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Las 40 Mejores Bandas Sonoras de la Historia

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Aquí os traemos hoy un especial de mejores bandas sonoras.

Culpa a Kenneth Anger… En 1963, el irreverente artista underground debutó con su película Scorpio Rising, una avalancha estadounidense de iconografía e imágenes eróticas, que dura 30 minutos y que está caracterizada por las canciones de rock y R&B que no poseen licencia, alineadas con los gustos de Elvis Presley y Ray Charles.

Scorpio Rising, un elemento básico de las salas de cine y de los programas de cine universitario, influyó en la forma en que los directores aspirantes como Martin Scorsese pensaban en la yuxtaposición de imágenes en movimiento y música popular.

Cuando la generación de Scorsese se apoderó de Hollywood a fines de la década de 1960, llevaron a Anger en sus corazones y en sus mentes.

Para 2018 y principios de 2019, uno de los álbumes más populares será una banda sonora. A Star Is Born, del director / actor Bradley Cooper, es la última actualización de una historia cinematográficamente recurrente desde la década de 1930; que de hecho ha sido éxito de taquilla.

Una gran parte del marketing se ha centrado en la música, y los vídeos de las actuaciones de Cooper y su coprotagonista Lady Gaga se están volviendo virales, mucho antes del lanzamiento de la película. La combinación de imágenes atractivas y canciones pegadizas sigue siendo una fuente de dinero confiable.

Dicho esto, en este artículo encontrarás las 40 mejores bandas sonoras de películas de todos los tiempos.

El criterio utilizado son películas que recibieron una alta puntuación de una variedad de fuentes musicales. Hay algunas excepciones como Shaft o Superfly que fueron creados por artistas individuales, exclusivamente para esos proyectos.

También hay incluidas algunas películas que presentan actuaciones musicales diegéticas (como Purple Rain, Once o A Star Is Born), si bien es cierto se han excluído musicales directos.

También se han excluído partituras instrumentales originales y convencionales incluso cuando no son convencionales, como la banda sonora de Miles Davis de Elevator to the Gallows, The Third Man de Anton Karas, o la bossa nova brasileña de Black Orpheus.

En su lugar, lo que encontrarás a continuación son soundtrack de películas basadas en canciones que tuvieron un impacto cultural significativo de varias formas: convirtiéndose en best sellers; introduciendo (o reintroduciendo) canciones a la radio; resumiendo subgéneros musicales enteros; o ayudando a crear momentos cinematográficos singulares.

Cabe mencionar que casi todos los géneros musicales modernos están representados, desde el hip-hop hasta el grunge, hasta el clásico de vanguardia y es que en la música de cine, bien orquestado cabe de todo…

¿Preparado para escuchar estás fantásticas bandas sonoras de películas?

40. Straight Outta Compton (2015)

Al igual que en la historia biográfica de N.W.A, su banda sonora recorre la historia del grupo de hip-hop desde sus primeras grabaciones hasta su trabajo en solitario posterior a la ruptura. Pero el álbum Straight Outta Compton también incluye algunas de las leyendas del funk y el R&B (en particular, George Clinton y Roy Ayers) que ayudaron a inspirar el sonido relajado y pesado en bajos propio de la Costa Oeste, sonido creado por el Dr. Dre.

Esta no es solo una recopilación de algunas de las grabaciones más influyentes de los años 80 y 90, es una historia que explica su origen y cómo llegaron a existir.

39. Maximum overdrive (1986)

Algunas de las mejores bandas sonoras de un solo artista funcionan como compilaciones de facto. AC / DC nunca ha lanzado una colección adecuada de “grandes éxitos”, pero su álbum Who Made Who, con canciones nuevas y antiguas que los rockeros australianos le permiten a Stephen King usar en su único esfuerzo como director, Maximum Overdrive, se acerca más a esta idea. “You Shook Me All Night Long”, “Hells Bells”, “For Those About to Rock” … estos son elementos básicos de la radio de rock clásico y estadios deportivos, y una señal enviada por King de que su película sobre camiones asesinos está destinada a ser buena, tonta pero divertida.

38. Romeo + Juliet (1996)

El cineasta australiano Baz Luhrmann ama las grandes emociones, el artificio sin disculpas de las viejas películas de Hollywood y la música perteneciente a los Top 40; así que a lo largo de su carrera no ha temido crear escenas con melodías pegajosas, incluso cuando pueden parecer una falta de coincidencia.

