Las técnicas de producción que emplean los miembros del equipo de video varían mucho de una persona a otra, de una compañía a otra y de un país a otro. El objetivo de este capítulo es revisar las técnicas de producción más comunes para prepararlo ampliamente para la industria de la televisión.

🎥 Producción Mono y Multicámara 🎥🎥 

Hay dos formas de grabar una producción de video: 

■ Producción de una sola cámara, en la que se usa una cámara para grabar un segmento o un espectáculo completo.

■ Producción multicámara, en la que un conmutador de producción (mezclador de visión) vincula dos, tres o más cámaras, y sus salidas se seleccionan o combinan según lo requiera el director. 

Cada una de estas técnicas tiene sus propias ventajas y limitaciones específicas. 

Algunos tipos de programas, como los deportes, no se pueden grabar de manera efectiva (como grabar un partido completo) con una sola cámara; para otros tipos de programas, un enfoque multicámara puede parecer abrumadoramente inapropiado (como una entrevista en la casa de alguien). 

Desde el punto de vista del director, las técnicas de producción son notablemente diferentes. 

Para una producción en vivo, una sola cámara resultaría muy pobre. Pero para una producción grabada, el director puede adoptar técnicas similares a las de un productor de películas.

🎥 Producción a una Cámara

Una sola cámara ligera es independiente (tiene su propia grabadora), compacta y libre para ir a cualquier parte (no está conectada por un cable a un conmutador). El director puede estar allí mismo, al lado de la cámara, viendo oportunidades y explicando exactamente lo que quiere al operador de la cámara. En el caso de las producciones documentales, la persona que diseña y organiza el proyecto también puede operar la cámara.

⏺ Cómo grabar una toma de cámara simple 

■ Revisa los detalles de la próxima toma. 

■ Marca la tablilla con números de escenas y tomas (opcional, utilizado principalmente en producciones dramáticas)

■ Anuncia «¿Están todos listos?» 

■ Di en voz alta «¡Silencio por favor!»

■ Empezar a grabar. 

■ Graba la tablilla. 

■ Di «¡Acción!» (Señala la acción para comenzar).

■ Anunciar el fin de la acción. «¡Corten!» (La acción se detiene, los actores esperan).

■ Para de grabar. 

■ Verifica la grabación. 

■ Ten en cuenta los marcos finales para la continuidad, los detalles de la toma (identificación, duración) y etiqueta la cinta. Como ejemplo: “La toma está bien. Vamos a la toma 5″ o  “Necesitamos regrabar esto porque…”

■ Preparación para la próxima toma.

Este método ofrece al director una flexibilidad increíble, tanto al grabar como más tarde al editar. Los directores pueden seleccionar y reorganizar el material que filmaron, probando varias versiones para mejorar el impacto de la producción. 

No existe la sensación de compromiso instantáneo, que puede caracterizar una producción multicámara. Pero es lento. La paciencia es una necesidad. 

Grabar con una sola cámara a menudo implica interrumpir o repetir la acción para reposicionar la cámara. 

Los problemas de mantener continuidad entre configuraciones, incluso la forma en que las condiciones de grabación pueden cambiar entre tomas (como la luz o las variaciones climáticas) no deben subestimarse.

Se ha dicho que, a diferencia de la producción multicámara, que es un «acto de malabarismo», grabar con una sola cámara le permite al director concentrarse en hacer una cosa a la vez, en optimizar cada toma individual. 

El director es libre de reajustar cada posición de la cámara, reorganizar el sujeto, cambiar la iluminación, ajustar la grabación de sonido, modificar la decoración y realizar cualquier otra modificación que sea necesaria para adaptarse a cada toma. 

Todo ello está muy bien, pero grabar puede degenerar en una sesión experimental autocomplaciente. Es muy fácil posponer los problemas hasta mañana, con «Lo solucionaremos durante la edición» o «Vamos a dejarlo hasta la postproducción».  

