Las cámaras de hoy pueden crear imágenes de alta calidad. Con las técnicas adecuadas, pueden producirse imágenes interesantes y persuasivas. Un conocimiento práctico de la cámara, lentes, profundidad de campo, obturadores y f-stops es esencial para obtener imágenes con el máximo impacto.

⏺ Apuntar y grabar

Mucha gente solo apunta y graba. Asumen que la cámara debe configurarse en automático y, por lo tanto, no se preocupan por eso. Hay momentos en que la configuración automática es o que debe usarse. Sin embargo, la mayoría de las veces los resultados serán decepcionantes. 

La exposición puede ser incorrecta, el iris automático puede fluctuar y el sujeto puede estar borroso. 

Muchas veces las tomas son simplemente aburridas. La atención del público se distraerá y la calidad de la imagen varía. Es lamentable, teniendo en cuenta que, al dominar algunos principios básicos, se pueden crear imágenes efectivas que se vean profesionales.

🖥 ¿Qué se pone en la pantalla?

Ocasionalmente, la cámara se describe como el «ojo de la audiencia». Sin embargo, eso puede ser una simplificación excesiva engañosa.

 La cámara se puede usar para crear esa impresión deliberadamente, pero la cámara no transmite automáticamente una imagen real de ninguna situación al público.

 Si las personas se encuentran en un lugar, sus ojos se mueven rápidamente, reenfocando, asimilando lo que está sucediendo. Saben dónde están y pueden decidir por sí mismos lo que miran. Todos hacen su propia selección de una escena. 

Los televidentes solo pueden ver lo que el director elige mostrarles. Solo esa parte de la escena seleccionada por la lente es visible en la pantalla rectangular frente a ellas. 

El público solo puede adivinar lo que se encuentra fuera del ángulo de visión de la lente.

 Otras cosas cerca de la cámara llenarían la pantalla si la lente girara un poco; pero estas cosas permanecen invisibles, «fuera de tiro», porque el encuadre es altamente selectivo.

Una característica distintiva de los buenos directores es su capacidad de seleccionar momento a momento exactamente las características correctas dentro de la escena que se adaptan a su propósito dramático, pero al mismo tiempo convencer a su audiencia de que esto es exactamente lo que quieren ver en ese instante.

↔ ¿Cómo de cerca deberías ponerte?

■ Una toma de primer plano (CU) es ideal para revelar detalles, emociones y dramas. A veces, incluso puede revelar demasiado: llevan a la audiencia a concentrarse en una característica específica.

■ Ten en cuenta que restringir cuánto pueden ver los espectadores podría frustrarles, especialmente si sienten que les falta algo que esté sucediendo en otro lugar.

Ten cuidado de no arrojar detalles al público de forma muy descarada como si dijeras: “¡Presta atención! ¡Mira estos detalles!” 

Las buenas técnicas de producción se basan en la persuasión. Hay muchas formas sutiles de influir exactamente en el aspecto de la audiencia, sin tirar primeros planos intensos todo el tiempo. Puedes persuadir con imágenes controlando la forma en que se organiza la composición, por ejemplo, moviendo personas o colocando la iluminación.

Una toma larga, o plano amplio, muestra al público una visión amplia de la escena:

■ Establece la escena mostrando al público dónde se encuentra la acción.

■ Permite a los espectadores ver cómo una cosa se relaciona con otra (como las diversas relaciones entre los miembros del equipo en un equipo de baloncesto).

■ Puede darles una buena idea del espacio, a menos que el director les ordene deliberadamente al usar un ángulo de lente mucho más amplio de lo normal para exagerar la perspectiva.

Una visión general de este tipo tiene sus desventajas. El público no puede ver los detalles con claridad. El espectador puede ver la velocidad con la que el jugador corre tras la pelota, pero no la expresión cuando la deja caer.

Las tomas largas tienen la ventaja de permitir a los espectadores seleccionar, elegir lo que atraiga su atención en la vista panorámica. Pero también les da la oportunidad de mirar a su alrededor y comenzar a pensar en lo que sea que les interese en lugar de concentrarse en el punto específico que el programa está tratando de hacer en ese momento.

Cualquier programa bien editado necesita una serie de tomas más cercanas y amplias, cada una cuidadosamente elegida para su propósito. Estas tomas ayudan al público a establecer la escena, observar lo que está sucediendo, interpretar la acción y ver detalles.

🎦 Grabaciones para internet

La compresión de video que se utilizará en Internet deteriora la calidad general del video. Cada vez que se comprime el metraje, se debe sacrificar un poco de la calidad. Aquí hay algunos puntos a tener en cuenta al grabar algo que se transmitirá en Internet:

■ No uses más movimiento de la cámara del que necesites. Siempre que hay movimiento de la cámara, el resultado es más compresión.

■ Use un trípode para obtener la toma más estable posible (por lo general, debe usarse un trípode de todos modos).

■ Limita las bandejas e inclinaciones de la cámara; cuando los use, asegúrate de que los movimientos sean lentos y suaves.

■ Ilumina bien el sujeto

■ Mantén el fondo simple. Cuanto más detallado sea, más necesitará comprimir el video.

👁¿Cuánto podemos ver?

La cantidad de escena que muestra la cámara dependerá de varios factores:

■ El punto de vista de la cámara (ángulo)

■ Lo lejos está la cámara del sujeto

■ El ángulo que cubre la lente

Como se dijo anteriormente, la cobertura de la lente (ángulo de la lente, ángulo de visión) varía con la distancia focal. 

El objetivo del zoom se puede ajustar a cualquier distancia focal dentro de su rango. Si es un sistema 6:1 (seis a uno), entonces su ángulo más amplio será seis veces el más estrecho.

Algunos objetivos con zoom están equipados con un extensor de 2x. Puedes introducir este extensor cuando necesites una lente más larga. 

El extensor duplicará la distancia focal de la lente. Sin embargo, habrá una pérdida de luz notable. 

Otra forma de alterar el ángulo máximo o mínimo del sistema de lentes es sujetar o atornillar una lente complementaria (lente de dioptría). 

Hay lentes de conversión de teleobjetivo y ángulo amplio disponibles para este propósito. Sin embargo, puede haber algo de pérdida de luz, dependiendo de la dioptría.

🔭 Ángulos de lente

Los ángulos de la lente impactan significativamente a las imágenes de video que capturará la cámara, así como la interpretación del público de esas imágenes.

Si el ángulo desde los ojos del espectador hacia los lados de la pantalla del televisor es razonablemente similar al del ángulo de la lente horizontal de la cámara, el espectador tendrá una impresión realista del espacio, la distancia y las proporciones. Esto se conoce como un ángulo de lente «normal». Con la variedad actual de tamaños y formas de pantalla, este ángulo no es en absoluto preciso, pero a todos los efectos prácticos podemos suponer que oscila entre 20 y 28º.

¿Cuáles son las desventajas si el operador de la cámara graba con un ángulo de lente que es apreciablemente diferente de «normal»? 

Algunas cosas interesantes pueden pasarle a la imagen. Con algunos sujetos, es posible que el público ni siquiera note nada. Sin embargo, donde el público pueda juzgar proporciones y perspectivas, como mirar un edificio alto o un primer plano de una persona, las diferencias entre las imágenes tomadas con diferentes ángulos de lente serán obvias.

Un teleobjetivo o lente de ángulo estrecho (longitud focal larga) proporcionará una vista ampliada de la escena, haciendo que parezca más cercana. 

El teleobjetivo ofrece ventajas cuando el operador de la cámara no puede acercar la cámara al sujeto o no quiere hacerlo. Pero también hay desventajas. 

El teleobjetivo a menudo tiene el efecto de aplanar a los sujetos porque comprime la profundidad. Esta compresión también puede hacer que los sujetos se vean anormalmente cerca. 

Los movimientos también se ven afectados. Incluso los sujetos que se mueven rápidamente parecen extrañamente ralentizados por un teleobjetivo a medida que se acercan o alejan de la cámara. 

El teleobjetivo/lente de ángulo estrecho también es difícil de mantener estable; incluso la más mínima vibración se amplifica y provoca sacudidas de la imagen. La cámara debe estar montada o apoyada en algo firme para obtener una imagen estable.

Una lente de ángulo amplio, por otro lado, nos muestra un área mucho mayor de la escena. Todo en la imagen parece inusualmente distante. La lente parece enfatizar el espacio y la profundidad. Los movimientos hacia y desde la cámara parecen más rápidos de lo que realmente son.

Cuanto más amplio es el ángulo del objetivo (es decir, cuanto más corta es la distancia focal), más fácil es mantener la cámara estable y moverse suavemente mientras se graba.

Aunque la lente de ángulo amplio tiene muchas ventajas, no se puede usar todo el tiempo porque habrá demasiadas tomas largas. Si la cámara se mueve cerca del sujeto para obtener una toma de primer plano, los sujetos se verán distorsionados con un lente de ángulo amplio.

🕺¿Por qué moverse?

Si el sujeto puede aparecer más y más lejos simplemente variando el ángulo del objetivo, ¿por qué molestarse en mover la cámara? ¿Por qué no solo hacer zoom en la lente? Es mucho menos problema.

Aunque, a primera vista, cambiar la distancia focal parece dar resultados más o menos similares a los obtenidos al reposicionar la cámara, cuando se mira la imagen de forma crítica, resulta obvio que hay diferencias claras en los resultados. 

Es un buen principio de funcionamiento general usar un ángulo de lente normal tanto como sea posible y mover el punto de vista de la cámara en lugar de simplemente acercar y alejar con una cámara fija. 

El movimiento real de la cámara da vida a una imagen. Cada vez que una cámara se mueve, vemos cambios significativos en la imagen. 

Varias superficies se ocultan progresivamente a medida que la cámara pasa; otros se revelan gradualmente.

Aunque este efecto se vuelve más obvio cuando se recorren imágenes en primer plano, como una serie de columnas o un grupo de árboles, es uno de esos fenómenos naturales cotidianos que nos ayudan a interpretar nuestro mundo tridimensional. Es aún más pronunciado cuando la cámara se mueve (o cangrejos) de lado.

Cada vez que se amplía una lente, simplemente amplía y reduce exactamente la misma toma. Los efectos naturales que hacen que las tomas de una cámara en movimiento sean tan persuasivas simplemente no existen.

 Ciertamente habrá momentos en que el operador de la cámara ampliará o reducirá deliberadamente el ángulo del objetivo por razones prácticas o artísticas. No dudes en variar el ángulo de la lente según sea necesario para superar un problema u obtener un efecto. No lo modifiques casualmente. 