Su adaptación de Shakespeare de Boffo es atrevida por la forma en que coloca las palabras de Bard en boca de las familias del crimen en guerra en una ciudad costera moderna. Pero Luhrmann luego intensifica el anacronismo al hacer que sus amantes cruzados de estrellas (interpretados por Leonardo DiCaprio y Claire Danes, increíblemente jóvenes y de aspecto dulce) toquen y desvanezcan canciones elegantes como “Lovefool” de Cardigans y “Kissing You” de Des’ree.

La banda sonora fue triple platino en los EE. UU., lo que indica un alejamiento de la cultura pop del grunge brusco y hacia el romanticismo bailable con un brillo de sintetizador.

37. Marie Antoinette (2006)

La mejor película de Sofía Coppola hace analogías entre la realeza privilegiada y las celebridades del siglo XXI mal interpretadas y mal entendidas.

La banda sonora también reproduce esas similitudes a lo largo de los siglos, al permitir que la música de los grupos de dance-pop modernos y los post-punkers de los 80 muestren a Marie Antoinette como una niña normalmente de mal humor, que se relaja al irse de fiesta en los clubes.

Las bandas sonoras anteriores de Coppola para The Virgin Suicides y Lost in Translation eran similares a las de los demás, pero Marie Antoinette es el mejor ejemplo de cómo el director usa la música para agregar dimensión a sus personajes y a su ambiente.

36. Eden (2014)

La cineasta francesa Mia Hansen-Løve basó a Eden en las experiencias de su hermano Sven (quien coescribió el guión), un DJ moderadamente popular cuya carrera fue eclipsada por sus compañeros EDM más exitosos, incluidos los chicos de Daft Punk.

La banda sonora oficial, que es dos veces más larga que la película, es una pieza bastante completa con la que los niños europeos bailaban en los años 90. No es esencial entender las distinciones finas entre “casa” y “garaje” y “jungla” para disfrutar de los tiempos rápidos, los golpes y las voces conmovedoras y de Eden.

35. The Mambo Kings (1992)

La canción nominada al Oscar “Beautiful Maria of My Soul”, interpretada en inglés por Los Lobos y en español por Antonio Banderas, es probablemente la parte más recordada de la no exitosa adaptación cinematográfica de la novela de Oscar Hijuelos The Mambo Kings Play Songs of Love.

Pero el animado renacimiento de la banda sonora del jazz latino de mediados del siglo XX (con énfasis en los estilos puertorriqueño y cubano) es una excelente introducción al género, y llamó la atención de una audiencia más amplia unos años antes de Buena Vista Social. El club se convirtió en una sensación internacional.

La película de The Mambo Kings es una historia conmovedora sobre cómo la música ayudó a dos hermanos inmigrantes a encontrar un lugar en los Estados Unidos. Las actuaciones ganadoras de Tito Puente, Celia Cruz y Arturo Sandoval ayudaron a vender ese cuento.

34. Judgment Night (1993)

Esta ridículamente retorcida y recalentada imagen del crimen sería olvidada si no fuera por su banda sonora única: un experimento para crear un nuevo género musical. No es que el rap-rock no existiera antes de la noche del juicio; artistas como Body Count, Anthrax, Urban Dance Squad y Beastie Boys habían producido algunos híbridos interesantes antes de 1993.

Pero en vez de utilizar un formato de colaboraciones musicales inusuales, que hubiese sido exitoso en los años 90, Judgment Night logró unir en un estudio a varios colaboradores como De La Soul con Teenage Fanclub; Sir Mix-A-Lot con Mudhoney; House of Pain and Helmet; y Cypress Hill con Sonic Youth y Pearl Jam, lo cual al principio parecía improbable.

Los resultados no siempre fueron especialmente musicales, pero demostraron una apertura e imaginación refrescantes.

33. River’s Edge (1986)

Una de las películas sonoras más fuertes jamás grabadas es una de las películas más sombrías que se hayan hecho sobre adolescentes estadounidenses, después de un grupo de personas que se han quedado sin vida en una pequeña ciudad conspirando para encubrir un asesinato cometido por uno de sus amigos.

En un momento en que otras películas de instituto  de los años 80 estaban animadas por el rock y el sinteh pop británico, River´s Edge se apoyaba en el fango de Slayer, Hallows Eve y Fates Warning.