Al grabar con una sola cámara, los directores no tienen que preocuparse por coordinar varias cámaras diferentes, cada una con su punto de vista diferente. Los directores se ven aliviados de las tensiones de seguir, guiar y cambiar continuamente, entre cámaras 

Todos los refinamientos de producción y características adicionales, desde música de fondo hasta efectos de video, se añaden en una etapa posterior, durante la sesión de postproducción. 

La otra cara de la moneda es que cuando grabas con una sola cámara, terminas con una colección de toma (buenas, malas e indiferentes; errores…) en cualquier orden, todo lo que necesita ser ordenado posteriormente. Por lo tanto, compilar la producción final, incluidos títulos, música y efectos, puede ser un proceso largo.

🎥🎥 Producción Multicámara

Si estás grabando acción continua con una sola cámara y deseas cambiar el punto de vista de la cámara, tienes básicamente dos opciones. Puedes mover la cámara a una nueva posición mientras sigues grabando, o puedes perder parte de la acción a medida que la cámara se reposiciona en la siguiente configuración. 

Un director de producción de cámaras múltiples simplemente cambia de una cámara a otra, lo cual es una clara ventaja cuando se filman una serie de eventos que ocurren al mismo tiempo o se extienden en un área amplia.

A diferencia del director en una sesión con una sola cámara, que está cerca de la cámara, el director de una producción multicámara se encuentra alejado de la acción. 

Este director observa una serie de monitores de televisión en una sala de control de producción y emite instrucciones a la tripulación a través de sus auriculares de intercomunicador (talkback) y al regidor que guía a los actores en nombre del director.  

En una producción multicámara en vivo, la mayoría de las transiciones de disparo (cortes, disoluciones, cortinillas, etc. se realizan en un conmutador de producción también conocido como mezclador de visión durante la acción. 

El conmutador toma las salidas de varias fuentes de video (cámaras, videograbadoras, gráficos, etc.) y cambia entre ellas. No hay oportunidades para corregir o mejorar. Sin embargo, el director tiene la gran ventaja de monitorizar y comparar continuamente las tomas.

Los problemas de continuidad que pueden desarrollarse fácilmente durante una producción de cámara única desaparecen durante la producción de cámaras múltiples porque es en tiempo real. 

Un equipo experimentado de cámaras múltiples puede, después de un solo ensayo, producir un espectáculo pulido en solo unas pocas horas. Al final del período de grabación, el espectáculo está terminado.

Las producciones multicámara se pueden grabar de la siguiente manera: 

■ En Vivo. Transmitido en vivo a la audiencia. 

■ En Vivo en cinta. Grabado de principio a fin. Este estilo de producción le permite al director limpiarlo en postproducción

 ■ Escena a escena. Cada escena o acto es filmado, corregido y pulido uno a la vez.

 ■Toma a toma. Grabado en secuencias de acción cortas, con conmutación multicámara para evitar interrumpir (o repetir) la acción.

Una producción multicámara puede degenerar en una rutina de captura de tomas en la que el director simplemente corta entre varios puntos de vista de la cámara buscando variedad. 

Pero para los directores con imaginación, la capacidad de planificar con anticipación y un equipo calificado, los resultados pueden ser de los más altos estándares.

🎥🎥🎥 Multicámara ISO 

Cuando la acción no puede repetirse o los eventos son impredecibles, algunos directores hacen uso de una cámara ISO. Esto simplemente significa que si bien todas las cámaras están conectadas al conmutador como antes, una de ellas también se graba continuamente en una grabadora separada. Esta cámara ISO graba tomas amplias de la acción o se concentra en vigilar la llegada del invitado, por ejemplo, o de un jugador específico en un evento deportivo, de modo que si el director pierde la toma necesaria «en vivo» todavía está en la cinta. Las tomas en la cinta ISO pueden reproducirse durante un show en vivo o editarse cuando sea necesario más adelante.

🎥🎥🎥Producción Multicámara Sin Conmutador 

Otro enfoque multicámara es usar videocámaras. En lugar de cortar entre cámaras con un conmutador, las tomas de sus grabaciones separadas se editan juntas más tarde durante una sesión de postproducción.

