Investigación

La Creación de Géneros Musicales en el Seno de las Comunidades

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Al investigar sobre los estilos musicales identificados en el siglo XX dentro de los Estados Unidos, se puede comenzar a comprender el proceso de identificar los atributos que caracterizan a los distintos géneros de música.

¿Cuáles son las formas de los géneros musicales y cómo se identifican?

A continuación se muestra una lista adaptada de los atributos que los distintos estilos y géneros musicales son susceptibles de tener.

Cada una de las doce filas muestra una dimensión en común de todos los estilos y cada celda muestra un tributo específico.

Esta lista de atributos, hace evidente que existe una dimensión adicional de diferencia que difícilmente corresponde a la complejidad del mundo musical en un tiempo dado de su historia.

Los atributos particulares de la comunidad musical tienden a acompañar a otros atributos. Y por lo mismo, como ejemplo, las comunidades con muy pocos miembros solían carecer de acceso a sitios para presentarse en vivo, y en muchas ocasiones ni siquiera disponían de un nombre para describir ese estilo musical en surgimiento.

También, la música que atraía a las audiencias nacionales e internacionales estaba plagada de debates en torno a la experticia de los músicos. Para poder capturar esas similitudes, o conjunto de atributos contenido en las dimensiones, la siguiente lista muestra cuatro formas de género:

Vanguardismo, de escena, de industria y tradicionalista. Estos tipos son representados como columnas en la siguiente tabla. Por lo mismo, los tipos de géneros están caracterizados por constelaciones de atributos dimensionales.

Por ejemplo, en la esquina superior izquierda de la tabla, “circulo creativo” es la forma representativa organizacional de los géneros vanguardistas.

Formas de género
Dimension Vanguardista De escenario De industria Tradicionalista
Forma organizacional Circulo creativo Local Campo establecido Clubs, asociaciones
Escala organizacional Local, con algo de internet Local, conectado a internet Nacional, mundial De local a internacional
Organización del locus Casas, cafeterías, bares, espacios vacios Local, translocal, y parte virtual Firmas industriales Festivales, tours, encuentros academicos
Fuentes de ingresos de los artistas Contribuciones propias, socios, empleados Actividades de escena, contribuciones propias Ventas, licenciamiento, mercancia, etc Propias contribuciones, herencia, festivales
Cobertura de prensa Virtualmente ninguna Prensa de la comunidad Prensa nacional De género, consejos y criticas
Ideales del género u objetivos Crear nueva música Comunidad creativa Producen ingresos, poseen propiedad intelectual Preservan la herencia para pasarla a otra generación
Codificación de las convenciones de presentación Baja: altamente experimental Medio: Mucha atención al estilo de codificación Alta: Moldeada por las categorías de la industria Hiper: Hay una gran preocupación con la devaluación
Tecnología Experimentación Codifican las innovaciones tecnológicas Las herramientas de producción estandarizan el sonido Ortodoxia idealizada
Trabajo conjunto En contra de la música establecida En contra de los rivales musicales Impulsado por el mercado En contra de los desviados dentro del género
Vestimenta, adornos, drogas Excentrico Emblemático del género Estilo de mercado de masa Estereotípico y silencioso
Jerga Esporadico Muestra compañerismo Utilizado para vender productos Estilizado
Fuente del nombre de la música Sitio o grupo específico Los miembros del grupo, contenido del género Industria o grandes medios Academias y críticos

Las entradas en una columna de la tabla representan una construcción ideal-típica de un tipo de género, y no operan como aquellos de la tabla periódica de elementos, o como las taxonomías en biología.

Esto es debido a que cada atributo específico es necesario o suficiente para que un estilo musical sea codificado como una forma de género. La tabla de dimensiones y tipos debería ser considerada como una herramienta conceptual para los géneros pocos reconocidos.

Si se realizan distinciones más detalladas entre los atributos, se crearían mucho más. Por ejemplo, se podría haber decidido profundizarn en la “cobertura de prensa” en dos dimensiones: Una que capturara el tamaño y atributos demográficos de los lectores, y otra que reflejara el contenido o carácter de los artículos.