Por ejemplo, si un operador de cámara está filmando un desfile desde un balcón y obteniendo fotos grupales útiles con un ángulo de lente normal, el operador también puede usar una lente de ángulo amplio para ver la larga procesión o una lente de ángulo estrecho para mostrar detalles. 

El uso de un ángulo de lente limitaría significativamente las oportunidades de rodaje. El operador de la cámara ciertamente no podía confiar en correr hacia arriba y hacia abajo a nuevos puntos de vista para proporcionar la variedad de tomas necesarias.

Si el director quiere mostrar detalles sobre una estatua distante ubicada en la parte superior de un edificio, seguramente necesitará usar un ángulo de lente realmente estrecho (distancia focal larga). Sin embargo, será inevitable que el espacio se viera achatado y la forma del edificio en sí aparecerá distorsionada. 

Si estás utilizando una lente de ángulo estrecho cuando hay posiciones de cámara alternativas disponibles, tales distorsiones no están justificadas.

En el lado positivo, la forma en que una lente de ángulo amplio exagera el espacio ofrece oportunidades invaluables en una ubicación abarrotada o donde el presupuesto es limitado. 

Una lente de ángulo amplio puede hacer que la configuración más pequeña parezca espaciosa. Incluso un par de planos escénicos unidos pueden crear la ilusión de una habitación completa si se graba estratégicamente con una lente de ángulo amplio. 

👁‍🗨El zoom

Existen varios métodos para controlar la acción de zoom del objetivo. Un operador de cámara que trabaja en una producción dramática puede preferir un sistema de zoom manual, que permite que la cobertura de la toma se reajuste sutilmente a medida que varía la composición de la imagen. Pero para las decisiones muy repentinas y los rápidos acercamientos involucrados al grabar un evento deportivo, los sistemas motorizados pueden resultar más convenientes.

⚙Control del Zoom

Hay tres formas principales de controlar un objetivo zoom:

■ Rotación del anillo de zoom. Girar un anillo en el cuerpo del objetivo varía la distancia focal del zoom del lente. Este es un método preciso, que proporciona un control total sobre la acción del zoom a lo largo de la toma.

■ Potencia de zoom. Muchos sistemas de lentes de zoom pueden controlarse mediante un interruptor de movimiento bidireccional, que activa un motor pequeño. Esto conducirá el zoom hacia el extremo del ángulo amplio o teleobjetivo de su alcance, deteniéndose donde sea necesario. 

La velocidad del zoom puede ser ajustable o variar con la presión del dedo sobre el interruptor. El zoom motorizado es ampliamente utilizado y particularmente adaptable a todo tipo de producción en el estudio y en el campo. Las lentes con zoom en cámaras profesionales generalmente tienen la opción conmutable de seleccionar entre métodos remotos/manuales/automáticos de control de iris con la misma mano.

■ Control remoto. Las unidades de control remoto están disponibles para la mayoría de las cámaras. Permiten al operador de la cámara hacer zoom en la lente de la cámara desde detrás de la cámara. Esta unidad generalmente está montada en un brazo de trípode (barra panorámica).

La lente de zoom puede ser una herramienta creativa cuando se usa con discreción. Al grabar un juego de pelota, se hace zoom a la imagen a una toma más cercana mientras la acción se vuelve más tensa. El acercamiento rápido para que la cámara parezca irrumpir en una escena, particularmente si está en un brazo giratorio que se arquea sobre la acción, puede producir resultados dinámicos. Pero si se utiliza un zoom similar en el momento equivocado, la audiencia probablemente se frustrará.

Para probar este efecto, intenta desplazarse hacia una persona mientras aleja a la velocidad correspondiente y mantiene a la persona del mismo tamaño en todo el cuadro. El resultado es extraño, pero demuestra hasta qué punto el ángulo del objetivo y la distancia de la cámara pueden afectar una grabación.

🧐Enfoque

El enfoque es una herramienta increíblemente efectiva para dirigir la atención del público. El ojo siempre se siente atraído por la parte de la imagen que está enfocada. Esto significa que un conocimiento de enfoque, profundidad de campo y lentes es esencial si el operador y el director de la cámara desean utilizar la cámara de manera creativa como herramienta para contar historias.

Hay una serie de técnicas que utilizan los operadores de cámara para capturar la acción en foco.

■ El método más popular se llama enfoque de seguimiento (follow focus). Esta técnica requiere que el operador de la cámara cambie continuamente el enfoque a medida que sigue la acción, girando constantemente el anillo de enfoque para mantener el sujeto nítido cada vez que comienza a suavizarse. Sin embargo, enfocar no siempre es tan fácil como eso. Con la práctica puede convertirse en una acción reflexiva. Eso no significa que se vuelva fácil.

■ El enfoque de zona se refiere a cuando a los operadores de cámara se les asigna una «zona» en el campo de juego o en un evento de noticias. Calculan la apertura para que básicamente todo esté enfocado cuando el jugador u otro sujeto se mueva a su zona. Por lo general, no intentan grabar al sujeto cuando están fuera de su zona.

■ El enfoque previo es cuando el operador de la cámara enfoca la cámara en el sujeto antes de comenzar a grabar. Un ejemplo sería cuando un presentador de un programa de entrevistas quiere mostrarle al público una fotografía fija. Por lo general, el anfitrión colocará la foto en un soporte ubicado en su escritorio. Debido a que una de las cámaras generalmente se ha enfocado en el soporte, la foto se enmarca y enfoca instantáneamente. También se requiere un enfoque previo cada vez que se usa una lente de zoom. Continuaremos nuestra discusión sobre el enfoque previo más adelante en este capítulo.

Para empezar, una lente no puede enfocar sujetos más cercanos que su «distancia mínima de enfoque» (MFD de MOD). Los teleobjetivos pueden tener un MFD que está a tan solo un pie y medio de distancia. No es posible enfocarse en temas más cercanos que eso. Los lentes extremadamente largos pueden tener un MFD que puede estar a varias yardas/metros de la cámara. La lente de ángulo de amplio generalmente permite enfocar hasta la lente de la cámara.

Muchos lentes también incluyen sistemas macro, que están diseñados para proporcionar una imagen nítida casi hasta la superficie real de la lente. Sin embargo, es difícil evitar la sombra de una cámara cuando se iluminan sujetos tan cercanos.

🎦Enfoque automático

Muchas cámaras de video están equipadas con una función de enfoque automático. Este es un dispositivo útil para las ocasiones en que el operador de la cámara está preocupado por seguir la acción, no está seguro de hacia dónde se moverá el sujeto y podría enfocar mal en el momento. Pero, ¿por qué no cambiar el enfoque automático todo el tiempo, para que podamos olvidarnos del enfoque por completo?

Si el operador de la cámara se basa completamente en las funciones de enfoque automático de la cámara, las imágenes resultantes variarán mucho. El sistema de enfoque automático simplemente agudiza el enfoque en una zona seleccionada de la toma, independientemente de lo que aparezca allí. Por lo tanto, debe usarse con cuidado.

Los sistemas de cámara tienen diferentes grados de sofisticación. Algunos tienen una zona de enfoque de dos o tres pasos (ángulo pequeño a ancho de fotograma completo). Algunos incluyen una comprobación de enfoque automático para que el efecto automático se pueda comprobar mientras todavía está en el modo manual. Incluso hay circuitos de «fuzzy logic«, que reajustan el enfoque a medida que el sujeto se mueve dentro de la toma o cuando se modifica la toma.

Existen varios enfoques de diseño para sistemas de autoenfoque que incluyen luz infrarroja (IR), control ultrasónico (piezo), IA digital, seguimiento automático,fuzzy logic y un sistema de enfoque de globo ocular. 

Cada uno tiene sus ventajas y limitaciones. Aunque puede no ser importante conocer las tecnologías específicas involucradas en el enfoque automático, es igualmente importante comprender las limitaciones prácticas del sistema de la cámara cuando se utiliza el enfoque automático para mantener la imagen bien enfocada:

■ El sistema infrarrojo (IR) envía una breve ráfaga de luz IR, que se refleja desde el objeto más cercano y es detectada por un sensor IR. Los circuitos interpretan el ángulo del haz de retorno (triangulación) y ajustan el enfoque de la lente.

■ El sistema ultrasónico (piezo) emite un breve pitido de sonido inaudible y mide el tiempo que tarda el sonido en volver. Los circuitos calculan la distancia y ajustan la lente en consecuencia.

■ Un sistema electrónico examina la señal de video y ajusta el enfoque de la lente para obtener la máxima nitidez al verificar la fuerza y el contraste de la señal de video, que se caen a medida que la imagen se desenfoca.

Cada uno de estos métodos puede funcionar bien la mayor parte del tiempo, pero hay situaciones en las que pueden producir resultados insatisfactorios. El sujeto o las condiciones pueden engañar a diferentes sistemas de enfoque automático y obtener resultados inexactos:

■ El sistema infrarrojo tiene problemas con sujetos pequeños, color de superficie (especialmente negro) y superficies angulosas brillantes.

■ Los sistemas ultrasónicos no pueden enfocar con precisión los sujetos detrás del vidrio y el agua, los primeros planos rotos, como el follaje o las ramas, y la lluvia, la nieve y la niebla.

■ Los sistemas electrónicos a veces no pueden funcionar bien con poca luz, situaciones de bajo contraste o con sujetos con poca luz.

Aquí hay algunas otras situaciones que pueden ser problemáticas para las lentes de enfoque automático:

■ Cuando el sujeto no está en el centro de la imagen. Si se colocan dos personas a cada lado del cuadro, el enfoque automático puede enfocarse en un objeto distante sin importancia en el centro de la pantalla y dejar a los sujetos enfocados suavemente.

■ El operador de la cámara puede querer enfocar a alguien cerca de la cámara y a una persona distante al mismo tiempo, pero el enfoque automático puede enfocarse en uno u otro, o en ninguno.

■ Si se graba a un sujeto a través de un cuadro de primer plano, como una cerca o ramas, el sistema se enfocará en este primer plano en lugar del sujeto más distante.

■ Si sigue a alguien que se está moviendo dentro de una multitud, es probable que el sistema de enfoque automático se reajuste continuamente, centrándose en las personas cercanas en lugar del sujeto deseado.

■ Cuando el operador de la cámara hace zoom para cambiar el tamaño de la toma, el sistema de enfoque automático puede volver a enfocar a medida que se recompone la toma.

