Muchos productores pasan por alto algunos de los elementos esenciales que componen la organización de la producción en su entusiasmo inicial, y en consecuencia su producto es menos eficaz.

🛠 El arte oculta la artesanía

Cuando vemos un programa de televisión, nuestros pensamientos normalmente se centran en el material del programa: la línea de la historia, el mensaje y el argumento. Nos interesamos en lo que la gente dice, lo que hace, cómo se ve, y donde están. A menos que empecemos a aburrirnos o la tecnología se vuelva molesta, es poco probable que nos preocupemos por cómo la producción se realizó.

Creemos lo que vemos. Respondemos a las técnicas pero no somos conscientes de ellas a menos que nos distraigan. Incluso aceptamos el drama del héroe que muere de sed en el desierto sin preguntarnos por qué el director hizo lo que hizo, la cámara y el sonido, los requerimientos técnicos… 

Todo esto está bien hasta en el momento en el que empiezas a hacer programas tu mismo ya sea solo o con ayuda. 

Pronto te das cuenta del abismo que hay entre ver y disfrutar desde el punto de vista del público a crear la ilusión que se ve en pantalla con el equipo con el que lo hiciste…

✅ Selección del disparo

No puedes simplemente apuntar una cámara a una escena y esperar que transmita toda la información y la atmósfera que experimentaría el observador sobre el  terreno. 

La cámara es inherentemente selectiva. Sólo puede mostrar ciertos aspectos limitados de una situación en un momento dado. 

Si, por ejemplo, se proporciona una visión general de todo en un campo de fútbol, la audiencia tendrá una excelente visión de los movimientos de los equipos rivales, pero serán incapaces de ver quiénes son los jugadores a nivel individual para ver cómo están jugando. 

Una toma de primer plano da detalles, incluso muestra cómo un jugador está reaccionando, pero evita a la audiencia ver la acción general en ese momento.  

🎦 El problema de la familiaridad

Hay una diferencia esencial entre la forma en la cualquier director mira el programa y cómo reacciona el público. Eso es porque lógicamente el director está familiarizado con la producción y las circunstancias en las que se ha preparado. 

Por ejemplo, digamos que el programa está mostrando una colección de objetos de valor incalculable en un museo. Puede haber una diferencia significativa entre la reacciones críticas de un espectador entusiasta al ver el programa por primera vez y las reacciones propias del director.

Veámoslo con un ejemplo.

Desde el punto de vista del público. “Allí había algunos artículos inusuales en el caso de la pantalla, pero la cámara continuó pasando por delante. ¿Por qué no hemos mirado más de cerca la placa para poder leer las inscripciones? 

Parece haber una ornamentación elaborada en el otro lado de este jarrón. Pero no lo vemos. ¿Por qué no se muestra? ¿Por qué no estamos viendo todas las cosas interesantes que hay en el fondo?

El director sin duda podría haber explicado. «La cámara ha seleccionado los detalles más importantes para el tema que estábamos discutiendo. No hay tiempo para cubrir todo. Cuando se fotografió el jarrón, este fue el mejor punto de vista. 

La voz en off leyó la inscripción. La vista cercana evitó una mejor posición de la cámara. El museo estaba a punto de cerrar, y estábamos programados para estar en otro lugar al día siguiente.

Este discurso imaginario nos recuerda varios puntos importantes. En primer lugar, hay muchas formas de interpretar cualquier situación. Un buen director le dará al sujeto una gran cantidad de pensamiento antes de disparar y racionalizará la mejor manera de abordar la sesión. Pero la mayoría de las producciones son una cuestión de compromiso entre estética y mecánica, entre “lo que nos gustaría hacer” y “lo que podemos hacer”. 

Con bastante frecuencia, lo obvio que hay que hacer es bastante poco práctico por alguna razón (es demasiado costoso, no hay suficiente tiempo, requiere más equipo del disponible, es demasiado elaborado, la luz está fallando, etc.). 

En el mundo real, descubrirás grandes oportunidades sobre el terreno que no anticipaste. Pero también encontrarás frustrantes decepciones que requerirán reconsiderar los planes originales.

El director, después de haber gastado un considerable cantidad de tiempo en el proyecto, se vuelve muy familiar con cada faceta y conoce la ubicación exacta de cada detalle. 

Los miembros de la audiencia, por otro lado, están continuamente tratando de saber de qué trata el programa; están interpretando cada disparo tal como lo  ven, a menudo con sólo un momento o dos para responder a lo que sea que llame su atención.

El director no sólo estaba allí en el rodaje, sino que probablemente ha visto cada disparo en la pantalla muchas veces; al revisar durante las sesiones de postproducción y al evaluar el programa final. 

Él o ella sabe qué material estaba disponible y qué fue cortado. 

La audiencia está viendo y escuchando todo por primera vez y probablemente por una única vez. No saben lo que podría haber sido. No pueden evaluar las oportunidades perdidas. Para ellos, todo es una nueva impresión.

El público sólo de una situación lo que la cámara revela; ignorando las cosas que están a una corta distancia del campo de visión de la lente a menos que algo se mueva en la toma, o en el punto de vista de la cámara a menos que haya un revelador e inexplicable ruido en algún lugar fuera de la toma.

Cuando la cámara nos presenta tomas impresionantes de una escena mundialmente famosa, puede evitar incluir a los turistas, puestos de venta de recuerdos, o una furgoneta. 

Una toma cuidadosamente angulada de una escena puede producir un efecto poderoso en la pantalla pero una reacción inesperada cuando uno se coloca en el lugar puede dejar ver la verdadera escala de la realidad y sus alrededores.

A veces, el director está en desventaja porque dado que está familiarizado con la producción en todo momento, no es posible que el director o el equipo de producción juzgue con una nueva mirada. 

Puede parecerle al director que un punto específico es tan obvio que sólo se necesita un breve «recordatorio» en el momento. Él o ella puede decidir dejarlo fuera del todo. Pero para los espectadores que están viendo la escena por primera vez, esta omisión podría resultar desconcertante. Incluso podrían malinterpretar lo que está pasando como resultado.

Para simplificar la mecánica de la producción, las escenas a menudo son rodadas en la mayoría de los casos en un orden conveniente, independientemente de donde vengan en el guión final. Esto todo se solucionará durante el proceso de edición. 