32. Rock ’n’ Roll High School (1979)

Si bien esta comedia autoconsciente y ridícula es sobre adolescentes que desean desesperadamente conocer a The Ramones, la banda sonora es en realidad una mezcla de New Wave y art-rock de finales de los 70, que podría decirse que es la banda de punk estadounidense más importante de todos los tiempos en el contexto de artistas como Nick Lowe, Brian Eno, Devo y Todd Rundgren.

Sin embargo, lo que hace que este sea un documento esencial son las canciones de los Ramones: la canción del título impulsada por jet, la retro-balada “I Want You Around” y una mezcla de 11 minutos en vivo que preserva la presencia en el escenario que convirtió a esta banda en héroes rebeldes.

31. Dazed and Confused (1993)

Los estudiantes de secundaria que viven en el suburbano de Texas de Richard Linklater en 1976 están convencidos de que están viviendo una de las épocas más siniestras de la historia de Estados Unidos.

Las canciones que salen de los radios de sus coches sugieren lo contrario. Tal vez estos niños se perdieron de la época de los rebeldes de los años 50 y los radicales de los 60, pero los beatniks, los hippies y los primeros rockeros que vinieron antes de ellos al menos les despejaron el camino para fumar droga todo el día y escuchar a Foghat, Alice Cooper y ZZ Top . En el año del bicentenario estadounidense, los adolescentes nunca habían sido tan libres.

30. Boogie Nights (1997)

En el fondo, Boogie Nights, de Paul Thomas Anderson, es una broma cinemática inteligente, que responde a la pregunta: “¿Qué pasaría si un cineasta aplicara la narrativa dramática, emocionalmente intensa y visualmente dinámica de Goodfellas a una película sobre porno?”

La banda sonora es parte de esa broma. En el lugar de la colección clásica de pop, rock y R&B de Martin Scorsese, Anderson llena su película con un algo pegadizo como “Brand New Key” de Melanie, “Magnet and Steel” de Walter Egan, y “Sister Christian” de Night Ranger.

¿Cómo se puede calificar una película sobre placeres culpables?

29. Empire Records (1995)

Ahora tiene una reputación mejor, pero cuando Empire Records se lanzó a mediados de los años 90, bombardeó las taquillas y dejó a los críticos decepcionados, quienes identificaron este drama del “día en la vida de una tienda de discos” como un intento cínico de pulir y vender la escena alt-rock post-nirvana.

Sin embargo, la película resonó con una audiencia pequeña pero ferviente, que ayudó a elevarla a un estado de culto, mientras se aferraba apasionadamente a una banda sonora llena de rockeros modernos como Gin Blossoms, Better Than Ezra, Toad the Wet Sprocket, Cracker y the Cranberries.

Tanto la película como su música documentan una época en la que las excentricidades de la música de principios de los años 90 se enderezaron y flotaron en la corriente principal, y ambos afirman que incluso algo descaradamente comercial puede ser significativo para las personas que lo compran.

28. Singles (1992)

Cameron Crowe comenzó a escribir la película que se convertiría en singles poco después de mudarse a Seattle, donde el ex reportero de Rolling Stone quedó inmediatamente impresionado con la escena musical de ese entonces.

Cuando Crowe terminó la película, sus amigos en bandas como Soundgarden, Pearl Jam y Mudhoney eran algunas de las estrellas de rock más grandes del mundo.

Los singles solo obtuvieron modestas ganancias de taquilla, pero su álbum de la banda sonora fue enorme, no solo porque capturó el “grunge” en su mejor momento, sino porque Crowe encuadraba bien el movimiento, agregando canciones del héroe del rock alternativo de los 80, Paul Westerberg, la estrella de FM de los años 70, Nancy Wilson (la esposa de Crowe en ese momento), y el legendario Seattleite Jimi Hendrix para mostrar de dónde provienen Alice in Chains y Screaming Trees.

27. Once (2007)

Cuando la dramática película independiente del escritor y director John Carney, una vez que debutó en Sundance en 2007, Glen Hansard era solo un cantante y compositor irlandés conocido por un puñado de rockeros lo suficientemente diligentes como para estar al tanto de su banda The Frames. Luego, esta historia de un músico aficionado de la calle, que conoció a una mujer (interpretada por Markéta Irglová) que lo inspira para grabar una demostración, conmovió al público que las canciones de Hansard e Irglová “Falling Slowly” y “When Your Mind’s Made Up” se convirtieron en éxitos de radio y ganaron grandes premios de la industria, antes de anclar una versión musical de Broadway de la película.

