Historia de la Danza: Historia, Evolución y Culturas

La historia de la danza es de difícil acceso porque la danza no suele dejar atrás artefactos físicos claramente identificables que perduren durante milenios, como herramientas de piedra, implementos de caza o pinturas rupestres. No es posible identificar con precisión exacta cuándo la danza se convirtió en parte de la cultura humana.

Danza temprana

El impulso natural de bailar puede haber existido en los primeros primates antes de que evolucionaran en humanos. El baile ha sido una parte importante de la ceremonia, los rituales, las celebraciones y el entretenimiento desde antes del nacimiento de las primeras civilizaciones humanas.

La arqueología ofrece rastros de danza de tiempos prehistóricos, como las pinturas de refugios rocosos Bhimbetka de 10.000 años de antigüedad en la India y pinturas de tumbas egipcias que representan figuras danzantes de 3300 a.C.

Muchas formas de danza contemporánea se remontan a los bailes históricos, tradicionales, ceremoniales y étnicos de la época antigua.

▶ Medios de comunicación y vínculo social 

 La danza puede haberse utilizado como una herramienta de interacción social que promovió la cooperación esencial para la supervivencia entre los primeros humanos. Los estudios encontraron que los mejores bailarines de hoy comparten dos genes específicos asociados con una predisposición a ser buenos comunicadores sociales.   

 Además, el término “ cinestésico ” es el término correcto para ayudar a comprender cómo la danza hace la comunicación, y significa el reconocimiento del movimiento del propio cuerpo, esta palabra es una combinación de dos palabras ( kinein = para mover, anestesia = percepción ). Y bailar en comunicación es como el lenguaje, puedes entender, sentir, ver y escuchar.

Cuando alguien usa todos los músculos del cuerpo y se siente en un baile, enviará un mensaje a la audiencia o quién estaba mirando. Así que los movimientos de baile y los sonidos de fondo también juegan un papel importante. Cuando hay una actuación grupal al tomarse de las manos o los hombros o incluso bailar uno frente al otro los hace sentir comunicados y unidos. 

▶ En celebraciones populares

 Muchos bailes de los primeros períodos se realizaron como un ritual para los dioses que los antepasados creían que debían mantenerse entretenidos para la paz mundial. 

El baile es utilizado en muchas celebraciones y sigue en el día de hoy. A lo largo de la historia podemos notar que la danza tenía muchos usos, como también la danza comunitaria, la cosecha y la adoración.

La evolución de la danza comenzó como orígenes folclóricos a las presentaciones de la corte y ahora al teatro o incluso a las películas de cine

▶ En ceremonias y rituales 

 La danza puede realizarse en rituales religiosos o chamánicos, por ejemplo, en danza de lluvia realizada en tiempos de sequía. Los chamanes que bailan por lluvia se mencionan en textos antiguos chinos.

La danza es un aspecto importante de algunos ritos religiosos en el antiguo Egipto, la danza también es parte integral de muchas ceremonias y ritos entre los africanos.

Los bailes rituales también se pueden realizar en templos y durante festivales religiosos, por ejemplo, los bailes rituales de Rasa de la India ( una serie de bailes clásicos indios pueden tener su origen en los bailes rituales ), y los bailes Cham del Tíbet.  

▶ Como método de curación

 Otro uso temprano de la danza puede haber sido un precursor de los estados de trance extáticos en los rituales de curación. La danza es utilizada para este propósito por muchas culturas desde la selva tropical brasileña hasta el desierto de Kalahari.

Se creía que los daneses macabros europeos medievales 9  protegían a los participantes de la enfermedad; sin embargo, la histeria y la duración de estos bailes a veces provocaron la muerte debido al agotamiento. 

 Según una leyenda cingalés, los bailes kandianos se originaron hace 2500 años a partir de un ritual de baile mágico que rompió el hechizo sobre un rey embrujado para curar al rey de una enfermedad misteriosa.

▶ Como método de expresión 

 Uno de los primeros usos estructurados de los bailes puede haber sido en el rendimiento y en la narración de mitos. A veces también se usaba para mostrar sentimientos por uno de los géneros opuestos.

También está relacionado con el origen de «hacer el amor.» Antes de la producción de idiomas escritos, la danza era uno de los métodos para transmitir estas historias de generación en generación. 

 En la cultura europea, uno de los primeros registros de baile es de Homero, cuya Ilíada describe la choreia (una antigua danza griega).

Los primeros griegos convirtieron el arte de bailar en un sistema, expresivo de todas las diferentes pasiones. Por ejemplo, la danza de las Furias, tan representada, crearía un terror completo entre quienes las presenciaron.