■ Si el operador de la cámara está rodando una vista distante y alguien (o cualquier cosa) se mueve hacia la toma, más cerca de la cámara, el sistema puede volver a enfocar el sujeto secundario y desenfocar el sujeto real. Si, por ejemplo, el operador de la cámara recorre una escena y pasa un árbol en primer plano, el sistema puede reajustarse para enfocarse en el árbol.

■ Puede haber ocasiones en que el fondo detrás del sujeto se vuelva confuso o intrusivo debido al enfoque ambiguo.

Cuando se trata con cualquiera de estas situaciones, la mejor solución es cambiar al enfoque manual para evitar los problemas. Sin embargo, cuando se usa con prudencia, el enfoque automático puede ser una herramienta útil.

↔Profundidad del campo

La profundidad de campo, o la zona enfocada, generalmente se define como la distancia entre los objetos enfocados más cercanos y más lejanos. 

Cuando se graba algo a distancia, todo parece claramente enfocado. Pero vuelva a enfocar la lente en algo que se encuentre a unos pocos metros de distancia, y solo una cantidad limitada de la toma aparecerá realmente enfocada. 

Ahora enfoca en algo muy cercano a la cámara, y la nitidez se restringe a una zona aún menos profunda.

Qué tan obvio es este efecto varía con la cantidad de detalles en la escena.

La profundidad de campo varía con los siguientes factores:

■ La distancia a la que se enfoca la lente

■ El tamaño de los sensores de imagen.

■ La distancia focal de la lente

■ La lente f-stop (apertura)

Altere cualquiera de estos elementos y la profundidad del campo cambia. La profundidad es mayor cuando cualquiera de los siguientes es cierto:

■ La lente está enfocada a distancia

■ Se está utilizando una lente de ángulo amplio

■ La apertura del objetivo se detiene (f / 16).

La profundidad de campo es superficial en las siguientes situaciones:

■ Cuando enfoca sujetos cerca de la cámara

■ Cuando usa un teleobjetivo (ángulo estrecho)

■ Cuando abre la apertura del objetivo (f / 2).

No te dejes engañar pensando que puedes usar una de ángulo amplio para mejorar la profundidad de campo en una toma cada vez. En algunas situaciones, la lente de ángulo amplio funciona bien para aumentar la profundidad de campo. Sin embargo, cuando cambias a una lente de ángulo amplio, el sujeto se verá más pequeño y cuando la cámara se acerque lo suficiente como para compensar, la profundidad enfocada será la misma que antes, solo que ahora puede haber distorsión y profundidad exagerada también. Todo se reduce al tipo de toma que el director está tratando de capturar.

👁Nitidez

Por supuesto, no es necesario tener siempre todo lo más nítido posible en la imagen. Ciertamente, hay situaciones en las que el director querrá ver todo en la toma con claridad, por ejemplo, cuando muestra una acción generalizada como en un juego de pelota o cuando presenta un edificio interesante. Otro ejemplo es cuando el director quiere crear profundidad en la imagen al hacer que la toma incluya una persona cerca de la cámara y otra a cierta distancia, ambas muy enfocadas. Entonces, el operador de la cámara podría usar una lente de ángulo amplio, detenida hasta donde lo permitan los niveles de luz.

Sin embargo, habrá otros momentos en que el director quiera que la audiencia se concentre en un tema específico y no tenga en cuenta el entorno. Esto se puede lograr restringiendo deliberadamente la profundidad de campo o usando una abertura de lente más grande o un ángulo de lente más estrecho. Ahora, debido a la profundidad limitada del campo, el sujeto aparecerá nítido contra un fondo desenfocado, donde cualquier cosa que pueda confundir o distraer se funde en un borrón indistinguible.

🧐Dificultad de enfoque

A veces hay una profundidad de campo insuficiente para enfocarse claramente en todo el tema. Ese es un problema específico en tomas de primeros planos. Detener la lente hacia abajo ayudaría, por supuesto, pero puede que no haya suficiente luz para hacerlo sin subexponer la imagen. 

Si es imposible aumentar el nivel de luz, ¿qué se puede hacer? Hay varias soluciones disponibles. Sin embargo, ten en cuenta la palabra «compromiso»: los resultados pueden no ser siempre óptimos.

■ El mejor método puede ser enfocar la parte más importante del sujeto y dejar el resto desenfocado. Aunque esta situación no es ideal, es una forma de mostrar a los espectadores exactamente lo que quieres que vean.

■ Es posible dividir el enfoque y elegir una distancia de enfoque que mantenga a todos los sujetos claramente enfocados.

■ A veces es apropiado un enfoque de tiro o de tiro. Por ejemplo, supón que se graba a dos personas a diferentes distancias de la cámara y no es posible enfocarlas a ambas. El operador de la cámara podría comenzar enfocándose en la primera persona y luego, en el momento apropiado, cambiar el enfoque para enfocar en la segunda persona. El método dirige con éxito la atención de la audiencia, y el efecto puede ser dramático. Por lo tanto, es una técnica que debe reservarse para la ocasión correcta.

■ Idealmente, la situación puede mejorarse moviendo los sujetos o alterando la posición de la cámara, de modo que ambos estén aproximadamente a la misma distancia de la cámara y dentro de la profundidad de campo disponible.

▶ Profundidad limitada de campo

Si la profundidad de campo es demasiado limitada para tus proyectos, puedes hacer lo siguiente:

■ Detente. El aumento de la profundidad de campo requerirá un alto nivel de luz.

■ Centrarse en un sujeto. Deja que otros se ablanden.

■ Enfoque dividido. Extiende la profundidad disponible entre ambos sujetos (ahora ninguno es realmente nítido).

■ Acerque los sujetos juntos. De esta manera, estarán aproximadamente a la misma distancia de la cámara.

■ Use una lente de ángulo amplio. La profundidad del campo aumentará, pero el sujeto ahora aparecerá más pequeño.

🔍Preenfoque del zoom

El objetivo zoom es una herramienta perfecta para el operador creativo de la cámara, pero también tiene algunas trampas desagradables para los incautos. Al seguir una acción de movimiento rápido, el operador de la cámara puede encontrarse con dificultades.

Si las lentes de zoom no se han enfocado previamente en el sujeto al hacer zoom para un acercamiento, la imagen se puede desenfocar durante el movimiento del zoom desde la toma larga al primer plano.

■ La toma larga puede verse perfectamente enfocada. Sin embargo, esto se debe a la profundidad de campo creada por la lente de ángulo amplio.

■ A medida que la lente se acerca a un teleobjetivo (ángulo más estrecho), la profundidad de campo se vuelve mucho más restringida y es posible que la toma esté totalmente desenfocada.

■ El mejor método para mantener enfocadas las tomas con zoom es acercar el objeto, enfocar y luego alejar. Esto debería permitir al operador de la cámara acercar y alejar, manteniendo todo enfocado.

La profundidad de campo cambiará significativamente a medida que una lente de zoom se mueva a través de su rango de distancia focal. Cuando se aleja (vista de ángulo amplio), normalmente hay una profundidad de campo considerable disponible, y el enfoque es fácil. Por lo general, hay tanto aspecto nítido en la imagen que el operador de la cámara no puede juzgar exactamente dónde está el mejor enfoque. Pero amplía una toma de primer plano (teleobjetivo o vista de ángulo estrecho), y la profundidad del campo se vuelve relativamente poco profunda. De hecho, siempre existe el peligro de que, en lugar de enfocarse exactamente en el sujeto, la lente se enfocara realmente a una distancia más cercana o más lejana. 

En consecuencia, al acercar desde una buena toma larga y nítida a un primer plano, la imagen puede estar completamente desenfocada, y luego el operador de la cámara tiene que darse prisa para corregir el enfoque. Esto es especialmente tenso para producciones en vivo y en vivo.

La única solución a este dilema es recordar enfocar previamente el zoom, antes de tomar la foto. El operador de la cámara toma una foto de primer plano de prueba del sujeto inmediatamente antes para que el enfoque se pueda ajustar con nitidez, luego vuelve a enfocar la toma panorámica (sin cambiar la distancia), listo para comenzar a grabar la acción.

☀Exposición

⁉¿Qué es la «exposición»?

Cada cámara de video requiere una cierta cantidad de luz para funcionar de manera efectiva y producir imágenes de calidad. Sin embargo, los chips solo pueden manejar una gama limitada de tonos. Cuando las tomas contienen una amplia gama de tonos (valores de brillo), los directores no pueden esperar reproducirlas todas con absoluta precisión en la imagen final.

■ Si la cantidad de luz de una superficie excede el límite superior del chip (sensor de imagen), se reproducirá como blanco en la imagen de video. Se quemará o se quedará en blanco.

■ Por el contrario, cuando una superficie refleja muy poca luz, caerá más allá del límite inferior del sistema y se aplastará a un tono negro general.

El brillo promedio de la imagen de la lente que cae llega al chip está determinado principalmente por la apertura de la lente (f-stop). El objetivo es ajustar la apertura para que los tonos más importantes, generalmente las caras de las personas, sean claramente visibles. Este proceso se llama «ajustar la exposición«. La «exposición correcta» es una elección subjetiva.

Nadie puede juzgar si un tiro de película va a salir bien hasta que se haya procesado (desarrollado e impreso). Por lo tanto, es extremadamente importante para el cineasta calcular la exposición correcta antes de grabar; de lo contrario, secuencias enteras podrían estar muy equivocadas. (Incluso después de que el operador de la cámara haya calculado cuidadosamente la exposición, durante el proceso de impresión, los laboratorios pueden necesitar compensar las imprecisiones menores de la exposición).

Por otro lado, al realizar una producción de video, el operador de la cámara tiene la enorme ventaja de poder ver siempre la imagen en el visor o en la pantalla. El operador puede evaluar la imagen continuamente y, si está sobreexpuesta o subexpuesta, puede compensarla de inmediato. En la producción de video/televisión, la cámara misma es el medidor de luz. Solo hay algunas situaciones en las que es necesario medir los valores de luz:

■ Cuando se ajustan las intensidades de luz para adaptarse a la apertura de lente elegida (como guía general, la sensibilidad de la cámara de video es aproximadamente equivalente a una velocidad de película de ASA / ISO 100). Para verificar la intensidad de la luz existente (niveles de luz incidente) antes de ajustar la apertura de la lente para adaptarla.

■ Para verificar si la intensidad y el contraste de la iluminación son razonablemente consistentes en toda el área de acción para varias posiciones de cámara. Si no son consistentes, será necesario reajustar la exposición de la cámara a medida que se mueve.

