabilidad se gestionó solo por ferrocarril y con el uso de treinta vagones. Para 1912, el interés público había disminuido y la empresa de Cahill estaba en bancarrota. 10  

▶ Theremin

 Otro desarrollo, que despertó el interés de muchos compositores, ocurrió en 1919 – 1920. En Leningrado, Leon Theremin construyó y demostró su Etherophone, que más tarde pasó a llamarse Theremin.

Esto condujo a las primeras composiciones para instrumentos electrónicos, a diferencia de los fabricantes de ruido y las máquinas reutilizadas.

El Theremin fue notable por ser el primer instrumento musical tocado sin tocarlo. En 1929, Joseph Schillinger compuso First Airphonic Suite for Theremin and Orchestra, estrenada con la Orquesta de Cleveland con Leon Theremin como solista.

Al año siguiente, Henry Cowell le encargó a Theremin que creara la primera máquina de ritmo electrónico, llamada Rhythmicon. Cowell escribió algunas composiciones para él, que él y Schillinger estrenaron en 1932.

▶ Ondes Martenot

 La década de 1920 se ha llamado el vértice de la Edad Mecánica y el amanecer de la Edad Eléctrica. En 1922, en París, Darius Milhaud comenzó experimentos con «transformación vocal por cambio de velocidad de fonógrafo». 

Estos continuaron hasta 1927. Esta década trajo una gran cantidad de instrumentos electrónicos tempranos junto con Theremin, está la presentación de Ondes Martenot, que fue diseñada para reproducir los sonidos microtonales encontrados en la música hindú, y el Trautonium. Maurice Martenot inventó el Ondes Martenot en 1928, y pronto lo demostró en París.

Los compositores que usan el instrumento finalmente incluyen Boulez, Honegger, Jolivet, Koechlin, Messiaen, Milhaud, Tremblay y Varèse.

El guitarrista de Radiohead y multi-instrumentista Jonny Greenwood también lo usa en sus composiciones y una gran cantidad de canciones de Radiohead. En 1937, Messiaen escribió Fête des belles eaux para 6 ondes Martenot, y escribió partes solistas para él en Trois petites Liturgies de la Présence Divine ( 1943 – 44 ) y Turangalîla-Symphonie ( 1946 – 48/90 ).

▶ Trautonium

El Trautonio fue inventado en 1928. Se basó en la escala subarmónica, y los sonidos resultantes a menudo se usaban para emular sonidos de campana o gong, como en las producciones de Parsifal de Bayreuth de la década de 1950.

En 1942, Richard Strauss lo usó para la parte de campana y gong en el estreno de Dresde de su música de festival japonés. Esta nueva clase de instrumentos, microtonal por naturaleza, solo fue adoptada lentamente por los compositores al principio, pero a principios de la década de 1930 hubo una explosión de nuevas obras que incorporaron estos y otros instrumentos electrónicos.

▶ Órgano Hammond y Novachord

En 1929 Laurens Hammond estableció su empresa para la fabricación de instrumentos electrónicos. Luego produjo el órgano Hammond, que se basó en los principios del Telharmonium, junto con otros desarrollos, incluidas las unidades de reverberación temprana.

El órgano Hammond es un instrumento electromecánico, ya que utiliza elementos mecánicos y piezas electrónicas. Un órgano Hammond utilizó ruedas de metal giratorias para producir diferentes sonidos. Se utiliza una pastilla magnética similar en diseño a las pastillas en una guitarra eléctrica para transmitir los tonos en las ruedas de tono a un amplificador y caja de altavoces.

Si bien el órgano Hammond fue diseñado para ser una alternativa de menor costo a un órgano de tubos para la música de la iglesia, los músicos pronto descubrieron que el Hammond era un excelente instrumento para el blues y el jazz; de hecho.

Todo un género de música desarrollado en torno a este instrumento, conocido como el trío de órganos ( típicamente órgano Hammond, batería y un tercer instrumento, ya sea saxofón o guitarra ).

 El primer sintetizador fabricado comercialmente fue el Novachord, construido por Hammond Organ Company de 1938 a 1942, que ofrecía polifonía de 72 notas utilizando 12 osciladores que impulsaban circuitos de división basados en monoestables, control básico de envolvente y filtros resonantes de paso bajo.