El filósofo griego, Aristóteles, clasificó el baile con poesía y dijo que ciertos bailarines, con el ritmo aplicado al gesto, podían expresar modales, pasiones y acciones.

Los escultores griegos más eminentes estudiaron la actitud de los bailarines por su arte de imitar la pasión.

La danza en diferentes culturas

▶ Danza clásica india 

 Un manuscrito temprano que describe la danza es el Natya Shastra en el que se basa la interpretación moderna de la danza india clásica ( p. Bharathanatyam ).

 Durante el reinado de los últimos mogoles y nawabs de Oudh, la danza cayó al estado de ‘nautch’, una cosa sensual poco ética de las cortesanas.

 Más tarde, vinculando la danza con el tráfico inmoral y la prostitución, el gobierno británico prohibió la presentación pública de la danza. Muchos lo desaprobaron.

En 1947, India ganó su libertad y creó para bailar un ambiente donde pudo recuperar su gloria pasada. Se volvieron a descubrir formas clásicas y distinciones regionales, se honraron las especialidades étnicas y, al sintetizarlas con los talentos individuales de los maestros en la línea y las nuevas innovaciones, surgió la danza con una nueva cara pero con el clasicismo del pasado.

 En Sri Lanka, la antigua crónica cingalés Mahavamsa afirma que cuando el rey Vijaya aterrizó en Sri Lanka en 543 a. C. escuchó sonidos de música y baile de una ceremonia de boda. Los orígenes de los bailes de Sri Lanka se remontan a las tribus aborígenes y a los tiempos mitológicos de los gemelos yingyang aborígenes y los demonios «yakkas».

Los bailes clásicos de Sri Lanka ( Los bailes kandyanos ) presentan un sistema altamente desarrollado de tala (ritmo) y proporcionado por platillos llamados talampataa.

▶ Danza china

 Hay una larga historia registrada de bailes chinos. Algunos de los bailes mencionados en textos antiguos, como bailar con movimientos de manga, todavía se realizan hoy. Algunos de los primeros bailes se asociaron con rituales chamánicos. Los bailes populares del período inicial también se convirtieron en bailes judiciales. Los bailes importantes del período antiguo fueron el yayue ceremonial que data de la dinastía Zhou del primer milenio antes de Cristo.

El arte de la danza en China alcanzó su punto máximo durante la dinastía Tang, un período en que bailarines de muchas partes del mundo también actuaron en la corte imperial. Sin embargo, la ópera china se hizo popular durante la dinastía Song y Yuan, y muchos bailes se fusionaron en la ópera china. 

El arte de la danza en las mujeres también disminuyó desde la dinastía Song en adelante como resultado de la creciente popularidad de la unión a los pies, una práctica que irónicamente puede haberse originado del baile cuando una bailarina envolvió sus pies para que pueda bailar en ballet. 

Los bailes tradicionales más conocidos de China son la danza del dragón y la danza del león. La danza del león se describió en la dinastía Tang en forma que se asemeja a la danza de hoy.  

▶ La danza en Irán

– Prehistoria

 La gente de la meseta iraní ha conocido la danza en forma de música, teatro, drama o rituales religiosos y ha utilizado instrumentos como la máscara, trajes de animales o plantas e instrumentos musicales para el ritmo, al menos desde el sexto milenio antes de Cristo.

Las formas culturales mixtas de danza, juego y drama han servido a rituales como celebración, duelo y adoración. Y los actores han sido maestros de la música, la danza, los actos físicos y los modales de expresión.

Se encontraron artefactos con imágenes de bailarines, músicos o actores en muchos sitios prehistóricos arqueológicos en Irán, como Tepe Sabz, Ja’far Abad, Chogha Mish, Tall-e Jari, Cheshmeh Ali, Ismaeel Abad, Tal-e bakun, Tepe Sialk, Tepe Musian, tepe Yahya, Shahdad, Tepe Gian, Kul Farah, Susa, Kok Tepe, Cementerios de Luristán, etc. 

– Historia

 El baile más antiguo investigado del histórico Irán es un baile que adora a Mitra ( como en el Culto de Mitra ) en el que un toro fue sacrificado. Este culto más tarde se hizo muy respetado en el Imperio Romano. Este baile fue para promover el vigor en la vida. 

La danza persa antigua fue investigada significativamente por el historiador griego de Heródoto de Halikarnassos, en su obra Libro IX ( Calliope ), en el que describe la historia de los imperios asiáticos y las guerras persas hasta 478 a. C. 

