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Las 35 Mejores Bandas Sonoras de Películas de Terror

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Las bandas sonoras de películas de terror han cambiado el mundo silenciosamente, como un virus. Han establecido y mantenido una gran cultura en torno a los sintetizadores analógicos, han brindado a las generaciones pasarelas disonantes hacia mundos embriagadores de la composición del siglo XX  y han influido en bandas como Portishead, Boards of Canada y Animal Collective.

A continuación tienes una selección de las mejores bandas sonoras de películas de terror. En total tienes 35 que iremos proponiendo en orden inverso.

Siéntete libre de hacer tus recomendaciones en los comentarios 🙂

Contenidos

 

35. ‘Xtro’ (Harry Bromley Davenport, 1983)

El director Harry Bromley Davenport una vez describió su impactante película de ciencia ficción Xtro de 1983 como “un desastre extraordinario”, una evaluación que los críticos de la película probablemente considerarán como inmodestamente generosa.

Mucho más coherente que la película en sí, es su banda sonora, que también fue escrita y grabada por Bromleavenport. Ya sea motivado por restricciones presupuestarias, por una admiración por el trabajo en la banda sonora de John Carpenter o por ambos, Bromley Davenport, un pianista clásico entrenado, se convirtió en la ruta minimalista de sintetizadores analógicos, mezclando melodías inquietantes con efectos electrónicos zumbantes y valses valientes.

Los coleccionistas de bandas sonoras y los fanáticos de los sintetizadores por igual pagan grandes cantidades de dinero para obtener las copias del original.

34. ‘Zombi 2’ (Fabio Frizzi, 1979)

Esta especie de secuela del lanzamiento italiano de Dawn of the Dead incluye lo que podría ser considerado como la canción más memorable del maestro del sintetizador de terror y colaborador frecuente de Lucio Fulci, Fabio Frizzi, un grupo electrónico oscuro que hace que Goblin parezca alegre. Pero la banda sonora también gira en direcciones salvajes: ruidosos tragos electrónicos, tonterías exóticas, discoteca apagada, marimba de Reich-ian, muchos tambores frenéticos y Mellotron, lo cual él llama “sonido de los muertos”. ”

Lucio tenía una relación especial con la música”, dice Frizzi en las notas de la reedición de Death Waltz / Mondo. “Tenía una idea clara de lo que quería y una excelente manera de guiarme a través de eso, algo que todos los directores deberían poder hacer.”

33. ‘C.H.U.D.’ (Martin Cooper and David Hughes, 1984)

Compuesto por Martin Cooper (el teclista de los románticos New Wave Orchestral Maneuvers in the Dark) y David Hughes (Ex-teclista de la misma banda).

La banda sonora agrupa a su “Cannibalistic Humanoid Underground Dwellers”  con sonidos de sintetizador claustrofóbicos que son de ensueño, siniestros y, en ocasiones, un poco como Art of Noise.

La pareja pasó un tiempo a principios de los ochenta preparando instrumentos de sintetizador y pronto se unieron con Warner Bros para cubrir su necesidad de trabajar en una banda sonora de sintetizadores posterior al paisaje de Chariots of Fire.

Grabado con un sampleador de OMD, y un Roland SH1, el sonido fue hecho en casa. “David y yo le dijimos [al productor Andrew Bonime] que teníamos que grabar la película en Liverpool con nuestro propio equipo, por lo que el pobre hombre tuvo que soportar una serie de viajes a las zonas difícilmente accesibles de los suburbios de la ciudad, ya que el estudio estaba ubicado en las franjas de una urbanización notoria “, dijo Cooper en las notas del lanzamiento de Waxwork.” También estábamos trabajando en el turno de noche, ya que New Order solía estar allí en el día trabajando en algunos de sus clásicos”.

32. ‘Nightmare City’ (Stelvio Cipriani, 1980)

Nada sobre la ciudad de la pesadilla de Umberto Lenzi tiene mucho sentido, desde la falta de una lógica consistente (sus “zombies” corren, empuñan armas y algunas veces parecen bastante normales), hasta su historia absurda (hombres y mujeres están expuestos a la radiación en un avión y vienen listos para matar), a su tendencia a tomar la ruta hacia la trama.

El compositor italiano Stelvio Cipriani, también responsable del misterioso lounge de jazz de la Bahía de Sangre de Mario Bava, ofrece una partitura tan esquizofrénica como la película, incluyendo Dracula disco (“Metropolis”), una triste canción (“Solitude”), y “Sustain”, una combinación de sintetizadores y saxofones que suena como un tema de televisión de Mike Post.

31. “Near Dark” (Tangerine Dream, 1987)

Pocos artistas de sintetizadores consideraron “Tubular Bells” de Mike Oldfield para reimaginar la partitura de Hollywood con el gusto de Tangerine Dream, comenzando con el thriller de William Friedkin en 1977, Sorcerer, que dio un gran paso en la clásica banda sonora de 1981 para el ladrón de Michael Mann, y probablemente mejor reconocido por la música diferente a Bob Seger del debut de Tom Cruise, Risky Business.