Aunque este arreglo puede ser una solución práctica cuando se dispara, tiene sus inconvenientes. No sólo disparar fuera de secuencia crea problemas de continuidad, si no que puede hacerle difícil al director juzgar las sutilezas del timing, el tempo y el paso que el espectador experimentará cuando vea el programa final.

Mostrar un intenso primer plano de un detalle extraño sin revelar el tema completo puede dejar a la audiencia desconcertada, aunque el director sabe que la toma obviamente viene de eso de ahí. 

La situación opuesta también ocurre, cuando un director mantiene una toma durante algún tiempo, para que la audiencia pueda asimilar toda la información en ella, cuando de hecho han perdido el interés en el tema y sus mentes han vagado hacia otros cosas.

👌 El problema de la calidad

Cuando se hacen fotos por placer, se puede ser filosófico si el disparo resulta estar ligeramente desenfocado, o desviado, o corta parte del sujeto. Si,  es una lástima, pero en realidad no importa mucho. Todavía puedes disfrutar de los resultados. Pero cuando estás haciendo un programa para otras personas, cualquier defecto de este tipo es inaceptable. Le darán a una producción la reputación de descuidada, amateur e incompetente para que pierda su atractivo y autoridad. Un defectuoso trabajo de cámara y malas técnicas no sólo distraerán al público, sino que pueden convertir incluso una producción seria y bien pensada en un completo desastre.

🦕 El problema de «más grande y mejor»

La forma en que abordas cualquier programa está directamente influenciada por los recursos (equipo, finanzas, equipo, experiencia, etc.), tiempo, condiciones, estándares, mercado de destino, y demás. Aunque no hay una forma correcta de gestionar una situación determinada, sí que hay métodos malos que conviene evitar.

Supón que quieres discutir los problemas de cultivar un cultivo específico. Podrías hacer un programa impresionante usando gráficos por ordenador, un experto caminando por los cultivos hablando de los problemas, vistas aéreas de los campos, y demostraciones  de time lapse. Sin embargo, este tratamiento podría ser caro y consumir mucho tiempo.

Alternativamente, podrías usar un enfoque más simple. La cámara podría explorar un campo típico y mostrar el título del programa. Podría mostrar las características típicas de los cultivos, con primeros planos. Un comentario podría proporcionar una voz en off explicativa a las imágenes. Si se requiere algún sonido adicional, podrían ser sonidos naturales, como el viento, las aves o los tractores, registrados como pistas en el mismo sitio.

 «Más grande es mejor» no se traduce necesariamente en un mayor atractivo para el público. A veces distrae a los espectadores del tema real en sí mismo y en su lugar llama la atención a las técnicas. El tratamiento debe ser apropiado para el público objetivo y el contenido del programa.

🗯 La comunicación puede ser esquiva

No hay reglas absolutas al crear una producción, pero hay principios rectores bien establecidos. Estos principios han sido descubiertos a través de años de experiencia. Ocasionalmente un director puede ignorar deliberadamente estas guías y crear un efecto interesante o inusual. Sin embargo, debes ser cuidadoso porque la respuesta del público puede no resultar como esperabas.

La mente humana es muy buena para ver las relaciones, incluso cuando no hay ninguna. Todos nosotros pasamos nuestro tiempo interpretando el mundo que nos rodea, frecuentemente viendo significados donde no hay ninguno. 

En una película experimental compuesta por una serie aleatoria de primeros planos de portadas de revistas, fragmentos desarticulados de los edificios, el follaje y los objetos aparecieron en la pantalla como parches de color, patrones progresivos y formas geométricas. Cuando esta película se emitió a 24 fotogramas por segundo y acompañada de cualquier música, desde Bach a Brubeck, el  público interpretó el resultado como una emocionante secuencia de animación, con el tema visual cambiando al ritmo de la música. Sin embargo, en la realidad no había ningún tema, no había edición (para la película fue como se filmó en la cámara, cuadro por cuadro). Todo estaba en la mente de la audiencia. Este ejemplo nos recuerda lo frágil que es el proceso de comunicación. La audiencia a veces acepta e interpreta basura visual o de audio, ya que asumen que tiene un propósito válido, aunque no puedan entender cuál es este propósito.

En otras ocasiones, aunque seleccionemos las imágenes y el sonido cuidadosamente, encontramos que la atención de la audiencia ha sido tomada por alguna irrelevante distracción en el fondo. Tal vez estaban leyendo un  mensaje en el móvil y no han escuchado realmente lo que se decía. 

💡Empezar con una idea (concepto)

Es poco probable que decidas de repente, de la nada, hacer un programa de video sobre un tema específico. Algo ha desencadenado la idea. Tal vez hayas oído hablar de un interesante incidente que te dio la idea, una tienda local te pidió hacer un video promocional. 

Aquí está cómo empezar con el proyecto:

Tu conoces el tema que se va a cubrir (en principio al menos), para que se utilizará el programa y quién será la audiencia del programa.  

La siguiente pregunta que probablemente deberías hacer es, ¿Cuánto tiempo debería durar? Es importante saber si el cliente quiere un vídeo de dos horas o uno de dos minutos.

Determina cómo se va a relacionar la audiencia con este programa. Si es uno de series no llevas sobre el mismo material a menos que requiera una revisión. También cabe la posibilidad de que el espectador no vea los otros videos de la serie.

🎯 Metas y objetivos

¿Qué es lo que realmente quieres que tu audiencia sepa después de que hayan visto tu producción? La respuesta a esta pregunta es esencial porque guía todo el  proceso de producción. Las metas y objetivos determinarán lo que se utiliza como medición a lo largo del proceso de producción. 

Los objetivos son conceptos amplios de lo que quieres lograr:

Objetivo: Quiero explicar cómo encontrar un equipo de Fórmula 1.

Los objetivos son metas medibles. Eso significa algo que puede ser probado para ver si la audiencia entiende y recuerda los puntos clave del programa. 

Tómate el tiempo para pensar en lo que la audiencia debe saber después de ver su programa:

Objetivos: Cuando los espectadores terminen de ver el programa deberían poder para hacer lo siguiente:

•  Identificar tres tipos de patrocinio
• Identificar cuatro posiciones del equip
• Identificar dos cosas acerca de la programación

Los tres son objetivos porque son medibles. El número de los objetivos están determinados por las metas. Esto significa que a veces sólo un objetivo es necesario, otras veces pueden ser necesarios 5.