Si bien es posible que la lectura y el contenido no funcionen en un concierto, existe evidencia sustancial que sugiere que esos atributos están correlacionados.

Organizaciones e Ingresos

A lo largo del tiempo, las comunidades musicales han experimentado formas organizacionales particulares, han producido y distribuido sus trabajos para distintos tamaños de audiencia, y han operado con ciertos tipos de organizaciones. Estas dimensiones – formas organizacionales, de escala, locus y actividad – son las primeras tres filas en la tabla.

Cada fase de un estilo música muestra una forma típica de organización social: un circulo, un escenario, los actores que se mueven en torno a las organizaciones formales, y un cuarto estado donde los participantes son divididos entre las tres formas de organización social.

Las comunidades musicales pueden ir desde lo hiperlocal hasta lo global, y esta dimensión es la referida como escala organizacional. Los géneros pueden ser hospedados en vecindarios, nutridos por la comunidad local, o apoyados por la inmensa maquinaria de las empresas globales. El centro de la actividad es el locus organizacional de una comunidad musical. Por ejemplo, los grupos doo-wop de los años 40 solían presentarse en los mismos dos clubes: El Royal en Baltimore y el Howard en Washington.

Los artistas, fans, cazatalentos y cualquier otra persona interesada en el estilo de este género, buscaba poder ir a estos sitios. La forma, escala y locus del doo-wop en los años 40 era local; música de escenario.

De esta misma forma, en Seattle, durante los años cuando Sub Pop Records buscaba crear un mercado para el llamado “Sonido Seattle” (posteriormente apodado como “grunge rock”), los promotores mostraron su iniciativa para crear nuevos bares, clubes y otros sitios de presentaciones en una ciudad donde dichos espacios eran inusuales, particularmente si uno buscaba atraer a una audiencia tan joven.

En estos ejemplos, podemos ver que ambos géneros dependen de la existencia de sitios donde puedan manifestarse, y ambos pueden crear el locus organizacional para la música a partir de materiales en bruto.

En su fase de escenario, muchos estilos de música dependían de un grupo de sitios en distintas ciudades, en los cuales encontraron audiencias locales para su música. En los estilos musicales negros, los presentadores viajaron en el “circuito chitlin”, los artistas de salsa se presentaron en el “circuito cuchifrito”, y los entretenedores judíos tocaron el “Cinturon Borrscht”, mientras que el Reverendo Dorsey y los de Chicago crearon la “autopista góspel”.

En la forma de género tradicionalista,  los miembros de las comunidades dependían de las organizaciones formales, tanto a nivel grande como pequeño, para poder llevar a cabo sus actividades.

Los fans y artistas creaban clubes y asociaciones que distribuían información acerca de la historia del estilo y las actividades actuales de los miembros. Pero los tradicionalistas también tomaban recursos de grandes organizaciones diseñadas para cubrir las necesidades de grupos grandes o diversos.

Los museos y universidades solían proveer espacio físico y recursos financieros para permitir que los miembros de un género pudieran escribir historias, tener conferencias, tener programas de radio, y crear presentaciones.

Las discográficas dedicadas a la producción de música contemporánea estarían de acuerdo con la producción de una remasterización o regrabación de álbumes. A pesar de que estas organizaciones no están dedicadas a servir a comunidades de géneros, su apoyo es vital para la vida de los géneros tradicionalistas.

Es importante analizar los espacios donde se experimenta la música, porque los arreglos espaciales impactan la forma y naturaleza en la que la comunidad siente la música. El tamaño del sitio, la distancia, la interacción entre los músicos y miembros de la audiencia, y el volumen de la música en el espacio  son puntos que guían a los participantes a saber cómo actuar y cómo interactuar, y determinar qué es lo que deberían esperar acerca de las otras “reglas del género”.