Edgar Froese, Christopher Franke y una larga lista de otras personas crearon el paisaje sonoro del cine noir de la época: sexy y de mal humor, energético pero profundamente controlado, contemporáneo y al mismo tiempo clásico.

La partitura de esta película de vampiros adolescentes dirigida por Kathryn Bigelow, que tuvo la desgracia comercial de ser lanzada en la corriente de The Lost Boys inferior, llegó al final de su punto más alto de los ochenta (Franke se retiró poco después).

Near Dark es música caprichosa, digital, sintetizada (aunque difícilmente exclusiva), un conjunto diverso de composiciones que sirven a las escenas a la vez que establecen sus propias personalidades.

Un buen momento que suena como un instrumental del período de Miami Frey (“Caleb’s Blues”) de Glen Frey existe cerca de una pieza espinosa de música de película de guitarra-secuencia-tratada (“Rain in the Third House”) y una pieza melancólica ligeramente tecnificada de ambiente similar a un carpintero (“Resurrection 1”)

30. “Hellraiser” (Christopher Young, 1987)

A pesar de que ya había creado las bandas sonoras para un slasher de los ochenta como The Dorm That Dripped Blood, Nightmare en Elm Street 2: Freddy’s Revenge, y Trick or Treat, Christopher Young se estableció firmemente como un compositor de terror de primera en 1987 con su partitura sinfónica para el debut como director de Clive Barker.

Barker había contratado originalmente a los experimentalistas industriales británicos Coil para crear la banda sonora de la película, pero Young intervino cuando el trabajo del dúo se consideró demasiado nervioso por los patrocinadores de la película.

Cargado de siniestras cuerdas, presentimientos de latón, gran piano de gran resonancia e inesperadas punzadas de disonancia, la partitura atmosférica de Young se acumula lentamente en el tono desde una fantasía oscura romántica hasta una pesadilla claustrofóbica, y luego concluye volviendo a sus comienzos de ensueño.

29. “Chopping Mall” (Chuck Cirino, 1986)

Aunque los ochenta estaban sangrando con las partituras de sintetizadores sin presupuesto para las películas de serie B, la inquietante banda de sonido de neón propulsiva de Chuck Cirino en una masacre en un centro comercial liderado por robots, sobresalen sobre la cabeza y los hombros. “Escribí Chopping Mall en el sótano del estudio de grabación de DJ de Shadoe Stevens”, dice Cirino en las notas del artículo de Waxwork”. “En aquel momento, trabajaba para Shadoe dirigiendo los comerciales de televisión de Federated Group. Entonces, cuando [el director] Jim Wynorski me pidió que escribiera Chopping Mall, me tomé tres semanas de descanso y seguí grabando música de robots.”

28. ‘Beyond the Black Rainbow’ (Sinoia Caves, 2010)

Para el thriller de ciencia ficción ambientado en 1983, Sinoia Caves, el proyecto en solitario del teclista de Black Mountain Jeremy Schmidt, se remonta a los íconos de la era: es un asunto elegante, sobrio y espacioso, muy influenciado por John Carpenter, Giorgio Moroder y Tangerine Dream, y otros.

Grabado principalmente con sintetizadores analógicos (así como un Mellotron, que ocupa un lugar destacado en el “flashback” de la banda sonora de la banda majestuosa Pink Floyd “1966 – Let the New Age of Enlightenment Begin”), las composiciones de Schmidt están llenas tanto de la emocionante promesa del futuro como de la amenaza de la ciencia.

“Técnicamente hablando, toda la empresa BTBR probablemente podría haber sido concebida de manera idéntica en el año en que realmente se lleva a cabo, en 1983”, dijo Schmidt a Noisey.

“Estaba usando un viejo equipo de sintetizador analógico que data de entonces… Estas tienden a ser las voces que simplemente no abandonarán mi psique, ya sean, de hecho, apropiadas para el esfuerzo o de otra manera”

27. “La Matanza de Texas” (Tobe Hooper y Wayne Bell, 1974)

Grimy, música country y banda sonora de The Texas Chainsaw Massacre, se asienta junto con Eraser head como un momento raro en el cual la música, los efectos de sonido y otros sonidos diagéticos son indistinguibles.

Los sonidos de metal aúllan como un solo de saxofón de jazz libre, los chasquidos rítmicos y los chirridos recuerdan la percusión febril, y los remolinos de sonidos cargados de efectos con un toque de dub reggae.

Creado por Wayne Bell y el director Tobe Hooper, esta pieza es un ruido de fondo convertido en una banda sonora vanguardista, y ha ido demasiado lejos. Una gran influencia en bandas como Animal Collective y Wolf Eyes, es uno de los muchos elementos expertos que dan miedo a The Texas Chainsaw Massacre.