👫 Público objetivo

Ya sea que el programa sea un video de recuerdos familiares o una conferencia sobre física nuclear, es esencial determinar para quién es el programa y su propósito principal:

• ¿Quién es el público que lo va a ver?
• ¿Es para el público en general, para grupos de especialistas o para un grupo local?
• ¿A qué nivel se requiere: básico, intermedio o avanzado?
• ¿Necesita la audiencia algún bagaje previo, calificación, lenguaje o experiencia?
• ¿Hay estilos de producción específicos que este público prefiere?

El público objetivo debe determinar la cobertura y el estilo del programa. Es evidente que el tipo de programa que harías para un grupo de expertos diferirá de un programa hecho para niños pequeños.

Las condiciones en las que la audiencia va a ver el programa son también  importantes. La mayoría de los programas de vídeo no están hechos para ser emitidos. Son vistos en DVD o incluso transmitido en hogares, aulas, oficinas corporativas, y muchos otros lugares. El director inteligente trata de anticiparse a estas condiciones, puesto que pueden afectar considerablemente la forma en que se produce el programa:

• ¿Cómo y dónde va a ver el programa su audiencia? ¿Serán  ellos un grupo de estudiantes sentados mirando una gran pantalla en un aula oscura?
• ¿Estará el espectador viendo un video en streaming de Internet mientras está en la oficina?

Si el programa se verá a la luz del día, los directores pueden evitar escenas oscuras. Las imágenes mostradas en muchos receptores/monitores a la luz del día pueden ser de mala calidad. La gradación tonal puede ser de tonos gruesos, tonos más claros, las letras más pequeñas pueden “emborronarse” y resultar indescifrables, se le dió poca o demasiada importancia al color. 

Todo esto sucede frecuentemente debido a un incorrecto ajuste del monitor, mientras los espectadores tratan de obtener la imagen más brillante posible.

Intenta anticipar los problemas para una audiencia mirando un monitor. Tiros largos tienen, en consecuencia, poco impacto. Los disparos más cercanos son esenciales ya que añaden emoción y drama. Las letras pequeñas no significan nada en una pantalla pequeña y distante. Para mejorar la visibilidad de los títulos, cartas, mapas, etc., mantienen los detalles básicos, y limitan la información.

Si su público objetivo puede estar viendo en un iPod u otro dispositivo de pantalla de vídeo muy pequeño, los directores deben inclinarse más hacia más primeros planos de lo habitual, ya que los planos largos pueden no ser como se puede ver en la pequeña pantalla.

Aquí hay una serie de preguntas que pueden ayudarte a anticipar problemas de la audiencia:

• ¿El programa se basa en conocimientos previamente establecidos? ¿Cuánto se conoce el tema?
• ¿Se relaciona el programa con otros programas de la serie?
• ¿Necesita la audiencia que se le recuerden los programas anteriores?
• ¿Va la audiencia a ver el programa individualmente o en grupo?
• ¿Están viendo el programa sólo una vez, desde el principio, o como ¿un bucle continuo?
• ¿Pueden ver el programa tan a menudo como quieran, pueden pararlo, o reproducir directamente determiandas secciones? 
• ¿Verán los espectadores el programa directamente, o se detendrán después de las secciones, para la discusión?
• ¿Habrá algún material de apoyo adjunto (mapas, gráficos o estadísticas) a las que el público puede referirse? (No se puede esperar que los espectadores tengan datos detallados en sus cabezas mientras siguen el argumento del programa).
• ¿Habrá otras atracciones ruidosas que compitan mientras miran (como podría ocurrir en una exposición)?
• ¿El programa pronto quedará desactualizado?
• ¿Es el programa para una ocasión formal, o será útil el humor?
• ¿Hay límites de tiempo para el programa?
• ¿Necesitará el programa ser actualizado con material fresco sobre un base? 

🧐 Investigación

Para algunos programas, como documentales, noticias o entrevistas, el equipo de producción debe realizar una investigación para crear el contenido del programa o asegurarse de que el contenido existente es exacto. Esta investigación puede consistir desde ir a la biblioteca, investigaciones online o contactar con reconocidos expertos locales o incluso internacionales siendo necesario viajar.

Es importante recordar que la investigación lleva tiempo y puede tener un impacto en el presupuesto de producción. Esto es especialmente cierto si al experto hay que pagarle un caché  o si los vuelos y el alojamiento están incluidos ya sea para el equipo y/o el invitado.

🗂 Cubrir el tema

El tipo de tema que se está cubriendo, quién compone la audiencia, y el contenido que debe ser presentado influirá en la forma en que la cámara se utilizará en el programa, dónde se concentra, qué cerca están los disparos, y cuan variados serán. Aquí hay algunas de las áreas en las que el director necesita pensar:

•  ¿Qué áreas de contenido deben ser cubiertas?
• ¿El tema (persona u objeto) se ve mejor desde ángulos específicos?
• ¿Ayudaría a la audiencia entender el contenido añadir gráficos?
• ¿Será posible ver un ensayo preliminar sin cámara, de modo que se puedan determinar los mejores puntos de vista y tomas?
• ¿Cómo le daré al talento y al equipo la visión y las metas de la producción y les ayudaré a saber qué pueden hacer para ayudarn a lograr los objetivos.
• ¿Ayudaría crear una lista de tomas para cada operador de cámara? Una lista de tomas es una descripción de cada disparo necesario, listado por orden, para que el operador se pueda  mover de un plano a otro con poca instrucción del director. 

📽 Métodos de producción

Las grandes ideas no son suficientes. Las ideas deben ser elaboradas en términos prácticos y realistas. Tienen que ser expresadas como imágenes y sonidos. Al final, como director tienes que decidir qué es lo que la cámara va a filmar y qué es lo que el público va a escuchar. ¿Por dónde empiezas? Hay dos métodos bastante diferentes a la hora de abordar la producción de video:

• El método empírico es aquél donde el instinto y la oportunidad son las guías.
• El método planificado, es aquél que organiza y construye un programa a través de pasos meticulosamente definidos.

✨ El enfoque empírico

Los directores que siguen el enfoque empírico se hacen una idea, luego miran alrededor a los sujetos y situaciones que se relacionan con ella. Después de filmar el posible material, más tarde crean un programa a partir de lo que han encontrado. Su inspiración nace de las oportunidades que han surgido.