El instrumento presentaba 163 tubos de vacío y pesaba 500 libras. El uso del instrumento del control de envolvente es significativo, ya que esta es quizás la distinción más significativa entre el sintetizador moderno y otros instrumentos electrónicos.

🎛 Síntesis Analógica 1950 – 1980

Los instrumentos electrónicos más utilizados son sintetizadores, llamado porque generan artificialmente sonido utilizando una variedad de técnicas. Toda la síntesis temprana basada en circuitos implicó el uso de circuitos analógicos, particularmente amplificadores, osciladores y filtros controlados por voltaje.

Un desarrollo tecnológico importante fue la invención del Clavivoxsynthesizer en 1956 por Raymond Scott con el subconjunto de Robert Moog.

El compositor e ingeniero francés Edgard Varèse creó una variedad de composiciones utilizando cuernos electrónicos, silbatos y cintas. En particular, escribió Poème électronique para el pabellón Phillips en la Feria Mundial de Bruselas en 1958.

▶ Sintetizadores modulares

 RCA produjo dispositivos experimentales para sintetizar voz y música en la década de 1950. El sintetizador de música Mark II, ubicado en el Centro de música electrónica Columbia-Princeton en la ciudad de Nueva York.

Diseñado por Herbert Belar y Harry Olson en RCA, con contribuciones de Vladimir Ussachevsky y Peter Mauzey, se instaló en la Universidad de Columbia en 1957.

Compuesto por una matriz de componentes de síntesis de sonido interconectados del tamaño de una habitación, solo era capaz de producir música mediante programación, usando un secuenciador de papel perforado con agujeros para controlar las fuentes de cabeceo y los filtros, similar a un piano mecánico pero capaz de generar una amplia variedad de sonidos. El sistema de tubos de vacío tuvo que ser parcheado para crear timbres.

 En la década de 1960, los sintetizadores todavía se limitaban a los estudios debido a su tamaño. Por lo general, eran de diseño modular, sus fuentes de señal independientes y procesadores conectados con cables de conexión o por otros medios y controlados por un dispositivo de control común.

Harald Bode, Don Buchla, Hugh Le Caine, Raymond Scott y Paul Ketoff fueron de los primeros en construir tales instrumentos, a fines de la década de 1950 y principios de la década de 1960. Buchla luego produjo un sintetizador modular comercial, el Buchla Music Easel.

Robert Moog, que había sido alumno de Peter Mauzey y uno de los ingenieros de RCA Mark II, creó un sintetizador que razonablemente podría ser utilizado por los músicos, diseñando los circuitos mientras estaba en Columbia-Princeton.

El sintetizador Moog se mostró por primera vez en la convención de Audio Engineering Society en 1964.

Se requería experiencia para configurar sonidos, pero era más pequeño e intuitivo que lo que había sucedido antes, menos como una máquina y más como un instrumento musical. Moog estableció estándares para la interfaz de control, utilizando una 1-volt-per-octave logarítmica para el control de tono y una señal de activación separada.

Esta estandarización permitió que los sintetizadores de diferentes fabricantes funcionaran simultáneamente. El control de tono generalmente se realizaba con un teclado de estilo órgano o un secuenciador de música que producía una serie cronometrada de voltajes de control.

A fines de la década de 1960, cientos de grabaciones populares usaban sintetizadores Moog. Otros de los primeros fabricantes de sintetizadores comerciales incluyeron ARP, que también comenzó con sintetizadores modulares antes de producir instrumentos todo en uno, y la firma británica EMS.

▶ Sintetizadores integrados

 En 1970, Moog diseñó el Minimoog, un sintetizador no modular con un teclado incorporado. Los circuitos analógicos estaban interconectados con interruptores en una disposición simplificada llamada «normalización.» Aunque menos flexible que un diseño modular, la normalización hizo que el instrumento fuera más portátil y más fácil de usar.