Lo que simplemente demuestra: ¿Quién necesita un gran presupuesto cuando tienes excelentes canciones?

26. Guardians of the Galaxy (2014)

Incluso en una época en la que ya nadie compra álbumes, los fans de la atrevida aventura cósmica de Marvel llevaron su banda sonora a la cima de las listas.

¿Por qué?

Da crédito a la mezcla agradable de lo mejor de los 70, con canciones como “Fooled Around and Fell in Love” de Elvin Bishop y “I’t Not Love” de 10cc que son recordados con cariño.

Reconozca también la forma en que se usa esta “mezcla asombrosa” en la película real: como el último vínculo que queda entre un pícaro saltador de estrellas y la madre fallecida que le enseñó a amar los éxitos.

25. A Star Is Born (2018)

Más que una colección de melodías que se presentaron en la película, esta banda sonora tiene como objetivo recrear toda la experiencia de la reciente película A Star Is Born, con fragmentos de diálogo y múltiples versiones de las mismas piezas, tal como en la película.

Preservar la calidad casi documental de las actuaciones musicales también permite que este disco mantenga la tensión en el corazón de la imagen: entre la espontaneidad terrenal del rock alternativo con la que Bradley Cooper canta representando a su personaje Jackson Maine (con palabras y música contribuida por Jason Isbell y Lukas Nelson, hijo de Willie) y el pop más pulido y practicado de Lady Gaga.

Las canciones cuentan una historia, sobre las diferentes maneras de conservar alguna expresión personal dentro del gigante sin alma que es la industria discográfica estadounidense moderna.

24. Shutter Island (2010)

Martin Scorsese puede ser el cineasta del apogeo “New Hollywood” de la década de los 70 más estrechamente identificado con las imágenes dinámicas de bodas con rock y soul.

Scorsese y su editora Thelma Schoonmaker, junto con su consultor musical ocasional Robbie Robertson, han creado audios totalmente integrados en los años 70, Goodfellas en los años 90, The Departed y The Wolf of Wall Street en los últimos años, las cuales son experiencias visuales que otros artistas han tratado de copiar descaradamente.

El trabajo más atrevido del equipo, en su mayoría, evita la música pop (aparte de unos pocos soñadores oldies) a favor de los pasajes de los compositores clásicos de vanguardia.

Además de llamar la atención sobre los genios modernos de un género completamente diferente, los sonidos desconocidos, casi extraños de la banda sonora de Shutter Island refuerzan el relato de la locura alucinante de la película.

23. Mo’ Better Blues (1990)

Es difícil equivocarse con casi cualquier banda sonora de casi cualquier filmación de Spike Lee: el aturdimiento de la escuela Go-go heavy, el enemigo público de Do the Right Thing, y Jungle Fever de Stevie Wonder, Prince 6 Girl, etc.

Pero Mo ‘Better Blues puede ser lo más cercano al corazón de Lee. La película está parcialmente inspirada por su propio padre, músico de jazz, Bill Lee (que compuso la canción del título), y está compuesto por una mezcla de piezas originales de Branford Marsalis y Terence Blanchard que abarcan toda la gama de estilos de jazz, desde baladas vocales sensuales y elegantes, hasta pop melódico a la disonancia de vanguardia.

La canción más importante del álbum puede ser “Jazz Thing” de Gang Starr, una historia del género del hip-hop que muchos neófitos han usado como una lista de recomendaciones para escuchar: desde Theolonious Monk (“un melodioso golpe”) hasta Ornette Coleman (“Otro hombre del alma”).

22. Midnight Cowboy (1969)

Midnight Cowboy, una de las películas más queridas de finales de los 60 y ganadora del Oscar a la Mejor Película, también es una historia detallada sobre cómo se desarrolló la era del LSD y el amor libre en una ciudad mugrienta de Nueva York, donde el sexo es más difícil y las drogas eran más populares que las hippies felices.

La banda sonora también juega con los sonidos de la ciudad y los tiempos.

El recuerdo en la memoria de Elephant’s Memory (haciendo su mejor impresión de Velvet Underground) está junto al lirismo de los instrumentales impulsados por la armónica de John Barry, el groove del Groop, y Harry Nilsson, la espectacular versión de Fred Neil en “Everybody’s Talkin ”.