Por ejemplo, la música punk contemporánea suele tomar lugar en sitios con escenarios que disponen de pistas de baile, para que los fans puedan bailar. La combinación de colisión y protección mutua entre los fans del punk en estos espectáculos refleja el toque de individualidad y camaradería que caracterizan las actitudes rebeldes de la música punk contemporánea. En contraste, la música clásica y la opera son presentadas en sitios que poseen filas de sillas y no proveen espacio para bailar. Esto apunta al hecho de que estos estilos están diseñados para un consumo pasivo y significativo, y no para otros tipos de interacciones físicas.

La forma organizacional, la escala y el locus de un género musical reflejan otras características de la producción y del consumo. Los grupos de estos atributos podrían predecir la naturaleza de la relación de una comunidad musical con el estado. Los círculos hiperlocales que no generan mucha atención o ganancias podrían no estar expuestos a las políticas de impuestos en torno a las ganancias o propiedad de negocios, pero los miembros podrían vulnerables a la supervisión policial si son vistos elementos peligrosos dentro de la comunidad. Sólo aquellas músicas con una división relativamente avanzada de la labor tienen tendencia a recibir subvenciones del gobierno para cubrir las producciones del trabajo.

Estos ejemplos también revelan que la forma organizacional, escala y el locus reflejan el estatus y la estructura de rol en el grupo. No podríamos esperar que una pequeña comunidad de música desarrolle una infraestructura burocrática, por ejemplo.

Los patrones en la organización de la música podrían influenciar también las formas de comunicación empleadas por los miembros del grupo, como el hecho de que los grupos más pequeños dependan del contacto persona a persona, mientras que los grupos más grandes necesitarían páginas web, boletines y otros medios tecnológicos de comunicación que vayan más allá de la interacción cara a cara.

Por ejemplo, gran parte de los estilos de heavy metal sobreviven a través de la circulación de la música e información con “distros”, o listas de distribución. Listas como estas nutren el crecimiento del death metal, pues los miembros no sólo comparten música, sino también información y consejos. Por ejemplo, muchos grupos (incluyendo a Nasty Savage, Death y Morbid Angel) fueron a Florida para grabar con Scott Burns y su equipo en Morrisound Studios, gracias a la recomendación de músicos colegas. Esto sugiere que la flecha de la causalidad apunta a ambos lados: Las formas de comunicación dentro de una comunidad es producida, y puede producir, la localización física primaria de la música. Dado a que las relaciones con el estado, el grado de burocracia y los medios de comunicación están consistentemente asociadas con los atributos de la forma organizacional, la escala y el locus de la música, no fueron incluidos como una distinción en la tabla.

Las fuentes de ingresos disponibles para los artistas reflejan en gran medida la forma organizacional, el locus y los objetivos del género, y han sido de gran interés para los estudiosos trabajando en la intersección de la economía política, dinámicas urbanas sociales y la producción cultural.

No hay estudios que documenten de forma exhaustiva la cantidad y el tipo d ingresos que ganan los artistas musicales, aunque las negociaciones contractuales, las dificultades financieras y las estrategias en distintas plataformas se ven en gran parte de los perfiles de los productores de música, discográficas y bandas.

No obstante, sabemos que los tipos y cantidades de dinero disponible para los grupos determinan, en una gran medida, el tamaño y la diversidad del público que escuchan su música. De esta misma forma, el tamaño y la diversidad de la base de fans para un estilo musical determina, en cierto grado, los tipos y cantidades de fondos que tienen disponibles los artistas.

En la etapa vanguardista, los productores de música requieren pocos recursos: Tan sólo el tiempo y el espacio para experimentar.

En la música, las fuentes de apoyo práctico son los más diversos a lo largo de todas las formas de género: Los artistas dependen en muchas ocasiones de sus familiares, amigos o empleos no relacionados con la música para poder llevar a cabo su labor creativa. Por ejemplo, gran parte de los cantantes de doo-wop suelen tener trabajos “ordinarios” en la comunidad con negocios que, de forma formal e informal, apoyan la comunidad musical: Los artistas podían trabajar medio turno o ajustar su horario para que sea acorde con sus viajes.

Alphonso Feemster de Four Bars Of Rhythm explicó un poco acerca de los primeros días del grupo: “Estoy cantando, aún canto, tengo un trabajo en Morton´s (tienda departamental), sí. Eddie trabajaba en una fábrica de camas cerca de la esquina con Morton´s. Melvin trabajaba ahí con él. Estamos todos en la misma área”.