Es bastante simple sincronizar varias cámaras juntas incluso en algunos de los sistemas de edición no lineal de menor coste. La narración de voz en off, efectos de sonido, efectos de video, gráficos o música se agregan en la postproducción. 

La ventaja de la técnica de este tipo de cámaras múltiples es que reduce significativamente el coste de tener que pagar por una gran tripulación y una sala de control o una camioneta de producción remota / camioneta OB. 

La desventaja es que la producción no termina cuando termina el evento; todavía necesita ser finalizado en postproducción, lo que puede llevar mucho tiempo.

🎥 ⚽ 🎾 Innovación en Producción de Deportes para TV

Roone Arledge, ex presidente de ABC Sports, fue uno de los primeros innovadores en la producción de deporte para televisión. Arledge presionó a sus directores para que «usen la cámara y el micrófono» para transmitir una imagen que se aproxime a lo que el cerebro percibe, no simplemente lo que ve el ojo. Sólo entonces puedes crear la ilusión de la  realidad «. 

Su ejemplo fue una carrera automovilística donde, aunque los automóviles pueden viajar más de 200 millas por hora, la percepción de la velocidad desaparece cuando se usa una cámara con un tiro largo. Sin embargo, cuando una cámara POV se coloca mucho más cerca de la pista de lo que normalmente se permitiría a los espectadores, la cámara y el micrófono cercanos le dan al televidente la sensación de velocidad y el rugido que un espectador en vivo percibirá al sentarse en las gradas. “De esa manera, no estamos creando algo falso. Es una ilusión, pero una ilusión de  realidad «.

✨ La Ilusión de la Realidad 

https://www.youtube.com/watch?v=L-scyDKaQPc

Algunos directores (y operadores de cámara) imaginan que están usando sus cámaras para mostrar a su audiencia «las cosas como son». Sin embargo, no lo son. La televisión es inherentemente selectiva. Incluso si la cámara simplemente apunta a la escena, y el resto se deja a la audiencia, el director, sea cual sea la intención, ha tomado una decisión selectiva en nombre de la audiencia. La audiencia no ha elegido mirar ese aspecto específico de la escena. 

El tipo de toma que se muestra y el punto de vista de la cámara determinan cuánto ve la audiencia. El público no tiene forma de ver el resto de la escena. De hecho, un director experto utiliza la colocación de la cámara y el micrófono para crear una ilusión, para dar al público la impresión de la realidad. El objetivo es hacer que los espectadores se sientan como si estuvieran allí, realmente experimentando el evento. 

La realización de programas es un arte persuasivo: persuadir al público para que mire y escuche; persuadiendolos a hacer algo de una manera específica; persuadiendolos a comprar algo, ya sea una idea o un producto. 

Los directores quieren no solo despertar el interés de la audiencia sino también mantenerlo. 

El objetivo es dirigir su atención a ciertas características del tema y evitar que sus mentes vayan a otras áreas. Los directores logran este objetivo mediante las tomas que seleccionan, la forma en que las editan y la forma en que se utiliza el sonido. 

La persuasión no es una cuestión de alto presupuesto e instalaciones elaboradas, sino de imaginación. Los directores pueden incluso tomar un tema aburrido y poco prometedor, como una caja vacía, e influir en cómo se siente la audiencia al respecto. 

Imagina que estás sentado en la oscuridad cuando aparece en la pantalla una imagen que no contiene más que una caja de madera iluminada con un fondo gris claro. ¿Cómo crees que la audiencia reaccionaría? Al ver la toma, la mayoría de nosotros supondría que la imagen es importante o se supone que tiene algún tipo de significado o propósito. Después de todo, aparece en el video. 

Entonces comenzamos preguntándonos de qué se trata. ¿Qué se supone que debemos mirar? ¿La caja tiene alguna importancia que nos hemos perdido? ¿Alguien viene a explicar algo?

Ahora el director tiene la atención de la audiencia por un momento, ya que están tratando de entender lo que está sucediendo. Si una palabra está grabada en la caja, los espectadores probablemente leerán la palabra y luego intentarán descifrar lo que significa. Mirarán y escucharán, y finalmente se aburriran. Pero todo eso probablemente solo haya tomado unos segundos. 