La antigua Persia fue ocupada por potencias extranjeras, primero griegos, luego árabes, y luego mongoles y, a su vez, se produjo inestabilidad política y guerras civiles. A lo largo de estos cambios se produjo una lenta desaparición de las tradiciones de danza patrimonial. 

 La prohibición religiosa de bailar en Irán se produjo con la difusión del Islam, pero fue estimulada por eventos históricos.

La prohibición religiosa de bailar aumentó y disminuyó a lo largo de los años, pero después de la Revolución iraní en 1979 ya no se permitió el baile debido a su frecuente mezcla de sexos.

La Revolución Islámica de 1979 fue el final de una era exitosa para el baile y el arte del ballet en Irán. La compañía nacional de ballet iraní se disolvió y sus miembros emigraron a diferentes países. Según los principios de la revolución cultural en Irán, el baile se consideraba perverso, un gran pecado, inmoral y corrupto.

  Como resultado, Muchos de los talentosos bailarines persas se mudaron a Occidente y se extendieron principalmente en Europa y Estados Unidos y una nueva generación de bailarines y artistas de ballet iraníes han crecido en el Diáspora. 

▶ La danza en Europa

– Siglos XV al XIX: Del baile de la corte al romanticismo

 Los orígenes del baile de ballet se remontan a las cortes renacentistas italianas del siglo XV. Los maestros de baile enseñarían los pasos a la nobleza y la corte participaría en actuaciones como una forma de entretenimiento social. Esta práctica continuó durante varios siglos.

En el siglo XVII, el ballet cortesano alcanzó su punto máximo bajo el gobierno del rey Luis XIV.  

En el siglo XVIII, el ballet había migrado de las cortes reales francesa e italiana a la Ópera de París bajo la cuidadosa dirección del compositor / bailarín Jean-Baptiste Lully. Lully buscó desarrollar el ballet en un arte más serio. Bajo su influencia, el ballet se convirtió en un arte reconocido realizado por bailarines profesionales en lugar de cortesanos.

 Durante el siglo XVIII, el ballet pasó de una danza cortesana de imágenes en movimiento como un espectáculo al arte escénico por derecho propio.

Las actuaciones de ballet se desarrollaron en torno a una narrativa central y contenían un movimiento expresivo que revelaba las relaciones entre los personajes. Este estilo dramático de ballet se conoció como el ballet d’action.

El ballet d’action se esforzó por expresar, por primera vez, las emociones humanas extraídas directamente de los propios bailarines. Las máscaras usadas previamente por los artistas se eliminaron para que el contenido emocional pudiera derivarse de expresiones faciales.

 Los disfraces durante este tiempo fueron muy restrictivos para los bailarines. Aunque se alentó un uso más expresivo del cuerpo, los movimientos de los bailarines aún estaban restringidos debido a materiales pesados y vestidos corsés.

Los disfraces a menudo cubrían el físico de un bailarín y dificultaban ver coreografías complejas o intrincadas. No fue hasta que el coreógrafo Jean Georges Noverre pidió reformas de baile en 1760 con sus Cartas sobre Baile y Ballets que los disfraces se volvieron más propicios.

Noverre instó a que los disfraces se elaboren con telas livianas que se muevan fluidamente con el cuerpo, complementando la figura de un bailarín. Además, los bailarines llevaban zapatillas suaves que se ajustaban perfectamente a lo largo del pie.

Este diseño de calzado infundió confianza dentro de la bailarina, desafiándola a bailar de puntillas. El vestuario naturalista permitió a los bailarines empujar los límites del movimiento, eventualmente aumentando en punta.

 La era del romanticismo produjo ballets inspirados en la fantasía, la mística y las culturas desconocidas de los lugares exóticos.

Ballets que se centraron más en las emociones, la fantasía y los mundos espirituales y anunciaron el comienzo del verdadero trabajo de punta. Ahora, de puntillas, la bailarina deificada ( encarnada en este período por la legendaria bailarina Marie Taglioni ) parecía rozar mágicamente la superficie del escenario, un ser etéreo que nunca toca el suelo.

Fue durante este período que la estrella ascendente de la bailarina eclipsó bastante la presencia del pobre bailarín, que en muchos casos se redujo al estado de una estatua en movimiento, presente solo para levantar la bailarina. Este triste estado en realidad solo fue reparado por el surgimiento de la estrella del ballet masculino Vaslav Nijinsky, con los Ballets Russes, a principios del siglo XX.