Los negocios de Baltimore y Washingtong D.C promocionaron programas de radio para la música doo-wop, vendieron grabaciones, y en algunas ocasiones patrocinaban o administraban talentos de shows, concursos o incluso grupos.

En los géneros de industria, los artistas ya no necesitan depender de la familia, amigos o trabajos adicionales para poder subsistir.

Los músicos generan ingresos a través de contratos de grabación, ventas de entradas y apariciones, venta de merchandising, y acuerdos de patrocinio. Si bien es cierto que las organizaciones involucradas en los géneros tradicionalistas son negocios sin fines de lucro apoyados por donaciones y subsidios, las universidades también juegan un rol importante, apoyando los estilos musicales al contratar a historiadores y músicos para que den cursos en el tema.

La naturaleza de la cobertura de los medios es diferente a nivel substancial entre las distintas formas de los géneros. En el periodo de escenario de muchos estilos musicales, los medios locales eran los que llevaban las piezas de información a la comunidad en surgimiento.

En el periodo del grunge rock de escenario, las estaciones locales de radio como KCMU y JKET incluían la música en sus listas de reproducción, y operaban localmente, y periódicos como Backlash y The Seattle Rocket publicaban historias de la música. Por supuesto, los miembros del escenario podían utilizar los medios para avanzar en la popularidad de la música.

En el grunge, los dueños de la discográfica Sup Pop, Pavitt y Poneman, contrataron a un agente de prensa de Londres para promocionar las bandas en el Reino Unido (con la creencia de la prensa de música británica aumentaría el interés en el género, y le pagaron a Melody Maker´s para que Everett True cubriera el “fenómeno grunge” de Seattle. Luego de que el DJ británico John Peel comenzara a evaluar de forma positiva la música de Sub Pop, la prensa de rock se interesó y las bandas de Seattle pasaron a ser llamadas como “Las salvadoras del rock”. El grunge se convirtió rápidamente en una sensación popular, llegando a alcanzar el género de industria.

En contraste, la fase del género de industria está dominada por información de mala calidad y piezas de información críticas en los medios nacionales. Mientras que algunos de los mejores periódicos de música van a buscar contactar a los músicos para producir historias en torno a la vida y los pensamientos de los músicos, los grandes noticieros buscan ser sensacionalistas con la música de industria,  indagando en el estilo de vida de los artistas como si fuera un peligro, o afirmando que la sociedad va a colapsar por culpa de sus fans “anárquicos, antisociales y hedonísticos”.

En los géneros tradicionalistas, los medios se enfocan en la música como un material a ser juzgado, más no como una noticia. Estos medios apoyan los objetivos de dicho géneros: preservar la historia de la fase de escenario, introducir a los nuevos fans y artistas a esta música, y reforzar la sensación de autenticidad en la comunidad.

Y por lo mismo, como ejemplo, en los años 1960 y 1970, la prensa de rock no escribía piezas analizando los estilos vocales de los grupos más viejos, o su instrumentación, sino que “se concentraban en encontrar… a los verdaderos autores de los grupos, usualmente los compositores o productores”. Por lo mismo, el foco deja de ser sólo en la música y pasa a ser un proceso de autentificación que apenas logra tocar el sonido. Caracterizar la escala y naturaleza de los medios de prensa es una herramienta importante para identificar la forma del estilo de un género.

Ideales del género y estilos

Los géneros no son definidos únicamente por las características del entorno organizacional y de las prácticas institucionales que surgen con ellos, sino también por los atributos de los artistas y la música que tocan. Estas dimensiones incluyen el ideal del género, las convenciones de presentación, la tecnología, el trabajo conjunto, códigos de vestimenta y discurso, y la fuente del nombre del género.

La parte interesada del género tiene una serie de objetivos marcados, o “una serie de cambios preferidos hacia (los que ellos afirman) los cuales se están dirigiendo”, siendo distinto de los movimientos sociales. A estos objetivos se les conviene llamar “los ideales del género” del grupo, estos son, específicamente, un grupo de cambios preferidos que los miembros del género  buscan alcanzar.