El Minimoog vendió 12,000 unidades. Estandarizó aún más el diseño de sintetizadores posteriores con su teclado integrado, ruedas de inclinación y modulación y flujo de señal VCO- > VCF- > VCA. Se ha hecho famoso por su sonido «gordo» y sus problemas de afinación. Los componentes de estado sólido miniaturizados permitieron que los sintetizadores se convirtieran en instrumentos portátiles autónomos que pronto aparecieron en presentaciones en vivo y rápidamente se usaron ampliamente en la música popular y la música electrónica de arte. 

 Muchos sintetizadores analógicos tempranos eran monofónicos, produciendo solo un tono a la vez.

Los sintetizadores monofónicos populares incluyen el Moog Minimoog. Algunos, como el Moog Sonic Six, ARP Odyssey y EML 101, podrían producir dos tonos diferentes en un momento en que se presionaron dos teclas. Polifonía ( múltiples tonos simultáneos, que permite acordes ) solo se pudo obtener con diseños de órganos electrónicos al principio.

Los teclados electrónicos populares que combinan circuitos de órganos con procesamiento de sintetizador incluyeron ARP Omni y Moog’s Polymoog y Opus 3.

 En 1976 comenzaron a aparecer sintetizadores polifónicos asequibles, en particular el Yamaha CS-50, CS-60 y CS-80, los Circuitos Sequentales Profeta-5 y la Oberheim Four-Voice. Estos permanecieron complejos, pesados y relativamente costosos.

La grabación de configuraciones en la memoria digital permitió el almacenamiento y la retirada de sonidos. El primer sintetizador polifónico práctico, y el primero en usar un microprocesador como controlador, fue el Sequential CircuitsProphet-5 introducido a fines de 1977.

Por primera vez, los músicos tenían un práctico sintetizador polifónico que podía guardar todas las configuraciones de perilla en la memoria de la computadora y recordarlas con solo tocar un botón. El paradigma de diseño del Profeta-5 se convirtió en un nuevo estándar, empujando lentamente diseños modulares más complejos y recónditos.

🎛 Grabación en cinta

En 1935, se hizo otro desarrollo significativo en Alemania. Allgemeine Elektricitäts Gesellschaft ( AEG ) demostró la primera grabadora magnética producida comercialmente, llamada Magnetophon. La cinta de audio, que tenía la ventaja de ser bastante ligera y tener una buena fidelidad de audio, finalmente reemplazó las grabadoras de cable más voluminosas.

 El término «música electrónica» ( que entró en uso por primera vez durante la década de 1930 ) llegó a incluir la grabadora como elemento esencial: «sonidos producidos electrónicamente grabados en cinta y arreglados por el compositor para formar una composición musical «. También era indispensable para Musique concrète.

 La cinta también dio lugar a los primeros teclados analógicos de reproducción de muestras, Chamberlin y su sucesor más famoso, el Mellotron, un teclado electromecánico polifónico desarrollado y construido originalmente en Birmingham, Inglaterra a principios de la década de 1960.

🎛 Secuenciador de sonido

 Durante la década de 1940 – 1960, Raymond Scott, un compositor estadounidense de música electrónica, inventó varios tipos de secuenciadores de música para sus composiciones eléctricas.

Los secuenciadores de pasos reprodujeron patrones rígidos de notas usando una cuadrícula de ( generalmente ) 16 botones, o pasos, cada paso es 1/16 de una medida. Estos patrones de notas fueron encadenados para formar composiciones más largas.

Los secuenciadores de software se utilizaron continuamente desde la década de 1950 en el contexto de la música de computadora, incluida la música reproducida por computadora ( secuenciador de software ), música compuesta por computadora ( síntesis de música ), y generación de sonido de computadora ( síntesis de sonido ).

🎛 Era Digital 1980 – 2000

▶ Síntesis digital

Los primeros sintetizadores digitales fueron experimentos académicos en síntesis de sonido con computadoras digitales. La síntesis de FM se desarrolló para este propósito; como una forma de generar sonidos complejos digitalmente con el menor número de operaciones computacionales por muestra de sonido.

En 1983, Yamaha introdujo el primer sintetizador digital independiente, el DX-7. Utilizó la síntesis de modulación de frecuencia ( síntesis de FM ), desarrollada por primera vez por John Chowning en la Universidad de Stanford a fines de los años sesenta. Chowning autorizó exclusivamente su patente de síntesis FM a Yamaha en 1975.