La última pista en particular, tocando imágenes de dos patéticos personajes que caminan por Manhattan, captura tanto las posibilidades como las decepciones de una metrópolis que se desmorona en ese momento.

21. Magical Mystery Tour (1967)

Es imposible hablar sobre el matrimonio de películas y música pop sin mencionar a los Beatles, cuyas películas A Hard Day’s Night, Help y Yellow Submarine influyeron en el cine, la televisión, la moda, la contracultura y más.

Pero la mejor banda sonora de los Beatles proviene de su peor película. Magical Mystery Tour es una producción que hay que ver: bromas internas y psicodelia de segunda. Pero el álbum es clásico de principio a fin, incluyendo “The Fool on the Hill”, “I am the Walrus”, “Hello, Goodbye”, la canción principal y los singles contemporáneos “Strawberry Fields Forever” y “All You Need Is Love ”.

Los dos últimos no estaban en la película en sí, pero corroboraron lo que la banda estaba haciendo musicalmente en ese momento, uniendo melodías atemporales a potentes triplicidades.

20. The Graduate (1967)

Una de las películas que marcó un cambio en Hollywood hacia producciones orientadas a la juventud fue The Graduate que usó música que atrajo tanto a los niños como a sus padres, cambiando fácilmente entre el tradicional swing orquestal de Dave Grusin y el folk-rock de Simonome y Garfunkel .

Las imágenes de un Dustin Hoffman, un enfermo de alma, interpretando a un joven brillante que no está listo para ser adulto, se fijan en canciones bonitas y melancólicas como “Mrs. Robinson “,” Scarborough Fair “y” April Come She Will “persuadieron a los espectadores mayores de que tal vez algo realmente estaba preocupando a la creciente generación.

Las fantásticas ventas para la banda sonora y la canción “Mrs. Robinson” convenció a los estudios para comenzar a merodear Sunset Strip, en busca de los músicos de pelo largo para colocarles un micrófono delante.

19. Easy Rider (1969)

Gracias a los Beatles y The Graduate, la banda sonora de la película de rock había desarrollado una especie de fórmula a finales de los años 60: en su mayoría interpretados por artistas en solitario, confiando en una mezcla de éxitos antiguos y grabaciones nuevas, completados con algunas canciones novedosas y con música instrumental de relleno.

Luego, Dennis Hopper y Peter Fonda decidieron dedicar una gran parte de su presupuesto de Easy Rider a otorgar licencias para las populares canciones de acid rock que su editor Donn Cambern usaba al principio solo como puntaje temporal.

Además del sonido del momento con sus nuevos cortes de Steppenwolf y Byrds, Easy Rider fue algo más orgánico que las bandas sonoras que lo precedieron, como algo que los personajes de la película realmente estarían escuchando.

18. The Big Chill (1983)

Esta película fue la favorito del baby boom y responsable de lo que se convertiría en uno de los clichés más grandes de Hollywood de los años 80 y 90: escena de gente alegre de mediana edad saltando en su casa escuchando un amado viejo pop.

En el caso de The Big Chill, esta historia de hippies convertidos en yuppies despertó un interés renovado en los ideales de los años 60 durante el corazón de la era Reagan, y restauró cierta viabilidad comercial a los clásicos de Motown y los éxitos de radio de AM de similares a Creedence Clearwater Revival y Procol Harum.

La banda sonora amparó el sentimiento generalizado en la cultura de que se estaba perdiendo algo vital.

17. Dirty Dancing (1987)

Treinta y dos millones de copias. Esa es la cantidad aproximada de ventas internacionales para la banda sonora de Dirty Dancing: un éxito inesperado, que acompaña a un romance de época modesta, que se convirtió en un éxito mucho más grande de lo que nadie esperaba.

Aunque está ambientado en 1963, y presenta una partitura salpicada de un pop anterior a los Beatles de gente como las Ronettes y the Five Satins, esta es la historia de una adolescente con baja autoestima y un instructor de baile que se da cuenta del potencial de la joven.

Mucho de eso tenía que ver con canciones como “She’s Like the Wind” de Patrick Swayze, “Hungry Eyes” de Eric Carmen y Bill Medley y la ganadora del Oscar de Jennifer Warnes “(I’ve Had) The Time of My Life”.

16. The Bodyguard (1992)

The Bodyguard tiene la banda sonora más vendida de todos los tiempos (aproximadamente 42 millones de copias vendidas en todo el mundo) debido a la grabación sin igual  de Whitney Houston de “I Will Always Love You” de Dolly Parton, que pasó 14 semanas consecutivas como la canción No. 1 canción en la lista de Hot 100 Singles de Billboard.