Los ideales del género tienen una fuerte similitud con las sensibilidades de “las comunidades críticas”, donde un grupo de pensadores críticos cultivan una sensibilidad en torno a un problema, y desarrollan un consenso acerca de sus causas y buscan formas de resolverlo. En la música, estos suelen surgir de cuestionamientos al estatus quo. Por ejemplo, los artistas de grunge vanguardista desarrollaron un ideal de género en base a sus objeciones al hair metal, pop y rock del momento.

Gruge era anti-macho y anti-mainstream, una reacción en contra de los estilos de las cantantes pop Madonna y Paula Abdul, y el estilo de bandas de hair metal como Mötley Crue, Poison y Bon Jovi. La parte vocal del grunge era simple, usualmente ininteligible, debido a que los cantantes evitaban las voces de ópera del hair metal. El surgimiento de un nuevo artista, una nueva escuela, grupo o movimiento está marcado por el hecho de que eso representa problemas para otros artistas, y que sus argumentos se vuelven el foco de las conversaciones y luchas.

Incluso cuando un ideal de género no está estipulado de forma expresa, los miembros del grupo llegan a un acuerdo con respecto a los cambios que quieren hacer en la música existente. Por otra parte, a medida que el ideal de género madura, los miembros de la comunidad se enfocan en la preservación de un estilo histórico o anterior. Cuando el doo-wop alcanzó su fase tradicionalista, a mediados de los años 60, la invasión británica estaba atrayendo a una audiencia de clase media mucha más amplia, haciendo que se interesaran en el rock and roll. Los aficionados al Doo-wop lamentaron la ignorancia de la nueva audiencia del rock en sitios como Big Town Review y Record Exchanger, especialmente su falta de conocimiento en torno al papel que tuvo el doo-wop en el surgimiento de este popular género.

Dado a que los géneros tradicionalistas tienen menos apoyo de los fans que los fans de la música contemporánea y popular, éstos suelen refinar sus gustos a través de una afinidad implícita con las formas de los artistas, caracterizadas por una estética impecable, y una audiencia distinguible. Por ejemplo, el músico de jazz Bolb Wilber dijo en los años 90: “Pienso que es el movimiento más importante en el jazz de la próxima década, la restauración del jazz temprano… En otras palabras, nosotros tocamos Mozart en la actualidad, y no se considera como algo pasado de moda. ¿Por qué no tocar Jelly Roll Morton, King Oliver, Duke Ellington, Benny Goodman, y Charlie Parker?”. La comparación de los trabajos iniciales en distintos estilos de jazz con Mozart es para hacer referencia de la popularidad del jazz y cómo irá a crecer en el futuro.

El ideal de género es usado para referirse a una serie de convenciones de presentación que son adoptadas por el grupo, para que los músicos sepan que esperar de sí mismos. Esta amplia variedad va desde ser muy abierto y experimental hasta ser completamente rígido y codificado. Para mostrar que son parte de la escena, los músicos novatos deben demostrar que entienden las convenciones convergentes de la presentación de los géneros.

Los innovadores o estrellas dentro de la comunidad son producidos cuando los artistas pueden introducir o modificar las convenciones de presentación en formas que sean acordes con lo que se aprueba. Por supuesto, gran parte de las convenciones son tomadas de otros géneros en el mundo de la música, pero algunas son modificadas o son completamente únicas para el género en formación.

Las convenciones que gobiernan el comportamiento de la audiencia también se consolidan al pasar el tiempo. En adición a esto, las convenciones en torno a la evaluación del acto se van desarrollando y se convierten en el centro del discurso crítico tanto dentro como fuera del género. Mientras que los grupos pequeños tienden a darle prioridad a la innovación, y los grupos locales buscan nutrir a la comunidad de apoyo, otros géneros buscan producir sitios, o preservar la herencia.