Yamaha posteriormente lanzó sus primeros sintetizadores FM, el GS-1 y el GS-2, que eran costosos y pesados.

Siguió un par de versiones preestablecidas más pequeñas, los conjuntos combinados CE20 y CE25, dirigidos principalmente al mercado de órganos domésticos y con teclados de cuatro octavas.

La tercera generación de sintetizadores digitales de Yamaha fue un éxito comercial; consistió en el DX7 y DX9 (1983).

Ambos modelos eran compactos, a un precio razonable y dependían de circuitos integrados digitales personalizados para producir tonalidades FM. El DX7 fue el primer sintetizador totalmente digital del mercado masivo. Se volvió indispensable para muchos artistas musicales de la década de 1980, y la demanda pronto superó la oferta. El DX7 vendió más de 200.000 unidades en tres años. 

 La serie DX no fue fácil de programar, pero ofreció un sonido detallado y percusivo que condujo a la desaparición del piano electromecánico de Rodas, que era más pesado y más grande que un sintetizador DX.

Tras el éxito de la síntesis de FM, Yamaha firmó un contrato con la Universidad de Stanford en 1989 para desarrollar la síntesis de guías de ondas digitales, lo que condujo al primer sintetizador de modelado físico comercial, el VL-1 de Yamaha, en 1994. 

El DX-7 era lo suficientemente asequible para que lo compraran los aficionados y las bandas jóvenes, a diferencia de los costosos sintetizadores de generaciones anteriores, que fueron utilizados principalmente por los mejores profesionales.

▶ Sampling

El Fairlight CMI (Computer Musical Instrument), el primer sampler digital polifónico , fue el precursor de los sintetizadores basados ​​en samples.

Diseñado en 1978 por Peter Vogel y Kim Ryrie y basado en una computadora con microprocesador dual diseñada por Tony Furse en Sydney, Australia, Fairlight CMI les dio a los músicos la capacidad de modificar volumen, ataque, descomposición y usar efectos especiales como vibrato.

Las formas de onda de muestra se pueden mostrar en pantalla y modificar con un bolígrafo ligero. 30  El Synclavier de New England Digital era un sistema similar.

Jon Appleton ( con Jones y Alonso ) inventaron el Sintetizador Digital Dartmouth, para luego convertirse en el Sinclavier de New England Digital Corp.

El Kurzweil K250, producido por primera vez en 1983, también fue un exitoso sintetizador de música digital polifónica,  conocido por su capacidad para reproducir varios instrumentos sincrónicamente y tener un teclado sensible a la velocidad. 

▶ Música por ordenador

Max Mathews ( 1970s ) tocando el instrumento de software en tiempo real. ISPW, sucesor de 4X, fue una plataforma DSP basada en i860 y NeXT, por IRCAM. Artículos principales: Sintetizador de música y software para computadora.

 Un nuevo desarrollo importante fue el advenimiento de las computadoras con el propósito de componer música, en lugar de manipular o crear sonidos.

Iannis Xenakis comenzó lo que se llama musique stochastique, o música estocástica, que es un método de composición que emplea sistemas de probabilidad matemática. Se utilizaron diferentes algoritmos de probabilidad para crear una pieza bajo un conjunto de parámetros.

Xenakis utilizó papel cuadriculado y una regla para ayudar a calcular las trayectorias de velocidad de glissando para su composición orquestal Metastasis ( 1953 – 54 ), pero luego recurrió al uso de computadoras para componer piezas como ST / 4 para cuarteto de cuerda y ST / 48 para orquesta ( ambas 1962 ).

 El impacto de las computadoras continuó en 1956. Lejaren Hiller y Leonard Issacson compusieron Illiac Suite para cuarteto de cuerda, el primer trabajo completo de composición asistida por computadora usando composición algorítmica.  

 En 1957, Max Mathews en Bell Lab escribió la serie MUSIC-N, una primera familia de programas de computadora para generar formas de ondas de audio digital a través de la síntesis directa. Luego, Barry Vercoe escribió MUSIC 11 basado en MUSIC IV-BF, un programa de síntesis musical de próxima generación ( que luego evolucionó en csound, que todavía se usa ampliamente ).