26. “Day of the Dead” (John Harrison, 1985)

El compositor John Harrison, que por cierto, interpretó al zombie que tiene un destornillador en la oreja, captura el caos tonal del complejo industrial militar de George Romero, sin mencionar la tensión entre el alegre exterior de los ochenta de Reagan y su crueldad.

El Día de los Muertos es una película que no está muy interesada en la “sutileza” o la “consistencia tonal”, y la partitura de Harrison es la siguiente: está el tema nervioso, la vibra de la isla sobre la melancolía y las baladas desconcertantes de Sputzy Sparacino. ” que suena como una mezcla entre Frank Stallone, Lou Gramm, y Luther Vandross.

“Mientras que la música en Day of the Dead sigue de cerca la acción, John toma un ligero giro a la izquierda y serpentea por un camino estilístico que es completamente suyo”, dice Romero en las notas de la reedición de Waxwork.

“Su partitura es tan emocionalmente evocadora como uno de los viejos clásicos [Turner Classic Movies], misteriosamente oscuro cuando es necesario, tan grandilocuente cuando se necesita un sobresalto, pero hay un matiz de esperanza, un extraño tipo de felicidad, una voz calypso que nos aconseja “no te preocupes, sé feliz”, incluso en la cara de la muerte inminente.

25. “Under the Skin” (Mica Levi, 2013)

Una de las películas más raras protagonizada por Scarlett Johansson, Under the Skin fue hecha por Jonathan Glazer, quien además de películas (incluyendo Sexy Beast) había dirigido vídeos musicales para Radiohead, Massive Attack y Nick Cave y The Bad Seeds.

Para la banda sonora de una pieza de humor en la que el extraterrestre Johansson atrae a los posibles lotharios de un fallecimiento prematuro, se dirigió a Mica Levi, la mente maestra de U.K. el rock indie, el advenedizo Micachu and the Shapes.

Su sonido en ese aspecto era retorcido, rítmico y forjado a mano, pero en Under the Skin mostró un lado más industrial y menos sinfónico, influenciado por compositores como Krzysztof Penderecki e Iannis Xenakis. “Suena espeluznante, pero sexy”, escribió Levi en The Guardian después del hecho. En el mismo recuerdo: “Si tu fuerza de vida está siendo destilada por un alienígena, no necesariamente va a sonar muy bien. Se supone que es física, alarmante, caliente”.

24. “The Boogeyman” (Tim Krog, 1980)

Lanzado en algún lugar entre “Tubular Bells” de Mike Oldfield (como se usa en The Exorcist) y la partitura de John Carpenter para Halloween, la extraña banda sonora de sintetizadores de Tim Krog para The Boogeyman prestó el gracioso sobrenatural de Ulli Lommel de 1980, un elemento slasher muy necesario de la clase. Grabado por Krog y el dúo Synthe-Sound-Trax, usando varios sintetizadores analógicos (y utilizando un delay digital ingenioso y efectos de cinta invertida), la banda sonora minimalista pero melódica de Krog es un clásico de bajo perfil.

23. A Clockwork Orange (Wendy Carlos y Rachel Elkind, Ludwig von Beethoven, et al. 1972)

La revelación de Stanley Kubrick en 1971 de la provocativa novela de Anthony Burgess de 1962 sobre un gobierno dispuesto a adoptar el control mental para volver a cablear a sus pandillas de adolescentes ultravioletas, era todo menos una película convencional; naturalmente, requería una banda sonora aventurera.

Lo que Wendy Carlos, pionero en sintetizadores, creó con la colaboradora y productora Rachel Elkind, se adaptó a la película super estilizada: junto con extractos del pop banal, la música clásica, y los partidarios de Burgess (principalmente Beethoven y Rossini) hicieron eco a las innovadoras distorsiones electrónicas y en el tema de la película (y la novela): la perversión de la vida orgánica en simulacros mecánicos.

Es la voz de Elkind que escuchas durante el arreglo triunfal de Carlos de la marcha de la Novena Sinfonía de Beethoven: se dice que fue el primer uso del teclado Vocoder registrado.

22. “The Wicker Man” (Paul Giovanni y Magnet, 1973)

Una de las raras películas de terror que utilizan canciones como componentes principales de su narrativa, The Wicker Manfeatures, el clásico de Robin Hardy en 1973, presenta una banda sonora que podría fácilmente confundirse con una encantadora colección de baladas tradicionales británicas, jigs, reels, canciones infantiles y canciones para beber.

Solo cuando se escuchó en el contexto de la película, que se desarrolla en una isla ficticia y poblada frente a la costa occidental de Escocia, las canciones de sonido antiguo, escritas para la película por el dramaturgo y compositor neoyorquino, Paul Giovanni, fueron grabadas con la banda Magnet, adquiere un tono más oscuro e insidioso.