Un ejemplo sería que el director decida hacer un programa sobre seguridad en el mar. Usando el enfoque empírico, el director podría ir a un puerto deportivo y desarrollar una producción basada en las historias que se escuchan allí. O el director podría discutir la idea con los salvavidas y decidir seguir un plan diferente.

 El director también podría visitar un muelle comercial y descubrir material de un tipo completamente diferente.

Después de acumular una colección de secuencias interesantes (toma atmosférica, sonido natural, entrevistas, etc.), el director revisa el contenido y lo pone en un orden significativo. Él o ella crea un programa que fija el material acumulado, probablemente escribiendo un comentario como una voz en off para que coincida con las imágenes editadas.

En el mejor de los casos, este enfoque es fresco y desinhibido, improvisa, hace uso de la inesperado, evita la disciplina rígida y es adaptable. Los disparos son interesantes y variados. La audiencia se mantiene alerta, observando e interpretando la cambiante escena.

En el peor de los casos, el resultado es un desastre al azar, con poca cohesión o sentido de propósito. Porque el enfoque no es sistemático, los huecos y las superposiciones abundan. Una buena edición coherente puede ser difícil. Las oportunidades pueden haberse perdido. El director normalmente confía mucho en la voz en off para tratar de proporcionar cualquier tipo de relación y continuidad entre las imágenes.

📑 El enfoque planificado

El método de producción planificado se aproxima el problema de forma bastante diferente, aunque los resultados en pantalla pueden ser similares. En esta situación, el director trabaja, de antemano, en la forma exacta que quiere que tome el programa y luego lo crea en consecuencia.

 Fundamentalmente, puedes hacer cualquiera de lo siguiente:

• Empezar con el entorno o el ambiente, y decidir cómo se pueden posicionar las cámaras para conseguir las tomas más efectivas.
• Imagina ciertas tomas o efectos que quieras para ver, y crear un escenario que proporcionará esos resultados. 

Muchos aspectos dependerán de si

• Se interpreta un guión existente. Esto implica el análisis del guión, examinando la historia y la acción  principal en cada escena, y visualizando tomas individuales.
• Construcción de un marco de tratamiento. Esto implica considerar cómo vas a presentar un tema específico del programa y trabajar en el tipo de tomas que quieres. 

En el mejor de los casos, el enfoque planificado es un método en el que un equipo puede ser coordinado para dar lo mejor de sí mismo. Hay un sentido de propósito sistemático en todo el proyecto. Los problemas se resuelven en gran medida antes de que se desarrollen. La producción se basa en lo que es factible. El programa puede tener un buen resultado, cuidadosamente pensado, estilo persuasivo.

En el peor de los casos, la producción se empantana en la organización. El programa puede ser pesado, rutinario y carente de originalidad. Las oportunidades son ignoradas porque no formaban parte del esquema original y lo modificarían. El resultado podría ser un desastre.

En realidad, el director experimentado utiliza una combinación de lo planeado y el enfoque empírico, comenzando con un plan y luego aprovechar cualquier de las oportunidades que se presenten.

📙 Cuadernos de notas

Los directores necesitan pensar en cada escena en sus mentes para poder entonces capturar las imágenes y convertirlas en un guión gráfico. 

El guión gráfico es simplemente una serie de bocetos en bruto; estos bocetos ayudan al director a visualizar y organizar el tratamiento de la cámara. 

El storyboard es un mapa visual de cómo el director espera organizar las tomas clave para cada escena o secuencia de acción. 

Como director, encontrarás que el guión gráfico puede ser una ayuda valiosa, independiente de la manera en la que vayas a filmar la acción:

• De manera continua, desde el principio hasta el final
• En secciones o escenas (una acción completa secuencia a la vez)
• Como una serie de tomas separadas o «acción» segmentos», cada uno de los cuales muestra una parte de la secuencia.

 Los storyboards pueden ser diseñados de diferentes maneras. Hay programas de software que ayudan el director en la visualización de ideas; alguien puede a grandes rasgos, o un artista de storyboard puede crear dibujos detallados que incluso pueden ser animados para mostrarlos durante el período de recaudación de fondos.

Para comenzar, dibuja una cuadrícula de cuadros en la relación de aspecto adecuada. Ahora imagina tu camino a través de la primera escena, esbozando aproximadamente la composición de cada disparo. No tienes que ser capaz de dibujar bien para producir un storyboard exitoso. Incluso los garabatos más burdos pueden ayudarte a organizar tus pensamientos y mostrar a otros a la gente lo que estás tratando de hacer. Si la acción es complicada, puede que necesites un par de fotogramas para mostrar cómo se desarrolla una toma. En nuestro ejemplo, el conjunto La escena se resume en cinco cuadros.

Veamos una simple línea argumental para ver cómo el guión gráfico te proporciona oportunidades imaginativas (véase el recuadro del guión gráfico, «Analizar la acción»).

La joven ha sido enviada a comprar su primer sello postal.

Hay docenas de formas de rodar esta breve secuencia. Podrías simplemente seguirla todo el camino desde su casa, viendo como cruza la carretera, entra  el de la oficina de correos, sube al mostrador. El resultado sería totalmente aburrido

Pensemos otra vez. Sabemos por la escena anterior dónde va y por qué. Lo único que queremos registrar son sus reacciones cuando compra el sello. Así que cortemos todas las imágenes superfluas y concentrémonos en ese momento.

1. La chica llega al mostrador y mira al dependiente.
2. Vacilante, pide el sello.
3. Abre sus dedos para entregarle el dinero al dependiente.
4. El dependiente sonríe, toma el dinero y saca el libro de sellos.
5. Un primer plano del dependiente arrancando el sello de una hoja.

Ahora tiene una secuencia de disparos, mucho más interesante que un continuo “seguimiento”. 

Estimula la imaginación, guía los procesos de pensamiento de la audiencia, tiene un mayor impacto general. Sin embargo, si este tipo de tratamiento se lleva a cabo mal, el efecto puede parecer desarticulado, artificioso e impostado. Es esencial que el tratamiento coincida con el estilo y el tema.

Podrías haber construido toda la secuencia con ángulos de cámara dramáticos, fuerte música y efectos. ¿Pero habría sido apropiado? Si la audiencia sabe que una bomba está haciendo tictac en un  paquete debajo del mostrador, podría haberlo sido.