Tomemos un ejemplo práctico. El operador de la cámara graba a alguien que se destaca en la luz del sol. Él o ella ajusta la exposición alterando la apertura de la lente hasta que la persona se vea bien en el visor o, mejor aún, en un monitor de imagen de alto grado. Los tonos de la cara del sujeto, en particular, parecen bastante naturales, ni muy claros ni muy oscuros. Sin embargo, la camisa blanca del sujeto se ve desteñida y no tiene detalles, o tal vez los pantalones del sujeto se ven negros, sin signos de modelado en el material. El director podría estar dispuesto a aceptar estos resultados, a menos que se trate de una sesión de moda, para mostrar la calidad y el atractivo de la ropa.

No esperes mostrar siempre una buena gradación tonal en todo en la escena. Por lo general, habrá algo en la toma que se trasnformará a blanco o negro. El éxito de la exposición dependerá no solo del rango de los tonos que aparezcan, sino también del efecto que el director quiera capturar. El director puede querer subexponer deliberadamente una imagen para que se vea más oscura y misteriosa. O él o ella pueden sobreexponer una toma de la orilla del mar para crear un efecto clave.

Es más fácil controlar los tonos en un estudio alterando la iluminación o ajustando la apertura. Pero en otros lugares, particularmente en la ubicación, el operador de la cámara puede tener que aprovechar al máximo lo que está disponible, y en ocasiones la apertura de la lente seleccionada puede ser algo comprometida.

Si partes de la escena de ubicación aparecen como grandes áreas en blanco o negro vacias en la imagen, puede que no haya mucho que pueda hacer al respecto. El remedio obvio es volver a encuadrar la toma o cambiar la posición de la cámara para mantener las duras áreas blancas o negras fuera de la imagen por completo. 

Si hay equipos de iluminación disponibles, es posible aclarar los tonos más oscuros o las áreas sombreadas. Ocasionalmente, las superficies problemáticas se pueden enmascarar (haga que alguien esté en primer plano para ocultar una gran pared blanca en blanco). Si el objeto que llama la atención es pequeño, como el sol reflejado en el espejo de una mesa, es posible volver a colgarlo o quitarlo por completo. Una vez más, elegir la exposición óptima puede implicar una cierta cantidad de compromiso.

🌥Subexposición y sobreexposición🔥

Cuando una imagen está subexpuesta, todos sus tonos aparecerán mucho más oscuros. Los resultados suelen ser aburridos y sin vida. Los detalles y el modelado pueden ser claros en tonos claros (incluso más claros de lo habitual), pero las áreas medias a oscuras se ven turbias y se funden en negro.

También vale la pena recordar que cuando la cámara recibe luz insuficiente de la escena, también se pueden desarrollar otros defectos de la imagen, como el retraso (manchas en el movimiento) y el ruido de la imagen.

Para arreglar la subexposición, abre la apertura de la lente hacia arriba para proporcionar a los chips (sensor de imagen) de la cámara una imagen de lente más brillante. (Por supuesto, esto reducirá la profundidad del campo hasta cierto punto y podría dificultar el enfoque, especialmente cuando se usa una lente de ángulo estrecho).

El aumento de la ganancia de video en una cámara no compensa realmente cuando el sensor de la cámara no recibe suficiente luz para un rendimiento máximo; simplemente aumenta la señal de video. Sin embargo, sin duda mejorará la imagen, tal vez incluso haciendo que se vea brillante y bien contrastada.

 La desventaja de la ganancia de video es que la calidad de la imagen se deteriora a medida que se establece la ganancia.

Cuando una imagen está sobreexpuesta, todos sus tonos aparecerán inusualmente claros. Incluso los tonos bastante claros en la escena se bloquearán, mientras que las áreas más oscuras de la escena a menudo serán más fáciles de discernir de lo normal. Parar un poco mejora la reproducción en tonos claros, pero reduce la visibilidad de las sombras. Sin embargo, es imposible compensar electrónicamente las áreas excesivamente sobreexpuestas o subexpuestas. Permanecerán menos detalles. Nuevamente, bajar la configuración de ganancia de video no es una buena solución. Simplemente reducirá el brillo general de la imagen.

🔅Exposición automática

Si juzgar la exposición es una cuestión artística, ¿cómo es que tantas cámaras de video utilizan un iris automático la mayor parte del tiempo? 

Dejando de lado a aquellas personas que de otra manera serían descuidadas con la exposición, el autoiris (CCTV) es una herramienta útil cuando estás en un lugar difícil. Ajusta continuamente la apertura de la lente para mantener una señal de video promedio.

En condiciones de locación típicas, ya sea afuera o adentro, los niveles de luz pueden cambiar considerablemente a medida que cambia el punto de vista de la cámara. Si caminaras por un lugar con un medidor de luz, probablemente verías que su aguja rebota hacia arriba y hacia abajo cada vez que cambiaba de posición. Es posible que sea necesario detener la cámara hasta f/16 en un patio iluminado por el sol, pero abrirla hasta f/2 dentro de una casa.

Estrictamente, si la cámara necesita seguir junto con la acción que se mueve desde el exterior hacia el interior, entonces el operador de la cámara debe vigilar el visor y ajustar la exposición para que coincida con los diferentes niveles de luz.

Algunos se preguntarán, si los operadores de cámara ya tienen que seguir el enfoque mientras se mueven y mantener la toma correctamente enmarcada, ¿cómo pueden ajustar la exposición al mismo tiempo? Es por eso que incluso los operadores de cámaras con experiencia en estas condiciones pueden dejar la exposición al iris automático y concentrarse en enfocar y componer la imagen.

Idealmente, la apertura de la lente está configurada para la exposición correcta del sujeto principal. Si el mismo sujeto aparece en una sucesión de tomas en la misma escena, la exposición debe ser constante, no cambiar, ya que los tonos de fondo incidentales varían. Sin embargo, los cambios de este tipo son inevitables cuando se usa un iris automático.

Es fácil engañar a un iris automático. Si se introduce un tono más claro en la toma (por ejemplo, el sujeto abre un periódico o se quita una chaqueta para revelar una camisa blanca), el iris se cerrará un poco y oscurecerá todos los demás tonos de la imagen, incluida la cara del sujeto. 

Elimina el área clara de la toma, o aléjala, y el iris automático se abrirá. Los tonos de la imagen se aclararán. Tome una toma larga, y los tonos de la cara pueden parecer oscuros, pero haga zoom en la imagen a una toma cercana, y debido a que ahora se excluyen otros tonos de imagen, la cara se reproduce mucho más clara.

Bajo ciertas condiciones, el iris automático también puede causar una subexposición grave. Normalmente, si se está grabando dentro de una habitación, el sistema se abrirá y producirá imágenes bien expuestas. Sin embargo, supón que la persona que está filmando se mueve hacia una ventana. El iris automático verá la intensa luz del día y detendrá la lente. Como resultado, la persona ahora podría aparecer como una silueta, mientras que el cielo puede estar bien expuesto.

Algunas cámaras tienen un control de luz de fondo que se puede encender cuando el fondo es brillante en la imagen. Esto abre el iris una parada arbitraria más o menos por encima de la configuración del iris automático para mejorar la exposición del sujeto. Esto puede sobreexponer las áreas más claras, pero el sujeto ahora estaría mejor expuesto.

Aunque el sistema de iris automático tiene sus propios problemas, estas variaciones a menudo son preferibles a las imágenes muy sobreexpuestas o subexpuestas. Y en la práctica, pueden ser demasiado pequeños para preocuparse o incluso pasar desapercibidos para el espectador. Sin embargo, todavía están allí. Su decisión sobre cómo responder a estos desafíos depende de cuán crítico sea el resultado final.

⚙Ajustes de cámara

Los fabricantes crean un valor predeterminado que le dará al operador de la cámara la mejor configuración promedio. En general, estos ajustes producen una buena imagen. Sin embargo, hay momentos en que algunos ajustes pueden generar imágenes excelentes. Nuestras impresiones de calidad de imagen son muy subjetivas. Es sorprendente la frecuencia con la que preferimos una imagen que se vea un poco más cálida o que tenga un contraste ligeramente exagerado en comparación con la escena original.

Los ajustes más comunes de la cámara se relacionan con la lente, el enfoque, la apertura de la lente, el obturador, la ganancia de video y el balance de blancos. 

Estos cambios generalmente se pueden completar en la cámara o con una unidad de control de la cámara. Dentro de ciertas limitaciones, casi todas estas áreas también se pueden ajustar con el software de edición. La calidad de imagen se puede modificar de varias maneras, para una toma específica o quizás para una escena completa:

■ Nitidez. La nitidez se puede ajustar (o manipular) mediante el uso de filtros de efectos especiales (niebla, enfoque suave, ondulación, etc.) y desenfocando la lente.

■ Brillo. El brillo se puede ajustar con la apertura del objetivo o la ganancia de video.

■ Rango tonal y contraste. El tono y el contraste pueden modificarse ajustando la gamma (las configuraciones de gamma más altas producen un contraste más grueso y exagerado; las configuraciones más bajas dan como resultado contrastes tonales delgados y reducidos). Bajar el nivel de negro de la imagen mueve todos los tonos de la imagen hacia el negro y aplasta los tonos más bajos. Elevar el nivel de negro aclara todos los tonos de la imagen, pero no revela detalles en los tonos más negros.

■ Intensidad de color. El aumento de la saturación enfatiza la fuerza del color. La saturación reducida (diluyendo con blanco) da un efecto más pastel.

■ Fijación del color. Para simular un incendio o la luz de la luna o hacer una imagen más cálida o más fría, puede ser suficiente grabar con filtros o geles de temperatura de color «incorrectos». De lo contrario, el balance de color se puede cambiar ajustando la ganancia de video, el balance de blancos, el nivel de negro o la gama de los canales de color rojo, verde o azul.

🎛Configuración de la cámara

🔩Soluciones prácticas

Cuando se graba una escena que contiene una variedad de tonos, puede que no sea posible acomodar todo el rango. Hay momentos en que el director puede tener que aceptar que las áreas más claras u oscuras se perderán en reflejos o sombras sin detalles. Sin embargo, se pueden utilizar algunas otras opciones para mejorar la imagen en algunas situaciones limitadas.

🌈Filtros graduados

Al grabar en el campo, hay momentos en los que encontrará que el sujeto principal está expuesto adecuadamente, pero los cielos distantes son demasiado brillantes y distraen. Esto puede ser un problema particular cuando los sujetos de primer plano son de tonos oscuros.