Los directores no pueden confiar solo en el tema para mantener el interés de la audiencia. Cómo se presenta el tema es muy importante. Imaginemos de nuevo pero ahora en oscuridad, pero ahora en la pantalla aparece una caja, medio iluminada desde atrás con solo una parte de la caja visible mientras el resto cae en una silueta. Un ritmo rítmico bajo llena constantemente nuestros oídos. La cámara se mueve lentamente a lo largo del piso, avanza muy lentamente, hace una pausa, luego se mueve hacia adelante, deteniéndose abruptamente antes de continuar nuevamente.

¿Cómo va a reaccionar tu audiencia? Si se ha hecho bien, ahora están en los bordes de sus asientos, ansiosos por descubrir qué hay en la caja. Es la misma caja que apareció en la primera ilustración, solo que ahora ha atraído la atención de su audiencia durante mucho más que unos pocos segundos.

Muy bien, sabemos que estas técnicas dramáticas no pueden usarse en todas las producciones. Sin embargo, muestra cuán persuasivo puede ser el video. Nos muestra cómo incluso un tema simple, como una caja vacía, puede ser influenciado por las técnicas de producción. Pero también es un recordatorio de que el tratamiento de producción debe ser apropiado. Necesitas crear un ambiente, una atmósfera adecuada para la ocasión. Ya sea que tu programa tenga el brillo de Hollywood, la neutralidad del informe de un presentador de noticias, la participación entusiasta de un programa para niños o el aire reverencial de una ceremonia, el estilo de la presentación debe adaptarse a la ocasión.

👥 Intrucciones por el Intercomunicador

En una producción multicámara, el director da instrucciones a los miembros del equipo (cámaras, sonido, etc.) a través de sus auriculares. Los micrófonos, los artistas o la audiencia no pueden escuchar este intercomunicador. Solo está destinado al equipo de producción.

A continuación tienes un ejemplo de como serían dichas instrucciones:

• Listo para ir a 1: La producción comienza en video en negro. El director advierte al director técnico y al operador de la cámara 1 que él o ella irán al lado de la cámara 1.
• Fundido a 1: Transición gradual del video en negro a la cámara 1.
• Listo para toma 2: Señal de espera para la cámara 2.
• Cámara 2, dame dos tomas de John y del invitado: El operador de la cámara debe encuadrar a ambas personas en la tom
• Acércate (Zoom in): Usa el control del zoom en la lente para ampliar el sujeto.
• Estrecha la toma: Acercarse ligeramente.
• Amplir: Ligero alejamiento.
• Dolly in / back (pista): Mueve toda la cámara lentamente hacia el sujeto o alejándote de él.
• Panorámica izquierda / derecha: Gira la cámara hacia la izquierda / derecha.
• Cortar en las manos: Fotograma para incluir solo las manos.
• Mata a las flores: Retira las flores del conjunto (no deseado, molesto).
• Perder el foco en John: Deja que John se desenfoque (generalmente para usarse como transición o como fondo para gráficos).
• Prepárate para un ascenso (o asiento): El actor está a punto de levantarse (o sentarse).
• Deja ir al actor: Permite que el actor se mueva fuera del tiro.
• Pierde a John: Recompón o estrecha el tiro para excluir a John.
• Limpia en cámara 2: La cámara 2 puede moverse a la siguiente posición.
• Colocarse: Alerta al actor, listo para señal.
• Señal a John: Dale una señal de mano a John para que comience la acción.
• Volver al principio de: Comienza de nuevo al comienzo de la escena. Repite el ensayo desde el principio.                              
• Recógelo desde la 20: Retoma el ensayo (o el rodaje) en la toma 20 (según se indique en el guión o en el formato del programa).
• ¿Lo caminarías?: Pedirle a los actores que se muevan a través de su acción, sin diálogo ni actuación. Una prueba.
• Limpiar la toma 2: Algo / alguien está ocultando ls toms de la cámara 2.
• Dile al actor que mire a 2: El actor debe estar frente a la cámara 2.
• Dile al actor que rellene / siga hablando: Dile a los talentos que improvisen hasta que el próximo elemento esté listo.
• Dale al anfitrión un minuto: El anfitrión tiene un minuto restante (señal de mano).
• Limpiar al actor: Dejar ir al actor. Él o ella es libre de alejarse

🎯 El Papel de la Cámara

La cámara es un «ojo». ¿Pero de quién es el ojo? Puede ser la de un espectador, observando la acción desde la mejor posición posible en cada momento. Ésta es su función principal. 