La demostración e innovación de las convenciones de acto depende en muchas ocasiones de la habilidad y mutabilidad de las tecnologías requeridas para la producción musical. Los cambios en la tecnología suele augurar el surgimiento de nuevas músicas. Así fue el caso donde los músicos de rap descubrieron formas en las que dos giradiscos podían conectarse entre sí y sincronizarse para que la música de una o ambas mesas pudiera ser escuchada. Sin esta innovación, el arte moderno de “giradiscos” y los espectáculos en vivo de rap no podrían haber evolucionado como lo hicieron. Las formas del género son diferenciadas en base al uso que se le da a la tecnología: Como una herramienta experimental, o en la forma convencional en la que los instrumentos fueron diseñados para estandarizar el sonido musical.

Los miembros de las comunidades musicales buscan identificarse a sí mismos, en mayor o menor medida, con el grupo, y por lo mismo la nomenclatura, estilo y la jerga son características que evolucionan con la comunidad.

Los miembros del género identifican a los que pertenecen en la comunidad, utilizando una vestimenta distintiva, uso de drogas, y su forma de hablar. Algunos de estos identificadores son demográficos: por ejemplo, los miembros son de la edad, género y etnia “apropiada”, y provienen de áreas geográficas específicas. Generalmente ninguno de estos elementos es esencial, pero hacen más sencillo el integrarse en la comunidad. En suma a eso,  los identificadores basados en afinidades electivas podrían incluir los siguientes: Ropas, accesorios, estilos de baile, lenguaje distintivo, cuidado del cabello, trabajo del cuerpo, normas sexuales, uso de drogas, valores expresivos (poder blanco, flower power, lo urbano, lo rústico, religiosidad, valores) y otros elementos de estilos de vida.

El estilo es un recurso simbólico central que los géneros (al igual que las subculturas) suelen emplear para poder identificar su relación con el estatus quo, particularmente en casos donde buscan desafiar la hegemonía cultural. Pero no siempre hay una correspondencia directa entre los distintos “estilos” y diferencias musicales; se ha discutido que la música riot grrrl, straight edge, anarcho-punk, y White power diferencian sus comunidades a través de una distinción política y filosófica, no estilística ni musical.

No obstante, no hay duda alguna en torno a la correspondencia entre los modos creativos de vestimenta y discurso, y las nuevas comunidades musicales, al igual que la relación entre los productores en masa y mercaderes en el caso de músicos populares. Los artistas suelen identificar su estilo como una extensión de la ideología de su grupo; consideremos al grupo de rock chino Geo Qi:

“Nuestro estilo representa nuestra actitud, y también tiene un valor psicológico. Cuando tienes tu cabello en tus hombros, todos te ven en la calle. Logra atraer la atención hacia ti. Suena superficial, pero en la tradición china se supone que debes ser reservado y discreto, y necesitamos superar esta restricción”.

Dado a que los músicos en China suelen emitir críticas a las medidas de censura por parte del PCC (Partido Comunista Chino) en contra de la expresión individual y la creatividad, los estilos de vestimenta eran una forma simple de manifestar su crítica.

En otros casos, las comunidades musicales adoptan estilos de vestimenta como una crítica a los estereotipos. El grupo Ink Spots llevaba trajes blancos con flores en sus solapas. Durante los espectáculos, los miembros del grupo utilizaban movimientos finos y precisos, en conjunto con una postura formal. Al hacerlo, adoptaron una actitud distinta a la gran mayoría de los artistas negros, o bien, se lograron diferenciar del estereotipo de los artistas negros y sus “bailes para el Hollywood blanco. Los Ink Spots no eran estereotípicos”. El grupo utilizo su estilo como una forma de crítica política y afiliación con el género.

En los géneros de industria, un estilo de música está dentro del mercado en masa, y suele aparecer en distintos formatos ya que las firmas buscan poder generar ganancias con tantos productos como sea posible. Como firmas de la fase industrial del grunge, se lanzó una película basada en la música de Seattle (Singles), y el festival de rock alternativo Lolapalooza, el cual se logró vender en todo el país.