“En una ocasión, Paul sugirió que todos fumáramos droga”, dijo Gary Carpenter de Magnet a The Guardian. “Nunca lo intenté; pasamos tanto tiempo en el piso riéndonos que nadie podía tocar sus instrumentos”.

Casi tan influyente como la película en sí, la banda sonora de Wicker Man ha inspirado muchas versiones a lo largo de los años, especialmente la erótica “Willow’s Song”, que ha sido grabada por Isobell Campell, Doves, Sneaker Pimps y muchos otros.

21. “Exorcist II: The Heretic” (Ennio Morricone, 1977)

Es probable que no recuerdes una sola escena de la secuela del clásico de terror doméstico de William Friedkin, El exorcista. Con Friedkin ni el escritor original William Peter Blatty a bordo, y Linda Blair retomando su papel de Regan MacNeil pero negándose a volver con demonios, el nuevo director John Boorman hizo su trabajo por él.

Un desastre de taquilla que se considera como una de las peores películas de todos los tiempos, su única salvación es el presupuesto para Ennio Morricone. En una de sus primeras incursiones en el gran presupuesto de Hollywood, el Maestro entregó uno de sus bandas sonoras más extrañas. Ahí está el trueno tribal afrocubano de “Pazuzu”, la pisada de rock progresivo de “Magic and Ecstasy”, así como la etérea voz y orquesta de “Regan’s Theme (Floating Sound)”, que Morricone volvería a visitar casi 40 años después.

The Hateful Eight, de Quentin Tarantino. El “Vuelo Nocturno”, una mezcla de rituales ritmos de tambores haitianos, cuerdas, gemidos y un coro de niños, puede sonar abarrotado en el papel, pero Morricone lo combina en una película de terror confeccionada por el picor de la piel y lo sublime.

20. “Maniac” (Jay Chattaway, 1981)

La banda sonora de la deslumbrante película de asesino en serie de William Lustig se encuentra en algún lugar entre los géneros de new age y no wave. Abundan los sonidos agradables, algunos bajos deslizables en la canción principal, flagrantes flautas a lo largo, pero son interrumpidos o dominados por ráfagas de ruido, discordantes pulsos de cuerdas y sintetizadores.

“El latido del corazón de Hooker” es una acumulación exponencial de zumbidos electrónicos como la parte más alta del tema de Stranger Things que se repite una y otra vez. Música escalofriante y desesperada que el antagonista de la recolección de cuero cabelludo Frank Zito podría amar.

19. “Maniac” (Rob, 2012)

Procedente de la misma escena francesa que engendró bandas como Daft Punk y Air, por supuesto Robin “Rob” Coudert pinta con un pincel más grande, más audaz y más romántico que la mayoría.

Para el reinicio de Maniac, un clásico de la era slasher, en 2012, Coudert, un teclista de Phoenix, evitó el vibrante y ruidoso ambiente de todo el tema original de bajo presupuesto de 1981. En su lugar, esta banda sonora toma los sintetizadores que lo influenciaron (John Carpenter, Goblin, Giorgio Moroder) y los convierte en enormes brotes de sonido melancólico.

“Me encanta la forma en que los sintetizadores [de esos artistas] se usan para hacer música muy sentimental, no solo algo que es superficialmente tecno o electrónico”, dijo Coudert a Complex.

“No soy especialmente fanático de las películas de terror. Maniac, no me intrigó porque era una película de terror, sino porque había tanta libertad para ser creativo. No había límites sobre cuánta emoción podía añadirle a la música, me pedían poder y más emoción. Todo era más y más “.

18. ‘Videodrome’ (Howard Shore, 1983)

Tan seductor como profundo y espeluznante, el Videodrome de David Cronenberg de 1983 propuso una conspiración saturada de medios en la que fuerzas siniestras utilizan las transmisiones televisivas explotadoras como un medio de control mental e ingeniería social a gran escala.

Desde el momento en que James Woods (como el presidente de la estación de televisión Max Renn) puso su atención en la transmisión televisiva sin trama para la cual se nombra la película, esencialmente nada en la pantalla puede interpretarse como completamente real.

Apropiadamente, la ingeniosa partitura de Howard Shore, la tercera para Cronenberg, difumina la realidad y el facsímil: Shore compuso episodios caprichosos para una orquesta de cuerdas acústica y convencional, pero también programó la música en un teclado de muestreo digital, luego grabó ambas fuentes en tándem y las mezcló una manera destinada a oscurecer cuál era cuál.

17. “Christine” (John Carpenter y Alan Howarth, 1983)

Es una triste justicia poética que mejor representó a Christine, la adaptación de John Carpenter en 1983 de una novela de asesinato de Stephen King, y es la novedad relativamente reciente de George Thorogood, “Bad to the Bone”, que es triste porque la partitura de Carpenter y su compañero de escritura Alan Howarth se encuentra entre las obras maestras de sintetizador del director y compositor.