Pero el álbum en general también es una excelente colección de pop para adultos y contemporáneos de principios de los 90.

La segunda parte de las grabaciones combina jazz ligero y soul suave, completando el aire sofisticado del disco y el de la película.

15. Trainspotting (1996)

Una película sobre adictos a la heroína escocesa no debería sentirse tan llena de vida como lo hace Trainspotting.

El director de créditos Danny Boyle, el guionista John Hodge (adaptando la novela de Irvine Welsh), y un conjunto de canciones que ejemplifica la genialidad.

La película y la banda sonora se inician con la exultante oda a la decadencia de Iggy Pop, “Lust for Life”, y lo que sigue es una mezcla de temas que van desde el glamuroso drogadicto (“Perfect Day” de Lou Reed) hasta la discoteca post-punk (New Order’s Temptation) a los favoritos de los años 90 (“Born Slippy .NUXX” de Underworld).

La música es en su mayoría bonita y bailable, pero está subyacente con un sentido de peligro mundano.

14. Repo Man (1984)

Anclada por algunos de los titanes de la temprana escena dura de la Costa Oeste (Black Flag, Suicidal Tendencies, Circle Jerks, Fear), esta banda sonora es a la vez una introducción a una de las principales escenas punk, y una colección de canciones tan divertidas e ingeniosas que demuestra que incluso las personas de aspecto severo con piercings y cabezas rapadas pueden tener un sentido del humor.

13. Belly (1998)

El drama criminal Belly es marginalmente fascinante hoy en día, aunque solo sea por la forma en que lo intenta presentar el escritor y director Hype Williams y, en su mayoría, no logra traducir su llamativo estilo de video musical a la pantalla grande.

Pero la película es mejor recordada por su banda sonora, que por casualidad captó la escena del hip-hop de Nueva York, ya que estaba experimentando una importante evolución.

Con contribuciones de Jay-Z, Nas, DMX, D’Angelo y varios miembros del Wu-Tang Clan, todos ellos en el apogeo de sus poderes creativos o están a punto de serlo, el álbum Belly captura el movimiento del rap de la Costa Este hacia extremos más difíciles, letras más claras y arreglos musicales más sofisticados.

¿Quién hubiera esperado que un mensaje del futuro del género pudiera transmitirse a través de alguna torpe película B?

12. Wild Style (1983)

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Antes de que los actos de hip-hop comenzaran a emitirse al aire en MTV, y antes de llegar al Top 10, muchos estadounidenses de mediana edad confiaban en las bandas sonoras de películas de rap, como Beat Street y Krush Groove, para una entrada fácil al género.

Los verdaderos conocedores rastrearon el puntaje de Wild Style, compuesto por el guitarrista de Blondie Chris Stein y el emprendedor MC “Fab Five Freddy” Brathwaite, con el escritor y director Charlie Ahearn.

El trío hizo buen uso de sus amistades con los raperos neoyorquinos influyentes como Busy Bee, Double Trouble y los Cold Crush Brothers, y grabó el tipo de rimas callejeras energéticas que antes solo aparecían en “cintas de batalla” no oficiales.

Como la película, la banda sonora conserva una pieza esencial de la historia musical.

11. Footloose (1984)

En los años 80, los estudios de Hollywood se convirtieron en conglomerados multimedia, trabajando en acuerdos con otras corporaciones para ofrecer no solo películas, sino también oportunidades de marketing.

Los cínicos dirían que los grandes jefes de entonces aplastaron el espíritu proscrito original que definió el cine estadounidense en los años 70.

Los fans dirían que el producto que salió de esta era, los juguetes, los cómics y, sí, los álbumes, estaba tan bien hecho que justificaba la venta.

Entre 1983 y 1987, casi todos los años incluyeron una banda sonora gigantesca: Flashdance, Top Gun, Dirty Dancing y el rey de todos, Footloose, que acumuló seis Top 40 hits, todos grabados para la película.

Claro, las canciones están todas mecanizadas para dominar la corriente principal.

Pero artistas como Deniece Williams, Bonnie Tyler y Kenny Loggins (el rey de la banda sonora de los 80) también los hicieron pegajosos, con una vibra optimista que define a 1984, al igual que Easy Rider a 1969.