Un filtro graduado a menudo puede ayudarlo a superar este dilema. Su sección superior tiene un tinte gris neutro, que reduce el brillo de la imagen en esa parte de la imagen. Por lo tanto, «retendrá» los cielos sobrebrillados mientras deja sin afectar nada en la sección inferior clara.

Los filtros graduados tienen una transición tonal gradual, dando una mezcla suave entre las áreas tratadas y no tratadas. También hay filtros graduados que pueden usarse para crear un efecto deliberado. La mitad del filtro puede ser naranja y la otra mitad transparente o teñida de azul. Algunos filtros de color tienen una banda central de color naranja o amarillo horizontal, que, con cuidado, puede simular el efecto de una puesta de sol.

Las principales desventajas de este dispositivo que de otro modo sería útil son las siguientes:

■ El filtro no funcionará para cada toma; solo funciona en situaciones específicas.

■ No puede girar ni inclinar la cámara cuando usa este filtro o el efecto será obvio para el espectador.

📶Ajustes tonales

¿Con qué éxito puede una cámara reproducir la escena que se está filmando? 

Por lo general, se espera que los tonos que se ven en la pantalla se correspondan exactamente con los de la escena. Sin embargo, en la práctica, el video tiende a exagerar o reducir los contrastes tonales aparentes en la imagen reproducida. En los extremos más claros y más oscuros, el video no puede distinguir entre sutiles diferencias de brillo, por lo que esos tonos aparecen fusionados en sombras densas o reflejos en blanco.

Como vimos anteriormente, si hay dificultades para ver detalles o diferencias tonales en las sombras, tratar de mejorar las cosas abriendo la apertura de la lente probablemente sobreexpondrá los tonos más claros. La amplificación de video adicional tampoco ayudará. Algunas cámaras incluyen un control de estiramiento negro, que aclarará los detalles de las sombras y mejorará la gradación tonal en tonos más oscuros. Incluso puede haber un circuito de cámara correspondiente para mejorar la reproducción de los tonos más claros.

🎥Manejo de la cámara

🏖Panorámica e inclinación

Si no es posible obtener una imagen suficientemente amplia del sujeto para mostrarlo por completo, o si la vista distante no tiene suficientes detalles, hay dos soluciones generales. La primera posibilidad es que se puedan tomar una serie de tomas separadas, que luego se editan para crear una imagen general en la mente de su audiencia. Sin embargo, cuando desarrolle esta secuencia, evite acumular una colección desunida y aleatoria de imágenes.

Alternativamente, la cámara se puede girar o inclinar con cuidado y sistemáticamente sobre la escena para relacionar varias partes. Sin embargo, tenga cuidado de evitar una serie de sartenes breves o erráticas o sartenes «vacías» que deambulan por cosas sin importancia. 

Cada panorámica debe tener un propósito claro y terminar estableciéndose en una característica interesante de la escena. Sobre todo, evite desplazarse de lado a lado sobre la escena. Aunque esto puede ser una gran tentación, no es probable que use estas secuencias cuando vea los resultados.

Al igual que todas las cámaras, la panorámica y la inclinación deben ser suaves y controladas. Sobre todo, evite sobrepasar, como ir más allá del punto final y luego tener que corregir el tiro invirtiendo un poco la panorámica. Llama la atención sobre el error. 

Idealmente, cada movimiento debe llevarse a un acabado suave. Si la panorámica tiene un inicio o un final desigual, está indecisa, su velocidad es desigual o se mueve hacia arriba y hacia abajo, el resultado se verá crudo en la producción terminada.

No caigas en la tentación de desplazarte o inclinarte demasiado rápido porque la imagen puede convertirse en un desenfoque indescifrable. La mayoría de nosotros caemos en esa trampa cuando primero fotografiamos un paisaje. Nos desplazamos rápidamente, tratando de mostrar todo, solo para encontrar que el resultado en la pantalla es extremadamente decepcionante a medida que los detalles se rompen («estroboscopio») durante el movimiento.

Intenta desplazarte o inclinarte por una escena para que un objeto demore aproximadamente 5 segundos en viajar de un borde de la pantalla al otro. Esa es la tasa más rápida que se puede usar para evitar la ruptura del movimiento. Hay situaciones en las que se puede usar deliberadamente un barrido de latigazo (whip pan en inglés) para obtener un efecto dramático sorprendente, pero la técnica rara vez se usa.

Si se requiere una cámara de mano para seguir la acción en un amplio arco, los operadores de la cámara no deben tratar de girar sus cuerpos sobre sus talones. En cambio, el cuerpo debe estar orientado hacia la mitad de la acción, listo para hacer un movimiento suave y equilibrado, y el operador de la cámara girará su cuerpo para seguir la acción. El resultado será mucho más controlado. Mantener las rodillas ligeramente dobladas también puede ayudar. Cuando use un trípode, recuerda verificar que esté nivelado antes de la panorámica, o el encuadre puede moverse hacia arriba o hacia abajo durante la panorámica.

🦘Seguir sujetos en movimiento

Tomar muchas fotos de un sujeto en movimiento es mucho más que simplemente poderlo seguir. Tratar eficazmente con una cámara en movimiento es la diferencia entre un buen operador de cámara y un gran operador de cámara.

Cuando uno sostiene una cámara con la mano, cualquier cosa que se mueva en la toma puede alcanzar rápidamente el borde del encuadre y desaparecer de la vista, especialmente si se mueve rápidamente en una toma «ajustada» que ocupa la mayor parte de la pantalla. Hay varias formas de lidiar con esta situación:

■ Se puede permitir que el sujeto en movimiento se salga completamente del encuadre. Esta es una buena idea si el director quiere que la atención de la audiencia pase a un nuevo tema.

■ El operador de la cámara puede ampliar la toma alejándose o retrocediendo para incluir el movimiento. A menudo, esta es la mejor solución si alguien camina de un lado a otro o agita los brazos.

■ El operador puede girar o inclinar la cámara para mantener al sujeto en la toma (por ejemplo, para seguir a alguien mientras la persona se mueve por una habitación). Sin embargo, no uses un tiro demasiado cerca aquí. No solo el sujeto se verá apretado en el cuadro, sino que también será difícil seguir la acción sin problemas.

■ La posición de la cámara se puede mover, como un arco, para que el sujeto permanezca en la toma.

■ La cámara puede moverse junto con el sujeto, como una toma de seguimiento, manteniendo al sujeto en el cuadro durante toda la acción.

■ En lugar de seguir el movimiento, puedes dejar que salga del marco y luego retomar la acción desde un nuevo punto de vista.

Si se usa una sola cámara para cubrir la acción, el operador de la cámara necesitaría detener la grabación, pasar a la siguiente posición, configurar la nueva toma y comenzar a grabar nuevamente. Mientras tanto, se ha perdido parte de la acción, a menos que, por supuesto, la acción se pueda repetir. En esa situación, la acción comienza nuevamente justo antes de mover la cámara a la segunda posición. 

Si se utilizan dos o más cámaras, no se debe perder ninguna acción; simplemente corta a la segunda cámara en el momento correcto.

Todos estos métodos funcionan. El operador de cámara o el director deben considerar cuál es el más apropiado, tanto artística como prácticamente.

🔁Movimiento de encuadre

A primera vista, parece lógico mantener un sujeto en movimiento exactamente en el medio de la imagen. Sin embargo, la imagen se verá desequilibrada y aburrida. 

En cambio, cuando te desplaces con un sujeto en movimiento que corra hacia algo, coloca el sujeto un poco detrás del centro del encuadre. Si el sujeto está huyendo de algo (como un ladrón en una escena de persecución policial), mantén el sujeto justo sobre el marco central. La imagen se verá más dinámica: cuanto más rápido sea el movimiento, mayor será el desplazamiento. Lo más importante, no permitas que el sujeto «se mueva alrededor del Cuadro» a través de una planificación desigual.

📹Caminar con la cámara

Grabar con la mano es difícil. A menos que el director busque un estilo de cámara rebote, sujetar una cámara requiere mucha práctica. No es tan fácil como parece mantener el nivel de la cámara estable y tomas bien compuestas en un enfoque nítido.

Cuando el sujeto se aleja, la respuesta obvia es que el operador de la cámara camine con la persona o sujeto. Sin embargo, esto puede ser un problema importante. 

La ruta debe verificarse con anticipación para garantizar que no haya alfombras, escalones, cables, personas o postes en el camino. El operador de la cámara podría enfrentar fácilmente peligros invisibles mientras se concentra en la imagen del visor. 

Es por eso que los operadores de cámaras experimentados desarrollan hábitos de mirar alrededor (para ver su entorno y la acción cercana) y mantener ambos ojos abiertos cuando se usa un visor ocular. 

La mejor estrategia y más segura es utilizar un asistente de cámara que pueda sacar a las personas del camino del operador de la cámara o guiarlo por obstáculos problemáticos.

Siempre hay una cierta cantidad de rebote en la toma de la cámara mientras el operador de la cámara camina, especialmente si se mueve rápidamente. Esta irregularidad puede no ser importante o incluso dramática si la cámara sigue los movimientos de alguien sobre terreno irregular, a través de una multitud o a través de un bosque. Pero puede ser una distracción cuando el operador camina dentro de un edificio.

Si se requieren tomas en movimiento, particularmente sobre terreno irregular, la forma más práctica de evitar el rebote de la cámara es conectar la cámara a una unidad estabilizadora como la Steadicam. Este soporte para cámara compensa los movimientos irregulares. También hay varias formas de estabilización de imagen óptica o electrónica, que disminuyen las vibraciones y suavizan las variaciones.

🚙Grabar desde vehículos

Siempre que grabes desde cualquier vehículo, hay una serie de puntos que vale la pena tener en cuenta:

■ Resiste la tentación de descansar la lente o la cámara sobre el vidrio o el cuerpo del vehículo, ya que la vibración puede dañar el equipo y desenfocar las imágenes.

■ Las ventanas manchadas, con manchas de lluvia, polvorientas o tintadas pueden degradar significativamente la calidad de la imagen, especialmente si la luz del sol cae sobre ellas. Las imágenes mostrarán un contraste plano, manchas desenfocadas y valores de color cambiantes que se vuelven particularmente obvios cuando se editan con otras tomas.

La posición de la cámara en el vehículo influirá en el impacto de la audiencia sobre las imágenes. Mirando hacia adelante, los sujetos parecen moverse hacia la cámara, cada vez más cerca y cada vez más claros. Este es un punto de vista poderoso que proporciona un interés continuo. Sin embargo, una vista posterior muestra todo lo que se aleja de la cámara, y el interés de la audiencia tiende a disminuir. 