 Es demasiado fácil sobre-dramatizar o “preparar” una situación (como los filtros estrella que producen patrones de varios rayos alrededor de las luces, los filtros de difusión para efectos brumosos). Porque ahora se hace mucho en la posproducción. Mejor resiste la tentación.

Este desglose no sólo esperamos que te ayude a visualizar el tratamiento de la imagen, sino que empieces a pensar en cómo un disparo va a llevar al siguiente. 

Empiezas por ocuparte de los aspectos prácticos. 

Por ejemplo, para el caso de anterior de la chica que va a comprar sellos, las tomas 1 y 3 son tomadas desde el frente del mostrador, y los disparos 2, 4 y 5 deben ser tomados desde detrás de él. 

Obviamente, el enfoque más lógico es disparar la secuencia fuera de orden. El guión gráfico se convierte en un plan de rodaje.

Para practicar el «storyboarding«, revisa una película cuidadosamente, haciendo un boceto de cada disparo clave. De esta manera, pronto te acostumbrarás a pensar en secuencias de imágenes en lugar de tomas aisladas.

🗓 ¿Por qué planificar?

Algunas personas encuentran que la idea de planificar es restrictiva. Quieren seguir adelante con disparando. Para ellos, la planificación de alguna manera convierte la emoción de lo inesperado en un compromiso organizado.

Pero muchas situaciones deben ser planteadas y resueltas con anticipación. Los directores necesitan obtener permiso para filmar en propiedad privada, para concertar citas para entrevistar a la gente, y organizar las admisiones, entre otras tareas.

Podrían ocasionalmente tener éxito si llegan sin avisar, pero no asumas esto, ni muchomenos Sin embargo, los directores también deben estar preparados para aprovechar las oportunidades inesperadas. Vale la pena aprovechar lo inesperado, incluso si decides no usarlo después.

🔀 Las tres etapas de la producción

La mayoría de los programas pasan por tres etapas principales:

1. Planificación y preparación. Los preliminares, la preparación, la organización, y ensayo antes de que comience la producción. El noventa por ciento de la obra de una producción suele pasar a la fase de planificación y preparación.
2. Producción. Realmente filmando la producción.
3. Post-producción. Edición, tratamiento adicional y duplicación.

La naturaleza del tema influye en la cantidad de trabajo que se necesita en cada escenario. Una producción que implique una serie de entrevistas directas es generalmente mucho más fácil de organizar que una sobre la exploración en el Ártico o un drama histórico. Pero al final, mucho depende de cómo el director decida abordar el tema.

Trabajando con la más alta calidad, los directores pueden crear una increíble programación usando métodos simples. El tratamiento no tiene que ser elaborado para obtener un buen trabajo. 

Si una mujer en el desierto recoge su botella de agua, la encuentra vacía, y entonces la cámara muestra un pedazo de arena húmeda donde descansó, la toma nos ha dado mucho sin necesidad de elaborar nada. Una sola mirada o un gesto pueden tener un impacto mucho más fuerte que el largo diálogo que intenta mostrar cómo lo que dos personas sienten la una por la otra.

Es importante entender la complejidad de la producción. Algunas ideas parecen simples pero pueden ser difíciles o imposibles de llevar a cabo. Otras parecen muy difíciles o impracticables, pero se logran fácilmente en pantalla. Por ejemplo:

«Apresúrate y arquea la cámara alrededor del actor.» (Difícil. Las tomas de movimiento consumen tiempo, lo que hace casi imposible hacerlo rápidamente.)

«¡Hazla desaparecer!» (Simple. Mantén la cámara quieta, haz que el sujeto salga, y edita el paseo).

🎞 Cobertura

¿Qué quieres cubrir en el tiempo disponible? ¿Cuánto es razonable cubrir en ese tiempo? 

Si hay demasiados temas, no será posible hacer justicia a cualquiera de ellos. Si hay muy pocos, el programa puede parecer lento y laborioso. No hay nada que ganar empaquetando el programa lleno de hechos, porque aunque pueda sonar impresionante, las audiencias rara vez recuerdan más de una fracción de ellas. 

A diferencia de la página impresa, en el video el espectador no puede volver a revisar un elemento, a menos que el programa esté diseñado para ser detenido y rebobinado o se repite con frecuencia.

📝 Construcción de un esquema

A continuación tendrás que preparar el esquema del programa. Esto comienza con una serie de encabezados que muestran los principales temas que deben ser discutidos.

Si usamos el ejemplo de un video instructivo sobre la construcción de un muro, los temas que podemos cubrir podrían incluir las herramientas necesarias, los materiales, los cimientos, la fabricación mortero, método de colocación de ladrillos, y el trabajo mismo de ponerlos. 

Ahora podemos determinar la cantidad de tiempo de programa a dedicar a cada tema. Algunos serán breves y otros relativamente largos. Aunque necesitaremos enfatizar algunos de los temas, saltaremos sobre otros para adaptarlos al propósito del programa

La siguiente etapa es tomar cada uno de los encabezados de los temas y anotar los diversos aspectos que deben ser cubiertos como una serie de subtítulos. Por ejemplo, bajo «herramientas», cada herramienta que deae ser mostrada debe ser listada. 

Ahora hay una estructura para el programa, y el director puede empezar a ver la forma que probablemente tomará.

🌐 Tratamiento amplio

La siguiente etapa en el proceso de planificación será decidir cómo abordar cada subtítulo en el esquema. Recuerda, que todavía estás en fase de ideación y planificación. 

En esta etapa, la idea puede incluso necesitar ser alterada, ser desarrollada más, acortada, o incluso ser eliminada por completo.

Este es un proceso de preguntas y respuestas. Imaginemos la situación:

•  ¿Cuál es el tema y cuál es su propósito?
• Se trata de «la hibernación de los animales en invierno».
• ¿Cómo lo abordarías?

Sería bueno mostrar a un oso preparando su guarida para la hibernación y el asentamiento. Muestras el duro clima de invierno con el animal dormido. Más tarde, muestras al oso despertando en primavera y buscando comida. Y hacer todo esto con un comentario.

• Es una buena idea, pero ¿de dónde vienen las fotos?
• ¿Tienes alguna?
• ¿Estás usando los servicios de una biblioteca de cine?
• ¿Tiene la biblioteca ese tipo de material?

Digamos que no podemos permitirnos obtener las fotos. 

¿Cómo encontrar fotografías de osos que puedas usar?