10. Kill Bill (2003-4)

Para cuando Quentin Tarantino hizo su cuarta y quinta películas, los fans sabían qué esperar de sus bandas sonoras: un par de éxitos pop casi olvidados, algo de R&B clásico, y algunos oscuros rockeros de garaje.

Pero las dos películas de Kill Bill fueron diseñadas para mostrar que Tarantino podría contar historias arrancadas del corazón de Pulp Fiction, no solo los márgenes, y sus bandas sonoras, sino que también, fueron una expansión de la paleta del cineasta.

Entre canciones típicas de Tarantino como “Bang Bang” de Nancy Sinatra y “A Satisfied Mind” de Johnny Cash, las películas y sus partituras se tomaron prestadas libremente del trabajo que compositores como Ennio Morricone y Luis Bacalov habían hecho para los viejos spaghetti westerns y thrillers.

Tarantino incluso resucitó el tema del título de la imagen del crimen japonés New Battles Without Honor and Humanity, convirtiéndola en un himno de estadio.

9. Rushmore (1998)

Tal vez sea el mejor cumplido para un cineasta cuando su estilo se vuelve tan conocido que puede ser parodiado… hasta la banda sonora.

Parte de lo que convirtió a Rushmore de Wes Anderson en una revelación, cuando llegó a fines de los años 90, fue que el director y su co-escritor Owen Wilson tomaron la conmovedora historia de un inadaptado de la escuela secundaria, una película bastante común, y le dio el estilo teatral que el propio personaje habría adoptado si estuviera haciendo una película sobre su vida.

La personalidad dramáticamente tímida del héroe se refleja en la música de la película: un conjunto de cortes profundos de la invasión británica de los años 60 que hacen que toda la imagen se sienta desplazada del tiempo.

Al igual que muchas de las otras grandes bandas sonoras de esta lista, Rushmore estableció una patrón que muchos otros cineastas siguen.

8. Pretty in Pink (1986)

En la década de los 80, el escritor, director y productor John Hughes encontró la fórmula perfecta para una película para adolescentes: historias familiares sobre la popularidad y el romance, con música tan moderna de la que incluso los bichos raros de la escuela secundaria se convirtieron en fans.

Pretty in Pink, la favorita de los jóvenes adultos escrita por Hughes, toma su nombre de una canción punky de Psychedelic Furs (grabada para que la película sea mucho más suave) y presenta una banda sonora del pop británico angustioso.

Si los seguidores de The Smiths, Echo & the Bunnymen, Orchestral Maneuvers in the Dark, New Order, no eran fans de estos artistas en ese entonces, antes de llegar al cine, el álbum prácticamente sirvió como una lista de verificación de lo que realmente deberían escuchar los niños geniales.

7. Saturday Night Fever (1977)

El género Disco no era tan conocido antes de que el empresario multimedia Robert Stigwood produjera una película sobre los neoyorquinos de clase trabajadora, disfrutando de momentos de gracia y autoexpresión en la pista de baile.

La película se convirtió en un éxito de taquilla y su banda sonora se convirtió en el disco del género Disco que incluso las personas que nunca habían estado en un club de ese tipo de música tenían en sus estantes.

Una mezcla de canciones como “A Fifth of Beethoven” de Walter Murphy, clásicos del pop de los 70 (The Trammps “Disco Inferno”) y algunos de las mejores presentaciones de baile de los Bee Gees, Saturday Night Fever extendió la locura de la discoteca.

En todo el país y el mundo, se popularizó la música hasta tal punto en que los años que siguieron a los músicos que querían vender discos, se les exigía dar un golpe de cabeza a sus canciones.

6. The Harder They Come (1972)

Incluso los aficionados a la música ferviente no sabían mucho sobre el ska o el reggae antes de que una pequeña imagen del crimen jamaicano se convirtiera en un éxito de culto en todo el mundo.

Ubicados en los márgenes de la industria discográfica de Kingston, The Harder They Come destacó los ritmos y la bruma tropical de un estilo musical que estaba empezando a exportarse más ampliamente.

La película y la banda sonora se convirtieron en una estrella del protagonista Jimmy Cliff, cuya energía retorcida y voz áspera se conectaron de manera intercultural.

Canciones como “Rivers of Babylon” y “You Can Get It If You Really Want” fueron fáciles para los oídos, sin importar cuán torcidos estén sus tempos.