 A mediados de los 80, Miller Puckette en IRCAM desarrolló un software de procesamiento de señal gráfica para 4X llamado Max ( después de Max Mathews ), y luego lo portó a Macintosh ( con Dave Zicarelli extendiéndolo para Opcode  35  ) para el control MIDI en tiempo real, brindando disponibilidad de composición algorítmica a la mayoría de los compositores con un fondo de programación de computadora modesto.

MIDI habilita las conexiones entre instrumentos musicales digitales Artículo principal: Interfaz digital de instrumentos musicales 

▶ MIDI

 En 1980, Un grupo de músicos y comerciantes de música se reunieron para estandarizar una interfaz mediante la cual los nuevos instrumentos podrían comunicar instrucciones de control con otros instrumentos y la microcomputadora prevalente.

Este estándar se denominó MIDI ( Interfaz digital de instrumentos musicales ).

Dave Smith de Sequential Circuits escribió un artículo y lo propuso a la Audio Engineering Society en 1981. Luego, en agosto de 1983, se finalizó la Especificación MIDI 1.0.

 El advenimiento de la tecnología MIDI permite una sola pulsación de tecla, movimiento de la rueda de control, movimiento del pedal o comando desde una microcomputadora para activar cada dispositivo en el estudio de forma remota y sincronizada, con cada dispositivo respondiendo de acuerdo con las condiciones predeterminadas por el compositor.

 Los instrumentos y el software MIDI hicieron que el control potente de instrumentos sofisticados fuera fácilmente asequible para muchos estudios e individuos. Los sonidos acústicos se reintegraron a los estudios a través de muestreo e instrumentos basados en ROM muestreados.

🎛 Instrumentos musicales electrónicos modernos

 La potencia creciente y el costo decreciente de la electrónica generadora de sonido ( y especialmente de la computadora personal ), combinado con la estandarización de los lenguajes de descripción de interpretación musical MIDI y Open Sound Control, ha facilitado la separación de instrumentos musicales en controladores de música y sintetizadores de música.

 Con mucho, el controlador musical más común es el teclado musical. Otros controladores incluyen el radiodrum, el EWI de Akai y los controladores de viento WX de Yamaha, el SynthAxe tipo guitarra, el BodySynth, el Buchla Thunder, el diapasón continuo, el Roland Octapad, varios teclados isomórficos, incluidos Thummer y Kaossilator Pro, y kits como I-CubeX.

▶ Reactable

 El Reactable es una mesa redonda translúcida con una pantalla interactiva retroiluminada. Al colocar y manipular bloques llamados tangibles en la superficie de la mesa, mientras interactúa con la pantalla visual a través de gestos con los dedos, se opera un sintetizador virtual modular, creando efectos musicales o de sonido.

▶ Percussa AudioCubes

 AudioCubes son cubos inalámbricos autónomos alimentados por un sistema informático interno y una batería recargable.

Tienen iluminación RGB interna y son capaces de detectar la ubicación, orientación y distancia de cada uno. Los cubos también pueden detectar distancias a las manos y dedos del usuario.

A través de la interacción con los cubos, se puede operar una variedad de software de música y sonido. AudioCubes tiene aplicaciones en diseño de sonido, producción musical, DJ y presentaciones en vivo.

▶ Korg Kaossilator 

 El Kaossilator y Kaossilator Pro son instrumentos compactos donde la posición de un dedo en la almohadilla táctil controla dos características de nota; generalmente el tono se cambia con un movimiento izquierdo-derecho y la propiedad tonal, el filtro u otro parámetro cambia con un movimiento hacia arriba.

El panel táctil se puede configurar en diferentes escalas y teclas musicales. El instrumento puede grabar un bucle repetitivo de longitud ajustable, configurado en cualquier tempo, y se pueden colocar nuevos bucles de sonido encima de los existentes.

Esto se presta a la música electrónica de baile, pero es más limitado para secuencias controladas de notas, ya que la almohadilla en un Kaossilator normal no tiene características.