Incluso en medio de tan brillantes logros de la carrera como el resultado de Assault on Precinct 13 (que en 1976 predijo el techno industrial de Sheffield y Detroit) o el tema más icónico de Halloween, la música de Christine se destaca como una magnífica combinación de temor al silicio y la emoción de la máquina, una banda sonora perfectamente alineada con la historia.

Tan oscuro y minimalista como muchas de las escenas de la película, muchas líneas de carreteras borrosas y blancas de discos nocturnos, los sintetizadores persiguen estos paisajes de forma pasiva. Las excepciones principales son “Moochie’s Theme” y “Christine Attack”, dos trozos de magia de onda fría que causarían una ruptura en un club gótico.

16. “Kwaidan” (Toru Takemitsu, 1965)

El director japonés Masaki Kobayashi creó un currículum que incluía historias de Samurai y The Human Condition, una de las películas de ficción más largas de la historia. Pero con su primera película en color, Kobayashi sacó información de un libro de cuentos populares japoneses y creó cuatro historias de fantasmas estilizadas que aparecen con un color hipnagógico, una película fascinante que ganó un premio especial en Cannes e incluso obtuvo una nominación al Premio de la Academia.

La partitura del compositor de vanguardia Toru Takemitsu es tan sorprendente como el esquema de color. Inspirado por las teorías y los cambios de paradigma de John Cage, Takemitsu aplicó la electrónica y la indeterminación a sus propias partituras y bandas sonoras.

Para Kwaidan, hay tanto silencio como banda sonora, pero cuando aparecen las señales de Takemitsu utilizando instrumentos populares japoneses y reconfigurándolos, la atmósfera se vuelve eléctrica. Flautas shakuhachi que suenan como vientos invernales, metal que grita como un barco fantasma, tambores que presagian las sombras, un laúd biwa rasgado tan furioso como una pelea de espadas, el sonido de la madera astillada se convirtió en algo escalofriante, Takemitsu tuerce estos sonidos en inquietantes nuevos timbres.

“Es como esconderse detrás de alguien para asustarlos”, explicó Takemitsu en un documental de 1994 sobre su trabajo. “Primero, tienes que guardar silencio. Incluso un solo sonido puede ser música de película”.

15. “Psicosis” (Bernard Herrmann, 1960)

No hay sonido más formativo y fundamental para las películas de terror que las cuerdas chirriantes en la escena de la ducha en Psycho. El compositor Bernard Herrmann había registrado créditos cinematográficos no menos formidables que Citizen Kane y The Day the Earth Stood Still, pero fue su trabajo con Alfred Hitchcock el que más resonó.

Comenzó su carrera en el período principal de Hitchcock con películas como Vertigo y North by Northwest, pero Psycho se quedó con la mayor fama gracias a su fuerte intensidad y sus misteriosos estados de ánimo. Está claro que algo no está bien desde el principio, cuando la película se abre en un modo de ninguna manera horrible, y la música orquestal sugestiva e inestable es la razón. Famoso, Hitchcock quería que la escena con el asesinato en la ducha transcurriera sin música, solo los gritos de Janet Leigh y el sonido del agua corriendo por el desagüe. Herrmann ofreció algo más. Esas cuerdas, tocadas a la fuerza, que parecen sonar en una frecuencia extraña, han asustado a la gente desde entonces.

14. ‘The Keep’ (Tangerine Dream, 1983)

Visualmente, Michael Mann, a pesar de los neónes, parece un video musical de heavy metal de 1983 y su idea: los nazis que ocupan Rumania despiertan a un antiguo demonio y solo un científico judío puede comunicarse con él.

Lo que quiere decir que The Keep es algo así como un lío confuso y depende de la expansión, la electrónica elástica de Tangerine Dream para mantener todas las ideas unidas. Los aspectos más destacados incluyen el tema principal levemente militarista, el Vicepresidente “Dreamscape” de Manuel Gottsching-meet-Miami y los rumores completos de “Talisman”.

Es una partitura atípicamente sentenciosa de los propulsores exploradores de sintetizadores alemanes que venden el melodrama de esta película de terror de alto concepto.

13.”Tenebrae” (Simonetti-Pignatelli-Morante, 1982)

Goblin había anotado previamente Deep Red y Suspiria de Dario Argento, dividiendo la diferencia entre los progresivos over-the-top y los instrumentales atmosféricos, pero aquí tres miembros de Goblin, Claudio Simonetti, Fabio Pignatelli y Massimo Morante, entregan el Italo-disco de ojos muertos.

Es como el Goblin anterior al que se le concedió una edición de Todd Terje para que pueda surcarse y golpearse interminablemente, combinando las piezas alargadas y ostentosas de Argento.