El ballet tal como lo conocemos había evolucionado bien y verdaderamente en este momento, con todas las convenciones familiares de vestuario, forma coreográfica, trama, pompa y circunstancia firmemente fijadas en su lugar. Nijinsky trajo el atletismo al ballet.

Aunque en ese momento su coreografía se consideraba controvertida, ahora se los considera uno de los primeros ballets contemporáneos.  

– Siglo XX: Del ballet a la danza contemporánea 

 Desde que los Ballets Russes comenzaron a revolucionar el ballet a principios del siglo XX, ha habido continuos intentos de romper el molde del ballet clásico. Actualmente, el alcance artístico de la técnica de ballet ( y su música, saltador y multimedia ) lo acompañan más que nunca.

Los límites que clasifican una obra de ballet clásico se estiran constantemente, se enturbian y se difuminan hasta que quizás todo lo que queda hoy en día son trazas de expresiones idiomáticas técnicas como la participación.

 Fue durante la explosión del nuevo pensamiento y exploración a principios del siglo XX que los artistas de danza comenzaron a apreciar las cualidades del individuo, las necesidades del ritual y la religión, lo primitivo, lo expresivo y lo emocional. En este ambiente, la danza moderna comenzó una explosión de crecimiento.

De repente hubo una nueva libertad en lo que se consideraba aceptable, lo que se consideraba arte y lo que la gente quería crear. Muchas otras cosas fueron valoradas repentinamente tanto como, o más allá, los disfraces y trucos del ballet.

 La mayoría de los coreógrafos y bailarines modernos de principios del siglo XX vieron ballet en la luz más negativa. Isadora Duncan pensó que era feo, nada más que gimnasia sin sentido. Martha Graham lo vio como europeo e imperialista, sin tener nada que ver con el pueblo estadounidense moderno.

Merce Cunningham, mientras usaba algunos de los fundamentos de la técnica del ballet en su enseñanza, abordó la coreografía y el rendimiento desde un punto de vista completamente diferente en comparación con el formato ballético tradicional.

 El siglo XX fue de hecho un período de ruptura de todo lo que representaba el ballet. Fue una época de crecimiento creativo sin precedentes, para bailarines y coreógrafos.

También fue un momento de ampliación de la definición de danza. Ballet Russes fue un punto de inflexión hacia el futuro del ballet en Occidente y en el mundo. Colaborando con genios de esa época, como Coco Chanel, Pablo Picasso y otros.  Ballet Russes reunió buena música, diseño y baile en una actuación completa.   

▶ La danza en África

 La danza africana se refiere principalmente a los estilos de danza del África subsahariana, muchos de los cuales se basan en ritmos tradicionales y tradiciones musicales de la región.

Los estilos modernos de danza africana están profundamente arraigados en la cultura y la tradición. Muchas tribus tienen un papel únicamente con el propósito de transmitir las tradiciones de danza de la tribu; bailes que se han transmitido a través de los siglos, a menudo sin cambios, con poco o ningún espacio para la improvisación. 

Cada tribu desarrolló su propio estilo único de baile, cayendo en tres categorías según el propósito. El primero es el baile religioso, que muchas tribus pretenden mejorar la paz, la salud y la prosperidad.

Los bailes religiosos a menudo involucraban a personas con máscaras, actuando como los espíritus y aquellos que los aplacaban. 

La religión y la espiritualidad infundieron cada parte de la vida tradicional africana, y continúa afectando la danza africana actual. El segundo es griótico, y era un tipo de baile que contaba una historia. Lleva el nombre de un griot, que es un término para un narrador tradicional en África occidental.

Ciertos bailes grióticos solo fueron bailados por el griot de la tribu; hoy, las compañías realizan los mismos bailes que alguna vez fueron exclusivos del griot. El tercer tipo es ceremonial. Estos bailes se realizan en ceremonias como bodas, aniversarios y ritos de paso. 

 Sin embargo, muchos bailes no tenían un solo propósito. Más bien, a menudo había un propósito principal, que se combinaba en muchos propósitos secundarios. La danza a menudo era muy importante para el mantenimiento del estatus de un gobernante en la sociedad tribal.

El colonialismo y la globalización han resultado en la erradicación de ciertos estilos de danza africana. Otros estilos se han mezclado o mezclado con estilos de baile fuera de África. 