Tan pronto como algo entra en acción, rápidamente se vuelve demasiado pequeño para ver correctamente. Las ventanas laterales son útiles para fotografiar sujetos distantes, pero cualquier cosa cercana se mueve rápidamente fuera de foco por la pantalla.

Grabar a alguien dentro de un automóvil en movimiento requiere una cierta agilidad. 

Una lente de ángulo amplio (enfoque corto) es esencial porque permite al operador de la cámara obtener tomas suficientemente amplias del conductor. Las posiciones típicas de la cámara incluyen lo siguiente: sentado al lado del conductor, agachado en el espacio para los pies del pasajero o inclinado desde un asiento trasero. Las cámaras también se pueden montar fuera del automóvil, utilizando soportes atornillados o ventosas por ejemplo.

🎬La grabación de tomas

🔩Condiciones prácticas 

No existen «reglas» absolutas para grabar imágenes efectivas. De hecho, si las imágenes se organizan de manera demasiado sistemática, los resultados pueden parecer aburridos y artificiales. Pero hay una serie de situaciones que deben evitarse.

Durante un horario de rodaje ocupado, generalmente no hay tiempo para experimentar con la composición de cada toma. Muchas veces, se deben tomar decisiones rápidas porque se está desarrollando un evento en vivo, puede haber fechas límite de producción o transmisión, el equipo está a la espera y, desde un punto de vista práctico, el tiempo es dinero. Por lo tanto, generalmente se ejerce presión para tomar decisiones rápidas. Sin embargo, si el operador y el director de la cámara entienden los conceptos básicos de composición, sabrán qué buscar y se darán cuenta de cómo ajustar la toma para obtener el efecto más apropiado. Una vez que los operadores de cámara reconocen las características que hacen que las imágenes no tengan éxito, y muchas son una cuestión de sentido común, las evitarán instintivamente.

A diferencia de un pintor, que puede organizar objetos en el lienzo para adaptarlos a sus ideas, un operador de cámara de video generalmente tiene que aprovechar al máximo lo que ya existe. Pero eso no significa que lo que ve el espectador no se pueda controlar. 

El director y el operador de la cámara pueden hacer mucho para cambiar el atractivo de una imagen. Pueden seleccionar el punto de vista con cuidado, elegir el ángulo de lente apropiado o controlar la forma en que se encuadra la toma. A veces pueden reposicionar el sujeto o algunos de los objetos para mejorar aún más la imagen.

✅Seleccionar las tomas correctas

Ya sea que estés filmando una producción de cámara única o multicámara, se debe crear una secuencia de flujo suave que tenga sentido para el público. Esto no sucederá automáticamente.

Lo peor que se puede hacer es tomar una serie de «buenas tomas» aleatorias del sujeto sin pensar en cómo se interrelacionarán en la pantalla. La planificación es esencial antes de que comience el rodaje. Pensar en las tomas requeridas y cómo se pueden componer por adelantado ahorrará tiempo para todos una vez que se comience la producción. También permite más tiempo de producción, ya que se dedica menos tiempo a experimentar e intentar tomar una decisión.

👁Tomas persuasivas

La creación de imágenes no se trata de crear bellas imágenes; se trata de proporcionar imágenes apropiadas. Incluso puede haber momentos en los que se introduce deliberadamente una toma para sorprender a la audiencia con la dura realidad. La cámara “glamuriza” fácilmente. 

Una escena de descomposición escuálida puede convertirse en una visión de texturas y matices interesantes a la luz del sol.

Una secuencia de tomas bien elegida debe hacer más que solo ilustrar el tema para la audiencia. 

Las imágenes elegidas y ordenadas expresan un punto de vista; muestran cómo el director ha interpretado la situación, qué quiere decir al respecto. De eso se trata la creación de programas. Es casi como si el director estuviera al lado de los espectadores, guiando sus elecciones e interpretaciones de los eventos.

Al mostrar a la audiencia imágenes de un bullicioso mercado, el director ofrece una invitación tácita: «Mira a tu alrededor cualquier cosa que te interese». Sin embargo, con mayor frecuencia, el director quiere llamar la atención del público sobre ciertos aspectos de una escena. 

El director está seleccionando tomas que invitarán a la audiencia a concentrarse en una característica interesante: “Mira cómo este objeto difiere de ese. Observa los detalles complejos en este punto”. O en otra ocasión, el director podría estar diciendo: “Mira cómo reacciona ella a lo que dijo. Mira lo que ella está haciendo. Mira cómo lo está haciendo «.

🔜Guiar al espectador a través de la escena

A medida que aparece cada toma en la pantalla, el público lo ve y escucha por primera vez. En un instante, la audiencia tiene que interpretar lo que el director ha seleccionado para poner allí. No es sorprendente que los espectadores puedan confundirse ocasionalmente.

A menos que el director sea cuidadoso, la audiencia puede «mirar lo incorrecto», es decir, la atención del espectador podría centrarse en otra cosa en la imagen que sea más prominente, más colorida o más interesante.

La duración de una toma también es importante. Si el director se aferra a cualquier toma durante demasiado tiempo, la audiencia comenzará a perder interés. Si las tomas son demasiado breves, pueden pasar rápidamente por los ojos del espectador sin entrar en el cerebro.

La duración de una toma también es importante. Si el director se aferra a cualquier toma durante demasiado tiempo, la audiencia comenzará a perder interés. Si las tomas son demasiado breves, pueden pasar rápidamente por los ojos del espectador sin entrar en el cerebro.

El objetivo del director es ayudar a los espectadores a comprender, guiar sus pensamientos, ya sea que la escena describa un proceso técnico o cuente una broma. El director no quiere confundirlos o distraerlos por irrelevancias. Es importante presentar una secuencia lógica de ideas que la audiencia pueda seguir fácilmente. 

El público no puede dejar de preguntar qué quería decir el director o volver a leer lo que se dijo. Los espectadores tienen que entender el punto por primera vez.

Si el director no se toma la molestia de elegir las tomas con cuidado, las personas deben mirar alrededor de cada imagen, tratando de decidir de qué se trata, correcta o incorrectamente. Si no tienen idea de lo que se supone que están mirando (o no les parece interesante), verán lo que les llame la atención. Las imágenes aleatorias producen pensamientos aleatorios.

Ocasionalmente, el director puede querer desconcertar o intrigar a la audiencia para crear una acumulación dramática o tensión cómica. La cámara entra en una habitación tranquila. Los espectadores quedan maravillados; ven la amenazante sombra de alguien parado allí, pero un momento después se dan cuenta de que solo proviene de prendas en un perchero. Han sido engañados.

Pero, en la mayoría de las situaciones, si la audiencia se queda perpleja, preguntándose dónde está la sombra, o qué se supone que es, o por qué se han alejado de algo que encontraron interesante para esta nueva escena inexplicable, entonces algo está muy mal. Algunos directores hacen esto con demasiada frecuencia cuando intentan introducir alguna variedad o hacer algo diferente. La toma corta a un edificio reflejado en un charco, a algunas flores en el camino, a un perro que duerme junto a la carretera, o a alguna otra imagen que parece no tener nada que ver con la historia. Incluso grabar al sujeto a través de una pantalla decorativa de primer plano puede ser desconcertante a veces.

Mirando críticamente las técnicas de producción, uno pronto descubre las tendencias actuales. Puede que al principio sean interesantes o interesantes, pero pronto degeneran la calidad final del programa:

■ Música ruidosa con un ritmo fuerte introducido para su propio atractivo, pero sin relación con el tema del programa.

■ Una destacada letra de canción repetida que solo tiene una conexión engañosa con el tema del programa

■ Una rápida sucesión de tomas aparentemente no relacionadas, cortadas al ritmo de la música rápida.

■ Movimiento constante dentro y fuera de las tomas de la audiencia para capturar reacciones

■ Gráficos de computadora largos al comienzo de un programa que dan como resultado que las tomas de apertura de la producción se conviertan en un anticlímax

■ El uso continuo de tomas superficiales que interrumpen el flujo del programa.

Si una toma es apropiada y avanza la historia, puede ser tan inusual como le guste al director. Pero si la audiencia se distrae o comienza a pensar en lo interesante que es la toma en lugar de enfocarse en el tema, entonces el experimento ha fallado.

💫Desorden

Si la atención de la audiencia no se dirige a características específicas de la escena, es probable que los espectadores vean lo incorrecto o se aburran.

Cuando una imagen está absolutamente llena de cosas (una multitud de personas, estantes de artículos o una pared de pinturas), es difícil para el espectador concentrarse en cualquiera de ellas correctamente, o incluso verlas con claridad. El director puede estar tratando de decir: «¿No hay muchas versiones diferentes?» o «¡Mira lo grande que es la colección!» Sin embargo, los espectadores podrían terminar sintiéndose como si se hubieran perdido, especialmente cuando no pueden ver ninguno de los elementos con claridad.

A menudo es mucho mejor aislar el elemento que la audiencia necesita ver:

■ Acércate (encuadre más ajustado).

■ Cambiar el punto de vista de la cámara.

■ Utiliza una profundidad de campo poco profunda, de modo que solo el sujeto principal esté enfocado.

■ Separarlo del resto.

■ Usa tonos contrastantes.

■ Usa líneas compositivas fuertes.

■ Coloca el sujeto más alto en el cuadro.

■ Utiliza la iluminación para aislar el elemento (grupo de luces, sombras).

🌤Difícil visibilidad

Habrá momentos en que el director deliberadamente se propondrá intrigar, desconcertar y mantener al público adivinando qué está pasando. 

Se puede usar difusión o iluminación dramática para hacer que el sujeto se vea extraño, misterioso o simplemente diferente. Pero estas son las excepciones. La mayoría de las veces el director querrá que la audiencia vea el tema claramente.

Está atento a los momentos en que el espectador no puede ver aspectos importantes del programa porque la toma está demasiado distante, o algo está sombreando al sujeto, o incluso el pulgar de alguien está sobre la etiqueta que se supone que los espectadores deben leer.

Las tomas en primer plano son excelentes para mostrar detalles. Pero a veces una toma cercana puede evitar que la audiencia vea suficiente del tema. Puede mostrar algunos engranajes, cuando la audiencia realmente necesita ver mucha más maquinaria para comprender cómo funciona.

Aunque todas estas situaciones son obvias, los problemas de este tipo ocurren regularmente.

🏙Composición de imágenes

📙Normas y directrices 

El objetivo de la composición es crear una imagen que sea atractiva o que al menos capture y mantenga la atención de la audiencia y comunique de manera efectiva el mensaje de la producción. 