“Flashing” es como una pista de Lindstrøm en expansión que se suaviza en solo seis minutos, mientras que “Waiting Death” ofrece un extenso freakout de órganos con muchos hipos y eructos vocodificados.

El equipo de la casa francesa de Fizzy, Justice, probó el tema principal de este giallo florido en sus temas “Phantom” y “Phantom II”, que finalmente fue muestreado por Swizz Beats en “Gucci Time” de Gucci Mane.

12. “Phantasm” (Fred Myrow y Malcolm Seagrave, 1979)

Fred Myrow y Malcom Seagrave, ambos compositores de formación clásica y fanáticos de la música rock, combinaron sus influencias colectivas para una versión lenta y siniestra de Prog Bombast.

Basados principalmente en ese memorable tema de ocho notas, su órgano, piano, Mellotron, clavinet y sintetizadores cubrieron toda la gama entre rock temperamental, órgano de iglesia, zumbido y atmósfera ruidosa donde el director Don Coscarelli dice que estaban, “empleando casi toda la percusión para obtener una serie de rasguños y booms”.

“Tenemos un montón de sonidos melódicos que funcionaron con la acción, pero tan solo algunos sonidos extraños que eran más difíciles de recuperar en ese momento”, dijo a IGN.

“Los sintetizadores que usamos en ese entonces eran tan primitivos que no podías repetir nada; programarías el sintetizador, lo que significa que todos estos diales crearan un sonido, regresaste, trataste de obtenerlo nuevamente y lo olvidaste. Fue imposible.”

11. “The Beyond” (Fabio Frizzi, 1981)

Lucio Fulci, maestro del italiano malhumorado y lleno de sangre, pasó de los westerns y las comedias ridículas para hacer algunas de las películas de terror más horrendas de los años setenta y ochenta: The Beyond.

La historia de un portal al infierno debajo de un hotel de Nueva Orleans está llena de sangre, compensada por la partitura del colaborador frecuente Fabio Frizzi. Las señales dramáticas de Frizzi se tambalean sobre lo absurdo, lleno de líneas de Mellotron, coros y fuerzas invisibles.

Es una mezcla loca de bajo elástico, flautas y ominiosidad orquestal progresiva, pero a medida que la película se acerca a su final sombrío, la partitura de Frizzi también se oscurece, aumentando de peso, subrayando el ineludible destino de los personajes.

“El objetivo distintivo de la banda sonora de la película era lograr un viejo objetivo mío”, dijo Frizzi en las notas de la reciente reedición de Death Waltz.

“Quería combinar dos formas instrumentales diferentes que siempre había amado: la banda y la orquesta. Cuando empecé a escribir música algunos años antes, había aprendido a combinar estos dos sonidos; pero por muchas razones, los roles de las cuerdas y los instrumentos de viento fueron creados principalmente por teclados. Esta vez decidí ponerme serio.”

10. “The Shining” (Wendy Carlos y Rachel Elkind, Krzysztof Penderecki, et al., 1980)

Lightning surge cuando la pionera de música electrónica Wendy Carlos y su productora y colaboradora Rachel Elkind se reunieron con el director Stanley Kubrick después del éxito de A Clockwork Orange.

La mayor parte de la música que Carlos creó, con Elkind acreditado como co-compositor, no se usó aparte de para el tema del título (una reelaboración alocada del tradicional canto litúrgico “Dies Irae”) y una segunda pista, “Montañas Rocosas”.

Pero difícilmente puede quejarse de la forma en que Kubrick y el editor de música Gordon Stainforth recogieron los pasajes más inquietantes de las obras de un puñado de mavericks de Europa del Este: “Lontano” de György Ligeti, el genio húngaro con música lanzada en 2001: una Odisea en el espacio.

Krzysztof Penderecki, el radical polaco cuyas cuerdas estranguladas, latidos bárbaros, ritmos estridentes y coros sibilantes en “Utrejna”, “De Natura Sonoris”, “The Awakening of Jacob” y más proporcionaron The Overlook Hotel y sus habitantes con un ambiente adecuadamente desquiciado.

9. “Rosemary’s Baby” (Krzysztof Komeda, 1968)

El tema principal de Rosemary’s Baby parece ser lo suficientemente inocente: solo algunas cuerdas o clavecillas de cuerda lenta y las hermosas voces de la-la-la cantadas por una joven Mia Farrow. Sin embargo, la inocencia no es muy abundante en el éxito del director Roman Polanski. Krzysztof Komeda, un compatriota polaco de Polanski, compuso la música y se hizo famoso como una mente progresista en el jazz de Europa del Este. Algo de eso es evidente en Rosemary’s Baby, incluida la melodiosa balada de saxofones “Making Love in the Apartment”, pero el sutil otro mundo es el registro principal, ya que Komeda mezcla los estilos con la imaginación y el control.