▶ Eigenharp

 El Eigenharp es un instrumento grande que se asemeja a un fagot, con el que se puede interactuar a través de botones grandes, un secuenciador de batería y una boquilla. El procesamiento de sonido se realiza en una computadora separada.

▶ XTH Sense

 El XTH Sense es un instrumento portátil que utiliza sonidos musculares del cuerpo humano ( conocido como mecanomiograma ) para hacer música y efectos de sonido. A medida que un artista se mueve, el cuerpo produce sonidos musculares capturados por un micrófono con chip usado en el brazo o las piernas.

Los sonidos musculares se muestrean en vivo utilizando un programa de software dedicado y una biblioteca de efectos de audio modulares. El intérprete controla los parámetros de muestreo en vivo al pesar la fuerza, la velocidad y la articulación del movimiento.

▶ AlphaSphere

 El AlphaSphere es un instrumento esférico que consta de 48 almohadillas táctiles que responden tanto a la presión como al tacto.

El software personalizado permite que las almohadillas se programen indefinidamente individualmente o por grupos en términos de función, nota y parámetro de presión entre muchas otras configuraciones.

El concepto principal de AlphaSphere es aumentar el nivel de expresión disponible para los músicos electrónicos, permitiendo el estilo de tocar un instrumento musical.

🎛 Chip music

Chiptune, chipmusic o música chip es música escrita en formatos de sonido donde muchas de las texturas de sonido son sintetizadas o secuenciadas en tiempo real por un chip de sonido de computadora o consola de videojuegos , que a veces incluye síntesis basada en muestras y reproducción de muestras de bajo bit.

Muchos dispositivos de música con chip presentaban sintetizadores en conjunto con reproducción de muestras de baja velocidad.

🎛 Cultura DIY

 A fines de la década de 1970 y principios de la década de 1980, los diseños de DIY ( Hágalo usted mismo ) se publicaron en revistas de electrónica de hobby ( notablemente el sintetizador modular Formant, un clon de DIY del sistema Moog, publicado por Elektor ) y kits fueron suministrados por compañías como Paia en los EE. UU. Y Maplin Electronics en el Reino Unido.

▶ Doblado de circuito 

 En 1966, Reed Ghazala descubrió y comenzó a enseñar matemáticas «doblado de circuitos» la aplicación del cortocircuito creativo, un proceso de cortocircuito casual, creando instrumentos electrónicos experimentales, explorando elementos sónicos principalmente de timbre y con menos respeto al tono o al ritmo, e influenciado por el concepto de música aleatoria de John Cage. 

 Gran parte de esta manipulación de circuitos directamente, especialmente hasta el punto de destrucción, fue pionera de Louis y Bebe Barron a principios de la década de 1950, como su trabajo con John Cage en Williams Mix y especialmente en la banda sonora de Forbidden Planet.

 La flexión moderna del circuito es la personalización creativa de los circuitos dentro de dispositivos electrónicos, como efectos de guitarra de bajo voltaje y batería, juguetes para niños y pequeños sintetizadores digitales para crear nuevos instrumentos musicales o visuales y generadores de sonido.

Al enfatizar la espontaneidad y la aleatoriedad, las técnicas de flexión de circuitos se han asociado comúnmente con la música de ruido, aunque se sabe que muchos músicos contemporáneos y grupos musicales más convencionales experimentan con instrumentos «doblados. La flexión de circuitos generalmente implica desmontar la máquina y agregar componentes como interruptores y potenciómetros que alteran el circuito.

Con el interés revivido por la flexión del circuito de sintetizador analógico, se convirtió en una solución barata para muchos músicos experimentales para crear sus propios generadores de sonido analógico individuales.

Hoy en día se pueden encontrar muchos esquemas para construir generadores de ruido como la consola Atari Punk o la sirena Dub, así como modificaciones simples para juguetes para niños como el famoso Speak & Hechizo que a menudo son modificados por dobladores de circuito

▶ Sintetizadores modulares

 El sintetizador modular es un tipo de sintetizador que consta de módulos intercambiables separados. Estos también están disponibles como kits para constructores de bricolaje aficionados. Muchos diseñadores aficionados también ponen a disposición de otros aficionados tableros de PCB desnudos y paneles frontales para la venta.