También la cámara se puede usar de una forma subjetiva moviéndose dentro de la escena representando así el punto de vista del actor, permitiendo a la audiencia ver a través de los ojos del mismo. 

El efecto puede ser dramático, especialmente si las personas dentro de la escena parecen hablarle directamente al espectador, a través de la lente de la cámara.

🤓 La Cámara Como Observador

Esta es la forma en que se usa la cámara en muchos tipos de producciones. El programa nos muestra la escena de varios puntos de vista, y comenzamos a sentir una sensación de espacio a medida que construimos una imagen mental de una situación, aunque la cámara solo nos muestra una pequeña sección de la escena en cada toma. La cámara se convierte así en un observador, se acerca para ver los detalles y se aleja para ver la vista más amplia.

Podríamos, por ejemplo, ver a dos personas sentadas y hablando. Mientras uno habla, vemos un primer plano del orador. Un momento después, la cámara cambia para mostrarnos a la otra persona escuchando. De vez en cuando, los vemos juntos. No hay nada imaginativo sobre este tratamiento; pero entonces, no está destinado a trabajar en las emociones de la audiencia. Tiene la intención de mostrarnos claramente lo que está sucediendo, quién está allí, dónde están y qué están haciendo. 

Mezcla tomas de primeros planos para mostrar los detalles que queremos ver en un momento específico (expresiones de las personas) con tomas largas que nos ayudan a establecer la escena y dar una visión más general de la situación.

De hecho, tratar una conversación frente a la cámara de otra manera, sobredramatizando su presentación, normalmente sería inapropiado.

👁👁La Cámara Persuasiva

Si, por otro lado, se está grabando un video musical, las tomas pueden ser tan extrañas y variadas como puedas imaginar. 

El objetivo es excitar y sorprender, para crear una gran variedad visual. No hay lugar para la sutileza. El impacto de la imagen, los efectos extraños y los cambios rápidos en el punto de vista empujan la música a su audiencia. 

Hay un mundo de diferencia entre esta exhibición descarada y el juego sutil de las emociones que discutimos anteriormente. Sin embargo, todos demuestran cómo los directores puede influir en la audiencia a través de la forma en que eligen y componen sus  tomas, mueven la cámara y luego cortan esas tomas. 

Una toma de ángulo alto mirando hacia abajo sobre el sujeto puede sugerir un aire de desapego. Un disparo de ángulo bajo puede exagerar la importancia del sujeto. La tensión aumenta a medida que la cámara se mueve. 

Estas son formas típicas en las que la cámara puede afectar las respuestas de los espectadores a lo que están viendo.

➿ Principio y Finalización

Parte del impacto de una producción radica en la forma en que se empaqueta, cómo se introduce y cómo se pone fin. 

Al principio, el objetivo principal es captar la atención del público, despertar su interés y mantenerlo. Esto se puede hacer de varias maneras: sorprendiéndolos, intrigándolos, haciéndolos sentir bienvenidos, impresionándolos.

Una de las formas menos interesantes de presentar cualquier programa es proporcionar una serie de títulos en silencio, dando el nombre del programa, seguido de listas de los que aparecen en él y los responsables de la producción. 

La música y los gráficos pueden establecer el escenario: música alegre y títulos extravagantes para una comedia y música regia y títulos formales para una ocasión solemne. 

Al final de un programa, los directores quieren que su audiencia se quede con una sensación de plenitud: que el programa ya haya concluido, no que el programa acabe de desaparecer. 