Puedes tomar las fotografías tu mismo en la naturaleza o en un museo o zoológico, tomarlas de libros con los permisos correspondientes, de bancos de fotos online o colecciones privadas de fotógrafos.

Observa cómo cada decisión conduce a otro desarrollo. Por ejemplo, si decides que vas a hacer fotografías en un zoológico, entonces tienes que averiguar cómo, cuándo y dónde vas a obtener estas fotos. Tienes que averiguar cómo debe iluminarse el zoológico. ¿Causará la jaula de vidrio problemas de reflexión? ¿Puedes obtener el punto de vista que necesitas? Es posible que no puedas decidir en este punto, pero tendrás que hacer alguna investigación para ver lo factible que es cada idea.

🔎 Investigación de la producción

Hay, de hecho, varias etapas durante la creación de un programa en las que probablemente necesites más información antes de que puedas pasar al siguiente paso. 

La «investigación» podría suponer nada más que acudir a un amigo de un amigo para que nos preste algo que necesitamos para el programa. Adicionalmente se descubrirán oportunidades y problemas mientras se completa la investigación. En algún momento esas oportunidades y problemas incluso alterarán el resultado del proyecto. Puede que encuentres un entusiasta que pueda suministrar suficiente material para llenar una docena de programas o puede que tengas que buscar el contenido del programa por completo.

Información típica de la investigación para la fase de planificación y preparación del proceso de producción.

Las listas pueden ser desalentadoras, pero aquí hay recordatorios de las áreas típicas que puedes necesitar mirar en el transcurso de la planificación de la producción.

▶ La idea                      

El proceso exploratorio:

• Encontrar fuentes de información sobre el tema (personas, libros y publicaciones).
• Organizar la consulta de estas fuentes.
• Acumular datos.
• Seleccionar el material que sea relevante y apropiado para la idea.
• Determinar a quién va dirigido el programa.
• ¿Cuál es el propósito del programa?
• ¿Tiene que relacionarse con un programa existente? (¿Hay niveles específicos o  normas que deben cumplirse?)
• ¿El programa debe tener una duración específica?
• Coordinar las ideas en un esquema con encabezados y subencabezados.
• Considerar el desarrollo del programa, formando un guión aproximado o un rodaje guión.

▶ Practicidad                         

Considerar las ideas en términos prácticos:

• ¿Qué es lo que el espectador realmente necesita ver y oír en cada punto de la  programa?
• ¿Dónde se puede filmar el programa?
• ¿Qué tipo de accesorios se necesitan para cada secuencia (artículos, mobiliario)?
• ¿Cómo se debe organizar la escena? (Acción a grandes rasgos.)
• ¿Qué talento (personas frente a la cámara) se necesita para el programa?

▶ El equipo                         

  Que se necesita para rodar el programa:

•  ¿Una sola cámara o varias cámaras?
• ¿Qué equipo, además de la(s) cámara(s), será necesario para hacer el  producción un éxito?
• ¿El equipo es propio, puede ser prestado o necesita ser alquilado?

▶ Comprobar la viabilidad de lo que realmente está involucrado:

• ¿Las ideas y el tratamiento que se están desarrollando son razonables para la  recursos?
• ¿Hay otra forma de lograr resultados similares más fácilmente, más baratos,  más rápidamente, o con menos trabajo?
• ¿Se pueden adquirir los artículos necesarios?
• ¿Están los lugares disponibles y son asequibles?
• ¿Hay suficiente tiempo para investigar, organizar, ensayar, filmar,  y editar la producción?

▶ Los costes:

• ¿Cuál es el presupuesto?
• ¿Cómo se organizará para investigar los posibles costes de una secuencia antes de  incluirse en la producción?
• ¿Es posible obtener el pago por adelantado de los gastos?
• ¿Se requieren pagos por adelantado para algunos servicios y compras?

▶ Asistencia:

• ¿Necesitarás asistencia, mano de obra, ayuda o consejo de expertos, transporte extra, etc., para hacer el trabajo?
•  ¿Qué talento está involucrado (amateur, profesional, casual)?
•  ¿Necesitas servicios profesionales (para hacer artículos, servicio, preparar los gráficos, etc.)?

▶ Instalaciones:

•  ¿Hay instalaciones disponibles que sean suficientes para satisfacer los requsitos del rodaje previsto y el trabajo de post-producción?
•  ¿Se necesitarán instalaciones adicionales para aumentar las instalaciones disponibles?

▶ Problemas:

•  ¿Cuál podría ser el impacto de los principales problemas como el clima en cada secuencia de la producción?
•  ¿Hay algún factor de riesgo o peligro evidente (rodar una secuencia de escalada de un acantilado)?
•  ¿Estará la situación que se necesita disponible en el momento en que el programa se rodará (nieve en verano)? 

▶ El tiempo 

• ¿Hay suficiente tiempo para rodar la secuencia?
•  ¿Qué planes de respaldo debes hacer para proteger la producción en caso de que surjan problemas serios? Por ejemplo, en lugar de tomarte un par de horas para rodar una escena, puedes tomarte dos días con una noche de estancia si las cosas van mal (viento fuerte, lluvia, ruido, etc.). 

▶ Administración                          

Diversos arreglos y acuerdos comerciales: 

• Obtención de permisos de rodaje, pases, permisos, tasas, visados, etc.
• Obtener autorizaciones de derechos de autor, si se utiliza música, copia de fotografías, etc.
• El seguro puede ser necesario para cubrir pérdidas, roturas, lesiones, etc.
• Seguir los acuerdos del Sindicato..
• Puede que se necesiten acuerdos contractuales para el talento, el equipo humano y de grabación, el transporte, la escenografía, la utilería, los trajes y la sala de edición.
• Arreglar el transporte, el alojamiento, la comida y el almacenamiento.
• Devolver los artículos prestados o contratados.

💻 Encuestas a distancia 

Fundamentalmente, hay dos tipos de condiciones de rodaje: en tu base y en una ubicación. Tu base es donde normalmente realizas las tomas. Puede ser un estudio, un teatro, o incluso un estadio. 

La base es donde se sabe exactamente qué instalaciones están disponibles (equipo, suministros y escenario), donde están las cosas, la cantidad de habitaciones disponibles, y demás. Si necesitas complementar lo que hay, puedes normalmente hacerlo con facilidad.