8. ‘The Omen’ (Jerry Goldsmith, 1976)

Gran parte de la reputación de la banda sonora ganadora del Premio de la Academia de Jerry Goldsmith a este éxito de taquilla de 1976 se puede atribuir a su tema principal, “Ave Satani”, así como a los cantos gregorianos y corales que son la columna vertebral oscura de esta banda sonora: convertirse en uno de los éxitos más grandes de todos los tiempos de la cultura popular del satanismo.

Goldsmith, cuyo trabajo en Hollywood abarcó cinco décadas (e incluyó partituras clásicas y tensas como El planeta de los simios, Chinatown y Alien, entre otras más), escribió un puñado de frases en latín que pervierten las de la misa católica, las unió a un malvado el coro y las sembró debajo de chirriantes, cuerdas de sautillé llenas de tensión y fanfarria de latón. Aún así, el abridor ascendente “Ave Satani” (naturalmente, “Hail Satan” y nominado a Mejor Canción) es la pieza central incuestionable, en donde la Orquesta Filarmónica Nacional y el coro, armados con una gramática latina cuestionable y una pompa wagneriana, ostentan la capital a la tierra.

Dijo Goldsmith, quien fue nominado al Oscar a la Mejor Partitura original ocho veces anteriormente con cero victorias, “me sorprendió mucho cuando gané para The Omen porque no creía que fuera el tipo de película que los votantes de la Academia elegirían”.

7. ‘Nosferatu the Vampyre’ (Popul Vuh, 1979)

Mientras que el director Werner Herzog más tarde buscaría el horror inherente a la naturaleza y la condición humana, en 1979 reformuló el clásico vampírico expresionista de F.W. Murnau como Nosferatu the Vampyre, presentando al maníaco Klaus Kinski como el demonio de sangre de dientes de rata.

Algunas de las tomas de la película son homenajes explícitos a Murnau, pero la partitura de la película es una ruptura distinta. Conocido por su sereno y elegante trabajo en el álbum, Florian Fricke y sus compañeros de banda de Popul Vuh contribuyen con una partitura más sombría y evocadora que funciona con lecturas siniestras de Das Rheingold y canciones populares georgianas de Wagner.

Para los fans de la banda sonora de horror, Nosferatu es atípico: guirnaldas de guitarra acústica, sitar y piano de Fricke forman una pieza meditativa y cíclica que anticipa su avance hacia la placidez de la nueva era para fines de la década. Sin embargo, como un estudio de contrastes, es un clásico, un hermoso trazado alrededor del vampiro grotesco de Kinski que proporciona simpatía y patetismo para los más monstruosos.

6. ‘The Thing’ (Ennio Morricone, 1982)

Con su intensa película de ciencia ficción de 1982 sobre investigadores en Alaska sucumbiendo al ADN alienígena parásito, el director John Carpenter rompió con la tradición de anotar sus propias películas. Para capturar la paranoia que sentían los investigadores, contrató a uno de sus héroes para escribir la banda sonora: el rey de los westerns de espaguetis y el veterano Ennio Morricone.

El tema principal, “Humanidad (Parte 1)”, comienza con las cuerdas y los cuernos y discretos que tocan melodías que se abren hacia arriba, lo que aumenta la ansiedad. En otras partes de la partitura, las melodías dulces tocan los acordes discordantes, los violinistas tocan sus instrumentos de forma caótica y más que unos pocos avances desde notas silenciosas a sonidos espeluznantes y funerarios.

Morricone, quien más tarde ganó un Oscar por su música para The Hateful Eight al reutilizar las sobras de The Thing, le dijo a Rolling Stone que Carpenter le había hecho la película, pero se fue antes de que pudieran discutirlo, por lo que tuvo que resolverlo él mismo.

Carpenter ha dicho que lo único que pidió fue “menos notas”, y es el minimalismo y la tensión de movimiento lento lo que hizo que tanto la banda sonora como su efecto en la película fueran magistrales.

5. ‘Cannibal Holocaust’ (Riz Ortolani, 1980)

El soñador y romántico compositor italiano Riz Ortolani juega en un marcado contraste con el sangriento Holocausto Canibal , una película que hizo estallar el aspecto de su “metraje encontrado” en los años previos a Cloverfield.

No fue la primera vez que Ortolani utilizó este truco: al director Ruggero Deodato le encantó la forma en que sus canciones anclaron los documentos de choque de los años sesenta, pero la implacable sangre de Cannibal Holocaust, confundida por las autoridades italianas con una película de asesinato real, creó una yuxtaposición.

De lo más inquietante en la historia de terror. Tampoco hay escasez de porno-funk, siniestros pulsos de sintetizador y golpes errantes aquí, pero la belleza agridulce de oleadas orquestales y guitarra acústica sigue siendo la parte más icónica.

“La banda sonora de Holocausto Canibal supera la película en sí misma”, dice Deodato en las notas de la reedición de Death Waltz / One Way Static. “Muchos de mis fans me dicen que estaban comprometidos o casados con la música que Ortolani creó”.