Poco tiempo después, la palabra “alternativo”, la cual era utilizada para describir bandas provenientes de Seattle, comenzó a ser utilizada para vender productos como Budweiser (una cerveza “alternativa” y para describir el programa de video de MTV (Nación Alternativa); la estética grunge inspiró al diseñador Marc Jabocs para incorporar franelas, pasamontañas y botas Doc Marten dentro de la colección de 1992 de Perry Ellis.

La sección de estilo del New York Times tuvo como portada “El Grunge: Una historia de éxito”. El editor de una revista de moda para hombres, Details, no fue el único en notar que el ubicar al grunge como un estilo es algo irónico, de la misma forma que era irónico que la música punk llegara a tener un mercado en masa: “la cosa con el grunge es que no es anti-moda, es no-moda”. Por supuesto,  parte del público se sintió atraído por el grunge y el punk debido a su aparente sinceridad.

La jerga específica funciona como un elemento que sirve para crear una unión entorno las comunidades musicales, pero son los nombres los que definen al grupo. El nombre elegido puede ser utilizado para distinguir tipos musicales y revelar procesos de memoria colectiva y estructuras de discursos que conectan la nomenclatura con las formas del género.

Estos nombres surgen de muchos tipos de fuentes distintos, y en muchas etapas distintas del desarrollo de la música. Es común la creencia de que son los disc-jockeys y los críticos los que ponen los nombres a los estilos musicales: al DJ y personalidad de televisión Alan Freed se le da el crédito por haber popularizado el término “rock n roll”.

Es común que muchos individuos afirmen haber creado el nombre actual. Por ejemplo, el DJ venezolano Phidias Danilo Escalona utilizó el término “salsa” para hacer referencia a la música de baile latina durante los años 60, pero la editorial de New York Izzy Sanabria afirma haber inventado el término.

Los artistas y fans niegan nombres particulares en ocasiones donde pareciera que dicho nombre fue propuesto por empresas, las cuales buscan generar ganancias de la música. Se considera que esos términos no son auténticos. Por ejemplo, cuando se le preguntó a Rubén Blades “¿Qué es salsa?” él respondió “Nunca me ha gustado ese adjetivo. Fue utilizado para identificar una serie de ritmos provenientes de un área del Caribe para poder venderlo a los norteamericanos y el resto del mundo. Es decir, están simplificando una forma de información musical que es muy compleja… Y logró obtener la aceptación peyorativa de un género mimado en la parte más oculta de la cultura latinoamericana”.

Ciertamente, algunos términos para los géneros han sido creados por grandes empresas dentro de la industria de la música, como cuando la revista Billboard introdujo el 25 de junio de 1949 la lista de “Rhythm and Blues” (R&B) para representar los éxitos dentro de los géneros contenidos dentro de la popular música negra.

Inventaron el término “R&B” para reemplazar un término anterior “canciones de razas”, también inventados (por Okeh Record Company) para referirse a la música por y para los afroamericanos.

Las canciones de raza incluían canciones con estilos diversos como góspel, blues, palabra hablada como sermones, y algo de jazz. Al igual que el término anterior, el R&B es una categoría más mercantil que una descripción de lo que realmente contiene.

Billboard creó de forma similar una lista llamada “Country and Western” (C&W) para contener el hillbilly, honky-tonk, el western swing, la música cowboy, folk, y la country jive.

Finalmente, el término “música global” fue creado por discográficas que buscaban vender la música folk, primeramente aquella que fue grabada por músicos africanos, para los consumidores de occidente.

Estas doce dimensiones de comunidades musicales organizan o describen cuatro formas de género características: Vanguardista, de escenario, de industria y tradicionalista.

Las cuatro formas de género pueden ser utilizadas para describir cualquiera de los 60 géneros estadounidenses en algún momento del tiempo.

Dada una descripción de la forma organización o el locus de una comunidad musical, la claridad de sus códigos de vestimenta, o el grado del consenso en torno a las convenciones musicales, cualquier estilo musical puede ser incluido en una de esas formas de género. Las formas proveen un atajo para iluminar los obstáculos y oportunidades evidenciadas por los miembros de la comunidad.


Fuente:

C. Lena, J., “Banding Together. How communities create genres in popular music”

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