Una ubicación está en cualquier lugar lejos de tu lugar de rodaje habitual. Puede estar fuera del edificio o en el campo. Podría estar en un vehículo, abajo en una mina, o en la casa de alguien. 

La principal preocupación cuando disparas lejos de tu base es encontrar lo que vas a tratar con antelación. 

Es importante estar preparado. La visita preliminar a un lugar generalmente se llama encuesta a distancia, encuesta en el sitio o encuesta de localización.

Puede ser cualquier cosa desde vistazo rápido a tu alrededor hasta un estudio detallado del sitio. 

Lo que encuentres durante el estudio puede influir en el tratamiento de producción previsto. La lista de control que encontrarás a continuación te da más información.

Lista de verificación de la encuesta a distancia 

La cantidad de detalles necesarios sobre una localización varía según el tipo y el estilo de la producción.

La información que puede parecer trivial en el momento puede resultar valiosa más adelante en el proceso de producción. Los lugares de localización pueden ser interiores, exteriores, cubiertos o al aire libre. Cada uno tiene sus propios problemas.

▶ Bocetos                           

• Preparar mapas aproximados de la ruta al sitio que puedan ser distribuidos en última instancia al equipo y el talento (incluye la distancia, el tiempo de viaje).
• Prepara un diseño aproximado del sitio (plano de la sala, etc.).
• Esboza la(s) ubicación(es) prevista(s) de la(s) cámara(s).
• Designa lugares de estacionamiento para los camiones (si es necesario) y los vehículos del personal

▶ Contacto y Horario    

• Obtén información de contacto de la ubicación principal y secundaria Contactos de información, custodia del sitio, electricista, ingeniero y seguridad; esto incluye oficina y los teléfonos, así como el correo electrónico.
• Si se requieren credenciales de acceso para el sitio, obtén el procedimiento e información de contacto.
• Obtén el horario del evento (si existe), y averigua si hay ensayos a los que pueda asistir.

▶ Ubicación de las cámaras

• Revisa alrededor de la ubicación para los mejores ángulos de cámara.
• ¿Qué tipo de soporte de cámara se requiere (trípode, Steadicam, etc.)?
• Si se trata de una producción multicámara, se deben medir las tiradas de cable para asegurarse de que hay suficiente cable de cámara disponible.
• ¿Qué lente se requiere en la cámara en cada lugar para obtener la toma que se necesita?
• ¿Hay alguna obstrucción o distracción (por ejemplo, grandes señales, reflejos)?
• ¿Anticipas algún problema obvio en el rodaje? 

▶ Iluminación

• ¿Se rodará la producción a la luz del día? ¿Cómo cambiará la luz a lo largo del día? ¿Necesitas  que la luz del día sea aumentada con reflectores o ¿luces?
• ¿Se rodará la producción con luz artificial? (Si es así, ¿usarás las tuyas, de un tercero, o una combinación de los dos?) ¿Estarán encendidas en el momento en que estés?
• ¿Cuáles son tus estimaciones para el número de lámparas, posiciones, potencia, necesarios suministros y cableado requerido?

▶ Audio

• ¿Qué tipo de micrófonos se necesitarán?
• ¿Algún problema potencial con la acústica (como un fuerte ruido de viento)?
• ¿Algún sonido extraño (ascensores, teléfonos, calefacción/aire acondicionado, maquinaria, niños, aviones, pájaros, etc.)?
• Se deben determinar las longitudes de cable de micrófono necesarias.

▶ Seguridad                  

• ¿Hay algún problema de seguridad del que deba ser  consciente?

▶ Electricidad

• ¿Qué nivel de poder está disponible, y qué tipo de poder se ¿Necesitará? Esto diferirá enormemente entre una sola cámara y una multicámara   de producción.
• ¿Qué tipo de conectores de alimentación se requieren?

▶ Comunicaciones

• ¿Se necesitan radios? ¿Cuántas?
• ¿Cuántos teléfonos celulares se necesitan?
• Si se trata de una producción multicámara, ¿qué tipo de intercomunicación y cuántos auriculares se requieren?

▶ Logística

• ¿Hay un acceso fácil a la ubicación? ¿En cualquier momento, o sólo en ciertos momentos? ¿Hay algún problema de tráfico?
• ¿Qué tipo de transporte se necesita para el talento y el equipo?
• ¿Qué tipo de catering se necesita? ¿Cuántas comidas? ¿Cuántas personas?
• ¿Se necesitan alojamientos (dónde, cuándo, cuántos)?
• Si el clima es malo, ¿hay posiciones/ubicaciones alternativas disponibles?
• ¿Se ha preparado una lista de números de teléfono para la policía, la compañía, el médico, el hotel y restaurantes locales (de reparto)?
• ¿Qué tipo de servicios de primeros auxilios deben estar disponibles? (¿Basta con un botiquín de primeros auxilios o es necesario que haya una ambulancia en el lugar?)
• ¿Está restringido el acceso al lugar? ¿Necesitas obtener permiso (o llaves) para entrar en el sitio? ¿De quién?
• ¿Qué seguro se necesita (contra daños o lesiones)? 

▶ Seguridad

• ¿Se requiere que la policía local gestione las multitudes o sólo el público en general?
• ¿Qué arreglos deben hacerse para la seguridad de los artículos personales? ¿Equipo, accesorios, etc.)?
• ¿Es necesario bloquear las calles?

✍ Libertad de planificación

En la práctica, hasta dónde se puede planificar una producción depende de cuánto control tengas de la situación. Si filmas un evento público, la planificación puede consistir en averiguar lo que está pasando, decidiendo las mejores oportunidades visuales, seleccionando las ubicaciones de las cámaras, etc. 

El director puede tener poca o ninguna oportunidad de gestionar eventos que se ajusten a sus ideas de producción.

Si, por otro lado, la situación está completamente bajo el control del director, puede arreglar la situación para satisfacer las necesidades específicas de la producción. 

Teniendo que planear las ideas, el director puede entonces organizar los elementos de la producción y explicar el concepto a las demás personas involucradas. 

📹 Disparo con una sola cámara

Cuando se dispara con una sola cámara, el director generalmente está en una de dos situaciones:

• Planificación en principio y grabar según lo permita la oportunidad. Por ejemplo, el director tiene la intención de tomar fotos de la vida silvestre local; pero lo que realmente se grabó dependerá de lo que el equipo encuentre en el lugar.
• Análisis detallado y planificación de tomas. Este enfoque es ampliamente utilizado en la filmación. Aquí se revisa la acción en una escena y luego se desglosa en tomas separadas. 