A lo largo de los años, se han establecido una serie de «reglas» de composición. Sin embargo, la palabra «reglas» no es realmente apropiada para la composición; deben ser tratados como pautas. Están diseñados para ser adaptados, o incluso rotos. La televisión sería aburrida si todos compusieran todas las tomas de la misma manera. Su objetivo debe ser buscar formas imaginativas para adaptarse o aprovechar estas reglas o pautas. No dejes que aprisionen tu creatividad; en cambio, deja que te motiven e inspiren.

Composición de la toma

La buena composición no tiene que ser difícil. Sin embargo, se necesita una planificación cuidadosa para obtener la mejor imagen. Aquí hay algunos factores clave a considerar que asegurarán que tus imágenes comuniquen efectivamente el mensaje de la producción:

■ Simbolismo. ¿La imagen tiene significado para el espectador? Cuando los espectadores ven la imagen, ¿en qué piensan inmediatamente? ¿Es eso lo que estás tratando de comunicar?

■ Contexto significativo. El contenido de la imagen debería permitir al espectador comprender mejor el tema. Compón la toma de tal manera que incluya un fondo o primer plano que agregue información adicional o contexto a la imagen.

■ Movimiento y emoción. Las imágenes de video deberían darle al público la misma respuesta emocional que tuviste durante el rodaje. ¿La imagen retrata emoción o movimiento de alguna manera?

▶Toma breve

Cuando miramos una imagen fija, ya sea en la página impresa o colgada en una galería de arte, existe la oportunidad de demorarnos. Podemos examinarlo todo el tiempo que queramos.

En una pantalla de televisión, las tomas no fomentan la navegación o exploración. Cada una está allí solo por un breve tiempo, desde una fracción de segundo hasta quizás medio minuto como máximo. Luego otra lo reemplaza. Cada toma tiene que hacer su punto rápidamente. Cada una crea su propio impacto.

▶Toma aburrida

¿Qué hace que una toma sea aburrida? Mucho depende de la actitud de la audiencia hacia lo que están viendo. Cualquier toma es aburrida cuando alguien personalmente encuentra poco valor al mirarlo o si a la audiencia no le importa saber quiénes son las personas, dónde están o qué están haciendo. Es por eso que los videos de vacaciones de otras personas pueden carecer del atractivo que tienen para quienes las tomaron.

Una toma puede parecer mostrar solo un tramo aburrido del océano. Pero si el comentario nos dice: «En este lugar peligroso, después de años de minuciosa exploración, los buzos encontraron el barco del tesoro español», miramos la imagen con nuevos ojos, ¡aunque en realidad no hay nada especial que ver! Sin la influencia del comentario, tales tomas podrían ser un aburrimiento instantáneo. Pero porque nuestro interés se despierta, y las imágenes están allí por poco tiempo, atraen y atraen nuestra atención.

Por lo tanto, el atractivo de cualquier imagen depende en parte de lo que muestra, en parte de lo que se trata y en parte de cuán interesado se ha persuadido a la audiencia para que esté en ella.

Una toma de desierto abierto puede palidecer rápidamente, pero cuando el público ve una pequeña forma en movimiento en la distancia, se despierta su curiosidad. 

¿Qué sucede si el director continúa manteniendo esa toma? Por lo general, las personas pierden interés. Pero en diferentes circunstancias, mientras ven exactamente la misma toma, pueden estar al borde de sus asientos, esperando quizás descubrir cuál de los viajeros ha logrado sobrevivir. Si hay demasiado para ver en la imagen, el ojo gira alrededor con esperanza pero probablemente termina concentrándose en nada. Si hay muy poco en la toma, la atención pronto cae.

Cuando no hay acentos visuales para captar la atención, el ojo deambula. Pero si las cosas se pueden organizar de modo que el tema principal se destaque de su entorno, entonces el público se concentrará en él y es menos probable que vea otras cosas en la imagen.

▶Tomas diferentes

Es tentador idear tomas que sean diferentes, tomas que hagan que el ojo se detenga y se maraville. 

Las perspectivas muy distorsionadas desde una lente de ángulo amplio cercana, tomas de ángulo muy bajo o imágenes que usan reflejos extraños están bien cuando las necesita para un efecto dramático o cómico. Pero los puntos de vista extremadamente inusuales no solo hacen que una imagen se vea diferente, sino que también llaman la atención sobre sí mismos. Pueden distraer al público del tema real.

▶Acomodando el encuadre

La pantalla del televisor tiene una forma rectangular horizontal, y muchos sujetos se ajustan cómodamente a este formato. Por lo tanto, podemos obtener un primer plano de ellos, llenando toda la pantalla, sin perder partes fuera del área del marco.

Otros son demasiado altos para la pantalla. Por lo tanto, se pueden mostrar completamente solo a través de una toma larga, o se pueden rodar en secciones, ya sea al hacer una panorámica sobre ellos o al cortar entre una serie de primeros planos. A veces, cuando el sujeto no cabe en la pantalla, se debe seleccionar un punto de vista oblicuo para que todo quede en la imagen.

A medida que la cámara se acerca, es probable que se pierdan partes del sujeto fuera del marco de la imagen. La mayoría de los receptores de televisión se ajustan para obtener el tamaño máximo de imagen posible, por lo que cortan los bordes de la toma. Para asegurarse de que el público no se pierda nada importante, como la titulación, es importante componer la toma para mantener estos detalles dentro del «área segura» de la pantalla.

Si se graba a una persona para que el marco se corte la cabeza, las manos o los pies, el resultado parece extraño. Pero si altera ligeramente la toma para que el marco se corte parcialmente a lo largo de las extremidades del individuo, el efecto puede parecer mucho más natural.

🚹Enmarcando a personas

■ No permitas que el cuadro corte a las personas en las articulaciones naturales; es más atractivo cortar en puntos intermedios.

■ Evita que las personas parezcan inclinarse o sentarse en el borde de la imagen.

■ Si la toma se eno y saliendo de la imagen. El resultado es desconcertante y distractor.

Es interesante ver cómo el marco de la pantalla afecta lo cómodos que nos sentimos con la imagen. Si se toma una foto en la que el sujeto solo llena la pantalla, se verá apretada y doblada por el marco. 

Acércate un poco, de modo que partes del sujeto se corten, y de repente la toma se vea genial. Toma una fotografía en la que el sujeto solo ocupe una pequeña parte de la pantalla, y podemos tener la impresión de que hay demasiado aire alrededor del sujeto.

📐Dividiendo la imagen en tercios

Si la pantalla se divide en proporciones pares (mitades, cuartos), ya sea vertical u horizontalmente, el resultado es generalmente aburrido. Por ejemplo, se debe evitar un horizonte ubicado exactamente a la mitad del marco.

La regla de los tercios es una ayuda útil para componer la imagen. Divide la pantalla en tercios tanto horizontal como verticalmente. El tema principal debe estar en una de esas líneas o, idealmente, en la intersección de dos de las líneas. La regla de los tercios sugiere que el tema principal no debe estar en el medio de la imagen. 

En cambio, debe colocarse antes o después del centro de la imagen, dependiendo del efecto que le gustaría al director. Ten en cuenta que los «tercios» son simplemente una guía; a veces puede estar más cerca de una quinta parte o en algún punto intermedio. 

Recuerda también que, en última instancia, la posición de los sujetos depende de su tamaño, forma, tono, fondo y su importancia relativa. Los buenos operadores de cámara componen instintivamente la toma con estas características en el fondo de sus mentes.

🤳Tomas desde diferentes ángulos

La mayoría de las imágenes vistas en televisión han sido tomadas a la altura de los ojos del operador de la cámara. 

Graba desde ángulos altos mirando hacia abajo sobre el sujeto. Mira la escena desde ángulos bajos. Trata de encontrar ángulos que comuniquen el tema a la audiencia y mantengan su atención. 

Al grabar a personas, las tomas de ángulo bajo hacen que se vean importantes. 

Una toma de ángulo alto, que mira hacia abajo sobre el sujeto, puede hacer que la persona se vea pequeña e insignificante.

🕌Mostrando escala

El público no siempre comprende el tamaño del sujeto que se está grabando. Al grabar a un sujeto que es muy grande o muy pequeño, es importante componer la imagen de manera que se ponga al sujeto en contexto para que el público pueda comprender el tamaño sin que se lo digan.

🔲Enmarcar el tema

Enmarcar el tema puede agregar profundidad a la escena. El marco podría ser un árbol, una valla o, mejor aún, algo que añada un contexto significativo al sujeto. Es importante que el marco no disminuya el asunto o el mensaje.

🔠Líneas principales

Las líneas principales son cuando las líneas dentro de la imagen dirigen los ojos de los espectadores a lo que el director quiere que vean. Estas líneas pueden crear sentimientos específicos:

■ Las líneas horizontales pueden representar calma y tranquilidad.

■ Las líneas verticales pueden mostrar fuerza y dignidad.

■ Las líneas diagonales pueden mostrar movimiento y velocidad.

■ Las líneas curvas pueden representar serenidad.

■ Las líneas convergentes pueden mostrar profundidad.

↕Altura libre

Si no hay suficiente espacio entre la parte superior de la cabeza de una persona y la parte superior de la imagen (muy poco «espacio para la cabeza»), el cuadro parecerá aplastar al sujeto, y partes de la cabeza podrían cortarse por el overscan* de la televisión. 

*El overscan es cuando al hacer un pequeño zoom a una imagen desaparecen los bordes de dicha imagen. 

Si hay demasiado espacio, la imagen se desequilibra y la atención de la audiencia se dirige al espacio para ver qué hay allí. La altura del sujeto en el encuadre altera la sensación de equilibrio vertical de la imagen, por lo que al tomar tomas de personas, siempre ten cuidado con el espacio para la cabeza. 

Será considerable en una toma larga y se reducirá correspondientemente a medida que se acerque la toma. Como guía muy aproximada, mantén los ojos a aproximadamente un tercio de la altura de la pantalla desde la parte superior de la imagen. 

Sin embargo, el margen superior está influenciado por cualquier otra cosa que sea visible en la parte superior de la imagen.

🔂Balance

Al observar una imagen bien equilibrada, vemos que tiene un aspecto estable. Una toma desequilibrada, por otro lado, tiene una sensación insegura e incierta.

A veces eso puede ser justo lo que quiere el director. Un aspecto inestable e incompleto aumenta la tensión y crea un impacto dramático. Una manera fácil de lograr esto es hacer que la imagen sea más pesada o que esté doblada. Por lo general, las tomas se organizan para que se vean equilibradas y completas.