– La danza africana en el contexto de la esclavitud 

 A medida que las personas fueron tomadas de África para ser vendidas como esclavas, especialmente a partir de 1500, trajeron sus estilos de baile con ellos. Culturas enteras se importaron al Nuevo Mundo, especialmente aquellas áreas donde los esclavos tenían más flexibilidad para continuar sus culturas y donde había más esclavos africanos que europeos o indígenas estadounidenses, como Brasil.

Los estilos de danza africana se fusionaron con nuevas experiencias culturales para formar nuevos estilos de danza. Por ejemplo, los esclavos respondieron a los temores de sus amos sobre los estilos de baile de alta energía con el cambio de paso a barajar. 

Sin embargo, en América del Norte, los esclavos no tenían tanta libertad para continuar su cultura y danza. En muchos casos, estos bailes se han convertido en estilos de baile modernos, como la danza afroamericana y la danza brasileña. Por ejemplo, la Calenda evolucionó en Brasil a partir de la danza tribal.

La Calenda luego se convirtió en Cakewalk, que originalmente se bailaba para burlarse de los propietarios de plantaciones; luego se convirtió en Charleston. Capoeira era un arte marcial practicado originalmente en África que los africanos esclavizados enmascararon como una forma de danza para no despertar la sospecha de los propietarios de plantaciones.  

▶ La danza en el Postmodernismo

 Después de la explosión de la danza moderna a principios del siglo XX, en la década de 1960 se produjo el crecimiento del posmodernismo. El posmodernismo se desvió hacia la simplicidad, la belleza de las cosas pequeñas, la belleza del cuerpo inexperto y el movimiento poco sofisticado.

El famoso manifiesto «No», de Yvonne Rainer, que rechazó todos los disfraces, historias y adornos externos a favor del movimiento crudo y sin pulir fue quizás el extremo de esta ola de pensamiento. Sin embargo, no pasó mucho tiempo antes de que los sets, la decoración y el valor del shock volvieran a entrar en el vocabulario de los coreógrafos modernos.

▶ Danza contemporánea vs. ballet

 En la década de 1980, la danza había cerrado el círculo y la danza moderna ( o, en este momento, la «danza contemporánea» ) claramente seguía siendo un vehículo altamente técnico y político para muchos practicantes.

Existiendo junto con el ballet clásico, las dos formas de arte ahora vivían pacíficamente una al lado de la otra con poca rivalidad y antipatía de épocas anteriores.

En un comentario hábilmente diseñado sobre esta rivalidad en curso, la brillante colaboración de Twyla Tharp (una de las vanguardistas / contemporáneas de baile de vanguardia del siglo XX ) y la danza del ballet se logró finalmente.

La actualidad todavía nos ve en la atmósfera artística muy competitiva donde los coreógrafos compiten para producir el trabajo más impactante; sin embargo, todavía hay vislumbres de belleza que se pueden tener, y mucho baile increíble en una época en la que la técnica de baile ha progresado aún más en experiencia, fuerza y flexibilidad que nunca en la historia.

▶ Baile callejero y Hip-hop 

 Al mismo tiempo, la cultura de masas experimentó la expansión de la danza callejera. En 1973, el famoso grupo Jackson 5 interpretó en televisión un baile llamado Robot ( coreografiado por el artista posmoderno Michael Jackson ), una forma de baile cultivada en Richmond, CA.

Este evento y posteriores actuaciones de Soul Train de bailarines negros ( como Don Cambell ) encendieron una revolución cultural callejera, en cierto sentido. B-boying en Nueva York, Locking en Los Ángeles, Poping en Fresno, CA, Boogaloo en Oakland, CA, Robot en Richmond, CA, todos tuvieron sus propias explosiones creativas a finales de los años 60 – 70. Cada uno con sus propias historias, prácticas, innovadores y fundaciones.

 Para el surgimiento de la danza moderna del siglo XX, ver también a gente como Mary Wigman, Gret Palucca, Harald Kreutzberg, Yvonne Georgi e Isadora Duncan.

 El baile hip-hop comenzó cuando Clive Campbell, también conocido como Kool DJ Herc y el padre del hip-hop, llegó a Nueva York desde Jamaica en 1967.

Tomando las semillas del reggae de su tierra natal, se le atribuye ser el primer DJ en usar dos tocadiscos y copias idénticas del mismo disco para crear sus mermeladas.

Pero fue su extensión de los descansos en estas canciones, la sección musical donde los ritmos de percusión fueron más agresivos, lo que le permitió crear y nombrar una cultura de break boys y break chicas que lo dejaron cuando surgieron los descansos.

Brevemente llamados b-boys y b-girls, estos bailarines fundaron breakdance, que ahora es la piedra angular de la danza hip-hop.