4. ‘Suspiria’ (Goblin, 1975)

Antes de que el cineasta Darío Argento comenzara a trabajar en Suspiria, su pesadilla y sangrienta interpretación de una escuela de danza en 1977 que esconde un secreto siniestro, necesitaba una música que pudiera crear el ambiente adecuado.

Anteriormente había trabajado con rockeros progresivos italianos en Profondo Rosso, así que les leyó su guión de Suspiria y les dio tres meses para escribir una banda sonora que haría que el tema de la película perdurara en el público y pudiera ser utilizado en el set para establecer el tono correcto para la película.

Experimentaron con instrumentos atípicos de bandas sonoras en ese momento (tabla, bouzouki, sintetizador Moog) y crearon el tema principal icónico y escalofriante de la caja de música de la película, así como también ejercicios tensos de ritmo, disonancia y un extraño programa funky antes de terminando en el LP original con su espeluznante “Death Valzer”. A lo largo de los años, la música se ha convertido en el canon del terror y le daría su nombre al sello Death Waltz de la banda sonora de horror.

3. “Candyman” (Philip Glass, 1992)

La música del compositor clásico Philip Glass se ha utilizado en tantas películas que es sorprendente que Candyman y la franquicia que generó ha sido su único trabajo serio con el terror contemporáneo.

Las repeticiones y el impulso implacable se sienten especialmente bien adaptados a un género que prospera en persecuciones, giros equivocados y trampas.

Glass informó en las notas del CD del Candyman que inauguró su propio sello de Orange Mountain Music, se sintió decepcionado por la película: lo que había supuesto que sería una versión ingeniosa de la historia corta de Clive Barker, “The Forbidden”, ya había terminado.

En su opinión, un slasher de bajo presupuesto. Aún así, no hay duda de que su banda sonora – una mezcla inusualmente espeluznante de órgano huffy, canto coral, piano melancólico y glockenspiel frío – es potente y apropiado … y, con un característico pragmatismo, Glass reconoce que incluso ahora en las entrevistas que han marcado a Candyman sigue rindiendo beneficios fiscales.

2. “Halloween III: El día de la bruja” (John Carpenter y Alan Howarth, 1982)

Es posible rastrear la sofisticación del sintetizador a principios de los años ochenta por la forma en que los temas de Halloween de John Carpenter y Alan Howarth cambiaron con cada secuela.

Para Halloween II de 1981, el tema icónico se hizo barroco con un poco más de sintetizador, y para Halloween III: Season of the Witch de 1982, el tema es una exploración  de terror que ni siquiera toca la famosa melodía original.

Es apropiado para una instalación que no presenta a Michael Myers y fue originalmente escrito por el fatalista de ciencia ficción Nigel Kneale (escritor de Quatermass y The Stone Tape, una película de terror sobre acústica) que involucra rituales celtas, Stonehenge y el espacio.

Otras pistas de manera similar reinventan el estilo escaso de Carpenter y Howarth: ráfagas de ruido electrónico en “Starker and Marge”; murmullo metal sobre metal en “Robots at the Factory”; y eructos ambientales en “The Rock”. Y la familiar melodía de Halloween se contorsiona en el subgrupo de Vangelis, una versión nerviosa que convierte el tema en un ataque de ansiedad irregular.

1. “Halloween” (John Carpenter, 1978)

En 1978, cuando el “maestro de terror” naciente John Carpenter creó Halloween, la película slasher que cambió el género durante la próxima década, tenía 30 años, pero aún mantenía todo bajo control como si fuese un estudiante universitario, haciendo todo por sí mismo.

Él coescribió el guión, dirigió a los actores y escribió una de las bandas sonoras más escalofriantes y mínimas de todo el horror. Inspirándose en la música misteriosa de Suspiria de Goblin y en la expresionista partitura Psycho de Bernard Herrmann, acumuló la tensión desde el inicio con una melodía de piano para el tema principal, tocó 5/4, un ritmo que aprendió de su padre de profesor de música cuando era adolescente.

“En thrillers o películas de terror, estás tratando de crear suspenso”, dijo a Rolling Stone sobre su enfoque mínimo. “Piensa en el tema de “Tiburón”. Son dos notas. Te mantiene en suspenso”.

Otras secciones de la partitura contienen lo que él llama “golpes de ganado”: punzantes perforantes para hacer saltar a los espectadores, así como líneas de piano descendentes y dispersas, melodías contemplativas y discordias confusas y descabelladas.

El tema principal obtendría renovaciones drásticas a lo largo de la serie y sería adoptado por artistas de hip-hop como el Dr. Dre y Notorious B.I.G. pero siempre ha mantenido un malestar arraigado en su aterradora simplicidad. “Tiene que ser porque lo estoy jugando”, dijo Carpenter una vez.

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