5. O Brother, Where Art Thou? (2000)

De vez en cuando, los escritores y directores Joel y Ethan Coen hacen una película que llega a un público más amplio, a pesar de que los mismos hermanos casi nunca cambian mucho acerca de su estilo poco convencional o de sus preocupaciones personales.

La comedia de cornpone, O Brother, Where Art Thou? fue uno de esos éxitos left-field, y fue impulsado en parte por su banda sonora de octuple-platino: uno de los pocos discos de música de películas para ganar un Grammy de “Álbum del Año” (Saturday Night Fever es otra, al igual que The Bodyguard.)

Producida por T Bone Burnett, la puntuación de Oh Brother recrea el sonido y la sensación de la gente y el país de la era de la depresión, con baladas melancólicas e himnos semi-irónicos de esperanza para evocar los fantasmas de lo que el crítico Greil Marcus llamó una vez “la antigua y extraña América”.

4. Purple Rain (1984)

Prince realizó su propia aparición en la escena R&B de Minneapolis para Purple Rain, una película sobre un genio excéntrico burlado por sus compañeros por su música híbrida de género cruzado y sus espectáculos escénicos cargados de erotismo.

La película es entretenida, pero un poco ridícula, dado que presenta las canciones y las actuaciones en vivo de un artista tan por encima de su juego que nadie podría negar su asombro.

Sin embargo, la banda sonora es a prueba de balas. “Let’s Go Crazy,” “I Would Die 4 U,” “Baby I’m a Star,” “When Doves Cry,” “Purple Rain”, entre otras.

Hay una razón por la que estas canciones convirtieron a Prince en un bicho raro dentro de una cultura superestrella dominante.

3. Shaft (1971)

Antes de elegir a Isaac Hayes para escribir, producir y tocar la banda sonora de la película de detectives, Shaft, ya era conocido como uno de los grandes innovadores de R & B, gracias a sus portadas épicas y ricamente orquestadas de éxitos de artistas blancos.

Shaft terminó siendo una película revolucionaria, encontrando una audiencia afroamericana tan grande que inspiró el género de acción de bajo presupuesto que llegó a ser conocido como “blaxploitation”.

La música de Hayes también fue innovadora. Su tema principal ganó un Oscar, y su álbum, el primer doble LP de un artista de soul, ganó varios Grammys. Shaft estableció un sonido alto y ocupado que innumerables películas y películas de la década de los 70 emularían.

2. Superfly (1972)

Shaft fue el pionero de las bandas sonoras de blaxploitation, pero Superfly es la obra maestra que Curtis Mayfield construyó sobre los cimientos de Isaac Hayes.

En la pantalla, las canciones de Mayfield comentan la acción, capturando tanto el aspecto ilegal de la vida de un narcotraficante como el coste humano real de los productos que vende.

En el registro, Superfly es una experiencia auditiva casi abrumadora, con cuerdas exuberantes y percusión polirítmica que definen el funk en su forma más sofisticada. El álbum en sí es bastante cinematográfico.

1. American Graffiti (1973)

Antes de que toda su vida y su carrera se centrara en Star Wars, George Lucas era conocido en Hollywood como un cinéfilo nerd con inclinaciones artísticas y experimentales, en otras palabras, más un Kenneth Anger que un Steven Spielberg.

Debido a su reputación, las expectativas eran bajas para lo que resultó ser el avance de la película de Lucas: una pieza elíptica, ambientada en un pequeño pueblo de California en 1962, marcada por una incesante secuencia de éxitos de rock y doo-wop.

La banda sonora fue una extravagancia costosa a la que Universal Pictures se opuso inicialmente, pero resultó ser una de las claves para el sorprendente éxito de la película.

El uso de estas canciones antiguas de Fats Domino, The Platters, Chuck Berry y similares, en lugar de las simulaciones más baratas que el estudio quería, prestó un docu-realismo al retrato impresionista de adolescentes inquietos de Lucas.

La música también tocó un acorde nostálgico en la audiencia, que continuaría resonando a lo largo de la década, afectando el tipo de historias que Hollywood contaría y el tipo de melodías que les propusieron.

La versión del álbum también se construyó inteligentemente, usando la voz del legendario DJ Wolfman Jack como un puente entre el pop propulsivo que nunca se cierra.

Al igual que casi todas las colecciones de esta lista, el American Graffiti LP recupera instantáneamente casi todo lo que los fanáticos adoran de la película. Todo lo que falta es un hot rod.

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