Otros sujetos dentro del cuadro pueden impactar significativamente el equilibrio. El impacto de otros sujetos depende de sus tamaños y tonos relativos. Obviamente, un sujeto grande a una gran distancia puede parecer más pequeño que un objeto pequeño cerca de la cámara. Es el efecto lo que cuenta. Un sujeto grande en un lado del cuadro puede equilibrarse con varios más pequeños en el otro lado. Todo se trata de sus tamaños relativos, tonos y distancia desde el centro del cuadro.

La clave para obtener imágenes interesantes y bien equilibradas no son las tomas que están continuamente centradas de forma monótona cada vez, sino las tomas que están equilibradas en todo el encuadre, según los tonos y las proporciones de los sujetos que vemos allí.

🔀Proporciones 

Se pueden variar las proporciones relativas y las posiciones de las cosas en una imagen simplemente haciendo lo siguiente:

■ Ajuste de la distancia de la cámara. Cuanto más cerca están de la cámara, más grandes aparecen en el cuadro. Incluso un ligero cambio en la distancia de la cámara puede afectar considerablemente el tamaño aparente de los elementos de primer plano, mientras que cualquier cosa en el fondo puede permanecer aproximadamente del mismo tamaño en la imagen.

■ Cambiar la altura de la cámara. Baja el punto de vista de la cámara y las cosas en primer plano pueden volverse más prominentes hasta que dominen toda la imagen. Sin embargo, levanta un poco la cámara, y será posible grabar más allá de ellos. Es posible que el espectador ni siquiera se dé cuenta de que están allí.

■ Ajuste del ángulo de la lente. Usa una lente de ángulo amplio y todo se verá mucho más pequeño y más alejado de lo habitual. El tamaño disminuye rápidamente con la distancia de la cámara. Incluso los elementos relativamente cercanos a la lente aparecen más lejos de lo normal. La toma de ángulo amplio generalmente enfatiza la distancia y la profundidad, distorsionando notablemente los sujetos en primer plano.

■ Por el contrario, cuando se usa un teleobjetivo o un lente de ángulo estrecho, sucede lo contrario. Todo se ve mucho más cerca de lo habitual. Los tamaños relativos no parecen cambiar mucho con la distancia. Incluso las cosas que están lejos todavía se ven bastante cerca. La profundidad parece reducida.

Por lo tanto, al seleccionar una lente adecuada y ajustar la distancia de la cámara, puedes controlar significativamente las proporciones de la toma.

➰Agrupación 

Cuando muestres varios elementos en una imagen, evita que estén dispersos por el cuadro. Es mejor centralizar la atención de los espectadores agrupando temas (o unificar) de alguna manera; de lo contrario, es más probable que la audiencia mire alrededor de la imagen al azar. La agrupación crea una sensación de unidad en una imagen al unir a sus sujetos. A veces se pueden crear agrupaciones colocando deliberadamente los temas para adaptarlos a la composición. Otras veces, el punto de vista de la cámara se selecciona deliberadamente para encuadrar a los sujetos de una manera que cree unidad.

👁Punto de vista de la cámara

La ubicación de la cámara, en relación con el sujeto, tendrá una gran influencia sobre cómo se ve el sujeto para los espectadores y cómo se sienten al respecto. 

Cuanto más pequeño aparece un sujeto en el cuadro, menos importante parece ser y menos detalles son visibles. Su entorno se vuelve más prominente y puede llamar la atención del sujeto. Aunque las tomas más cercanas enfatizan el tema, se debe tener cuidado de que no se agranden tanto en la pantalla que el efecto sea abrumador. Las tomas de primer plano a menudo pierden escala y hacen que el público olvide el tamaño y las proporciones reales del sujeto.

Mirar hacia abajo a cualquier sujeto tiende a hacer que parezca menos impresionante que mirarlo. 

Aunque los puntos de vista con ángulos pronunciados suelen ser demasiado dramáticos para la mayoría de los propósitos, incluso una ligera variación desde una posición a nivel de los ojos puede afectar el impacto de un sujeto.

🙃Distorsiones

La distorsión controlada puede ser una técnica efectiva de cámara/lente en situaciones apropiadas. Por ejemplo, usa una lente de ángulo amplio cercana para distorsionar una máscara de Halloween y crear un efecto aterrador. O utilice esta técnica para hacer que un pequeño grupo de árboles parezca un bosque amenazador.

Sin embargo, ten cuidado para que las formas no se distorsionen gravemente por accidente. 

Usemos un ejemplo como grabar una pintura al óleo situada en lo alto de la pared de una casa histórica. Ya sea para evitar los reflejos de luz o para obtener una vista sin obstrucciones, el operador de la cámara puede decidir tomar tomas cercanas desde una posición lateral utilizando un teleobjetivo. Si bien él o ella pueden recibir la inyección, el resultado puede ser una versión aplastada de la pintura que hace poca justicia al original.

Al grabar en una habitación pequeña, es posible que deba usar una lente de ángulo amplio para evitar que todo se vea demasiado cerca. Sin embargo, hay una buena posibilidad de que ahora la habitación se vea mucho más grande de lo que realmente es, y si aparecen personas en la toma, pueden aparecer deformadas debido a las distorsiones de ángulo amplio. La mayoría de las personas realmente no quieren parecer que han aumentado de peso.

🤓Anticipación de la edición

🔁Continuidad

Cada vez que la cámara esté configurada para tomar la siguiente toma de acción, piense en la edición; de lo contrario, puedes terminar con una serie de tomas que no encajan sin problemas. Esto sucede especialmente al reposicionar la cámara para grabar una escena repetida desde una ubicación diferente.

Los problemas más frecuentes son los siguientes:

■ Falta parte de la acción.

■ La toma de acción desde otro ángulo no coincide con la de una toma anterior del sujeto.

■ La dirección de la acción ha cambiado entre tomas sucesivas.

■ Los tamaños de la toma son demasiado similares o demasiado extremos.

■ La acción abandona el cuadro y vuelve a entrar en el mismo lado.

■ Las tomas sucesivas muestran diferencias de continuidad; por ejemplo, el talento es y no usa lentes, muestra diferentes actitudes/expresiones o está vestido de manera diferente.

⏭Mejora de la flexibilidad de edición

Al grabar, la flexibilidad de edición puede ayudar de varias maneras.

Evita tomas breves

■ Graba siempre el inicio y el final de una acción para permitir la flexibilidad de edición. No esperes para grabar hasta el momento en que comience la acción. El metraje adicional a cada lado de la acción, o cara o cruz, le dará al editor la oportunidad de utilizar disoluciones y desvanecimientos y le permitirá recortar el metraje de una manera óptima.

■ Siempre que sea posible, comienza y termina una toma panorámica larga con una toma fija.

▶Material de edición adicional

■ Siempre graba algunos cortes que muestren los alrededores, la escena general, las reacciones de los transeúntes, etc.

■ Determina si las tomas de reacción específicos/tomas de asentimiento serían apropiadas.

■ A veces es útil tomar la misma escena a un ritmo pausado y a un ritmo más rápido (panorámica lenta y panorámica más rápida) para permitir la flexibilidad de edición.

▶Tomas falsas

■ No grabes sobre una toma fallida. Algunas partes pueden ser utilizables durante el proceso de edición.

■ Si una secuencia de acción sale mal, a veces es mejor volver a tomarla por completo. En otras ocasiones, simplemente cambia el ángulo de la cámara (o el tamaño de la toma) y vuelva a tomar la acción justo antes de que se cometiera el error (una toma de «captura»).

▶Establecer tomas

■ Siempre comienza a grabar con una toma amplia de la escena (toma de establecimiento), incluso si no se usa en última instancia. Esta toma le permite al editor comprender la ubicación de las otras tomas.

■ Considera tomar una foto larga (foto de portada o foto maestra) de toda la acción en una escena, luego repite la acción mientras toma fotos más cercanas.

👁‍🗨¿Qué hace un filtro?

Los filtros de lente se pueden usar de varias maneras:

■ Para reducir el brillo de la imagen con luz solar intensa o para permitir una apertura de lente más amplia.

■ Para darle a la imagen un tinte general con el fin de — corregir la temperatura de color de la luz predominante — simular condiciones de iluminación como la luz de las velas, la puesta de sol o el fuego.

■ Para reducir el contraste general de la imagen.

■ Para cortar la neblina en la ubicación (mejorar el contraste de la imagen).

■ Para crear un efecto atmosférico como niebla.

■ Para crear un efecto decorativo, como rayos alrededor de reflejos.

■ Para distorsionar la imagen de varias maneras, como crear un efecto dominó.

■ Para suavizar la imagen (como difusión localizada o general).

■ Para reducir un cielo brillante o para mejorar las nubes.

■ Para suprimir los reflejos de luz o el deslumbramiento.

Los filtros también vienen en diferentes formas. Algunos filtros de cámara están hechos de plástico o vidrio y pueden ser cuadrados o rectangulares. 

Estos filtros se deslizan en una caja matt, que se apoya frente a la lente. Otros filtros de vidrio son circulares y se atornillan en roscas en la parte frontal de la lente. 

El tercer tipo de filtro de vidrio es una pequeña pieza de vidrio que se encuentra dentro de la cámara, llamada rueda de filtro, para una selección rápida. 

La mayoría de las cámaras profesionales incluyen dos o tres filtros en su rueda de filtro, con espacio para un par de otras. También hay filtros digitales que se pueden integrar en los sistemas de edición y permiten al editor experimentar con una variedad de filtros.

〽Cruzando la línea

Los puntos de vista de la cámara pueden confundir fácilmente el sentido de dirección del público y su impresión de las relaciones espaciales si no se tiene cuidado al seleccionar las posiciones de la cámara. Por ejemplo, durante un partido de baloncesto, si se colocan cámaras en ambos lados de la cancha, es confuso ver a un jugador corriendo hacia el lado izquierdo de la pantalla y luego, cuando el director corta la cámara al otro lado de la cancha para ver al jugador corriendo hacia el lado derecho de la cancha.

Para evitar esta confusión, dibuja una línea imaginaria a lo largo de la dirección de la acción (línea de acción, eje de acción o línea de ojo). Luego ten cuidado de que las cámaras graben desde un solo lado de esta línea, generalmente no se cruza. Es posible desplazarse a través de la línea, o grabar a lo largo de ella, o cambiar su dirección reagrupando personas, pero cortar entre cámaras a ambos lados de esta línea imaginaria produce un corte inverso o corte de salto.cuadra demasiado cerca para contener el movimiento del sujeto, el sujeto seguirá entrando.