Esto se puede lograr de varias maneras, incluidas las flexiones en la voz de los actores durante las palabras finales o por la forma en que termina un fondo musical. 

En términos generales, se considera una mala práctica desvanecerse en medio de una canción. Es mejor editar la canción a la longitud adecuada.

🎬 Métodos de Producción

La mayoría de los tipos de programas siguen caminos que han sido recorridos en el pasado. Por ejemplo, no hay una nueva forma brillante de entrevistar a alguien, todos los métodos posibles se han probado en algún momento u otro. Pero eso no tiene por qué hacer que una entrevista sea menos interesante. Sin embargo, significa que los directores pueden beneficiarse de lo que otros ya han descubierto.

No hay fórmulas infalibles para todo. Pero ciertamente hay enfoques que la experiencia ha demostrado que funcionan para situaciones o finalidades específicas. 

En las siguientes secciones, encontrarás sugerencias y recordatorios que pueden ser de utilidad cuando filmes varias formas regulares de producciones.

🤔 Cómo Visualizar Algo Que No Existe

Nos acostumbramos tanto a ver imágenes para acompañar practicamente cualquier tema que a veces pasamos por alto una paradoja fundamental: para muchas situaciones, estrictamente hablando, no hay ningún sujeto que fotografiar. No hay imágenes.

Los directores tienen que lidiar con este problema en varias ocasiones:

■ Temas abstractos que no tienen visuales directos (conceptos filosóficos,  sociales, espirituales)

■ Temas generales no específicos (transporte, clima, humanidad)

■ Eventos imaginarios (fantasía, literatura, mitología)

■ Eventos históricos donde no existen ilustraciones auténticas.

■ Próximos eventos donde el evento aún no ha sucedido.

■ Eventos donde no es posible disparar, está prohibido o el sujeto es inaccesible

■ Eventos en los que grabar es impracticable, peligroso o no se pueden obtener las tomas necesarias.

■ Eventos, ahora terminados, que no fueron fotografiados en ese momento.

■ Eventos en los que las imágenes apropiadas resultarían demasiado costosas, implicaría viajes o problemas de derechos de autor.

Entonces, ¿cómo afrontan los directores estas situaciones? 

El método menos interesante es tener a los actores parados fuera del edificio, donde la cámara no tiene permitido grabar y decirle a la audiencia lo que habrían visto si hubieran estado allí. 

Los noticieros con frecuencia utilizan este enfoque cuando el evento ya ha llegado a su fin. El robo a un banco, la explosión o el incendio ya terminaron y solo podemos ver los resultados.

Otro método es mostrar imágenes fijas o piezas de arte de las personas o lugares involucrados, utilizando comentarios explicativos. Esta podría ser una buena solución si el director está discutiendo la historia, como el descubrimiento de América o la quema de Roma. Algunas reliquias del museo pueden incluso estar disponibles para ser mostradas, para despertar el interés, pero los artículos como estos generalmente solo son periféricos al tema principal.

A veces, el director puede mostrar sustitutos, no una imagen del oso real que  escapó del zoológico, sino uno similar o en otro caso, aunque no pueda mostrar fotos del desfile de la próxima semana, las tomas del desfile del año pasado pueden ilustrar la emoción del próximo evento.

A veces, los directores pueden no ser capaces de ilustrar el tema directamente. En cambio, tienen que usar imágenes que están estrechamente asociadas con él. Por ejemplo, si el director no tiene fotografías o dibujos de un compositor, él o ella podrían mostrar imágenes del país de origen o la ciudad natal del compositor. 

Otra posibilidad es utilizar tomas que ilustren la música del compositor, como imágenes de la luz del sol ondulando sobre el agua, viento en los árboles, olas rompiendo en la orilla, reflejos, niños jugando o cualquier otra imagen asociada que sirva como acompañamiento visual.

El “relleno visual” de este tipo se usa ampliamente en programas de transmisión, en forma de vistas generales de una ciudad o campo o tomas de tráfico o personas que se mueven. 

Estas tomas se pueden usar como cortes o donde no exista material visual adecuado por una razón u otra.