Cada toma se ensaya y se graba de forma independiente. Cuando la acción es continua durante varias tomas, se repite para cada punto de vista de la cámara.

• Toma 1. Plano general: un actor se aleja de la cámara hacia un espejo de pared.
• Toma 2. Disparo medio: el actor repite la acción, acercándose a la cámara ubicada al lado del espejo.
• Toma 3. Disparo en primer plano: el actor repite la caminata mientras la cámara graba en el espejo, observando su expresión mientras se acerca. 

Cuando se editan juntos, la acción debe aparecer continua. Es esencial que tenga en cuenta la continuidad de los disparos en todo momento.

Es una práctica regular filmar la acción completa en una sola toma larga y luego realizar tomas de primeros planos por separado. Estos disparos individuales pueden ser luego repetidos para un máximo efecto visual. Incluso cuando una persona supuestamente está hablando con alguien Si no, es bastante usual filmar a la persona sola, repitiendo un discurso a la cámara, para permitir que la cámara se coloque en la mejor posición posible.

📽 🎥 Rodaje multicámara

Cuando se filma con dos o más cámaras, un director tiende a pensar en términos de puntos de vista efectivos en lugar de  tomas  específicas. Los resultados pueden ser similares, pero la estrategia es diferente; las cámaras tienen que estar posicionadas para captar varios aspectos de la acción continua.

Cuando se planifica una producción multicámara, los directores tienen que considerar una variedad de las situaciones:

• ¿Vendrá una cámara a la toma de otra cámara?
• ¿Hay tiempo para que las cámaras se muevan a varias posiciones?
• ¿Qué tipo de tomas dicta el guión?
• ¿Cómo se relacionarán los micrófonos y la iluminación con los movimientos de las cámaras (micrófonos visibles o sombras proyectadas por el poste de la barrera, etc.)?

© Derechos de autor

Siempre que se utiliza material preparado y creado por otras personas, un trozo de música, una grabación de sonido, cinta de vídeo, película, una imagen en un libro, una fotografía,etc. los productores/directores están obligados a pagar una tasa por los derechos de autor o una organización apropiada que opere en su nombre, para los derechos de autor para la autorización de uso de dicho material. 

La ley de derechos de autor es compleja y varía entre los países, pero básicamente protege a los creadores de que se copie su trabajo sin permiso. No puedes, por ejemplo, preparar un programa de video con música doblada de una grabación comercial, con inserciones de programas de televisión, revista, fotografías, anuncios, etc. sin el permiso de los respectivos propietarios de los derechos de autor. 

Los propietarios probablemente te exigirán que pague derechos de uso, y estos honorarios dependen del propósito y el uso del programa. Algunos de las excepciones a esta política se producen cuando el programa sólo se ve dentro del hogar o usando una tarea de clase que no será vista por el público. En la mayoría de los derechos de autor se pueden rastrear a través de la fuente del material necesario para la producción (el editor de un libro o una fotografía).

Eso si, puedes encontrar material libres de derechos (libros, imágenes, fotografías, música, vídeos) en internet, en bancos de imágenes y vídeos aplicando los filtros correspondiente para copyleft por ejemplo.

Los acuerdos toman varias formas. Pueden ser restringidos o limitados. Una licencia y/o puede que haya que pagar una cuota por usar el material. Para la música, el sonido y efectos, se suele exigir a los directores que paguen una tasa de derechos por uso, o puede ser  posible comprar los derechos de uso de un artículo o un paquete («método de compra»).

Entre las principales organizaciones que se ocupan de los derechos de ejecución de la música (autorización de derechos de autor para la utilización de música grabada o para ejecutar la música) figuran la La Sociedad Americana de Compositores, Autores y Editores (ASCAP), la Sociedad de Autores y Compositores Escénicos Europeos (SESAC), y Broadcast Music Inc. (BMI). Cuando se autorizan los derechos de autor de la música, tanto la compañía discográfica como los editores de música pueden necesitar estar involucrados.

La música de dominio público no está sujeta a derechos de autor, pero cualquier arreglo o actuación sí. La música y las letras publicadas en 1922 o antes están en el público de los Estados Unidos. Mientras que cualquiera puede usar una canción de dominio público en una producción, nadie puede «poseer» una canción de dominio público. Las grabaciones de sonido, sin embargo, están protegidas por separado de las composiciones musicales. No hay sonido, grabaciones de dominio público en los Estados Unidos. Si necesita utilizar una grabación de sonido existente, incluso una grabación de una canción de dominio público, usted tiene que grabarlo o  usted mismo  autorizar una grabación.

En cualquier caso, te recomendamos te investigues el tema puesto que puedes ahorrarte una cantidad interesarte de dinero en el mejor de los casos y de multas en otros menos favorables…

📝Contratos

Siempre que contrates talento (actores, talento y músicos) o utilizas servicios (como  una empresa de andamios), surgen acuerdos contractuales. Los acuerdos sindicales pueden también estar involucrados. 

Así que antes de comprometerse de cualquier manera, averigua exactamente qué implica tanto financiera como legalmente. Aparte de las tomas generales, siempre que quieras grabar en la calle, es prudente informar a la policía local de antemano. 

Las producciones pueden causar una obstrucción o ruptura de las leyes locales. Si vas a filmar imágenes de personas, estás obligado a obtener su permiso por escrito (con su nombre y dirección). 

Si bien la terminología varía, según el propósito de la producción y la naturaleza de la contribución del actor, la forma de liberación generalmente autoriza al director a utilizar la actuación/aparición del individuo gratis o por una tarifa.

Formulario de consentimiento

Nombre: 

Título del proyecto:

Doy mi consentimiento sin mayor consideración o compensación por el uso (total o parcial) de todas las grabaciones de vídeo tomadas de mí y / o grabaciones hechas de mi voz y / o extracción escrita, en su totalidad o en parte, de tales grabaciones o actuaciones musicales con fines de difusión, cybercast, o distribución de cualquier manera por                 (producción nombre de empresa).

Ubicación:                                                               Fecha:

Firma de la persona o tutor legal:

Dirección:                                                                 La ciudad:

Estado:                    Código postal:                   Fecha: