Composición Musical ▷ Apuntes y Terminología

Tras la Guía Práctica sobre Composición Musical vamos con varios apuntes sobre qué es la composición, algunas de la particularidades de la composición en la música clásica y en la música moderna para continuar con aclaraciones sobre varios de los términos utilizados por parte de los compositores.

A continuación tienes el índice de contenido de este artículo para que puedas hacerte una idea de los apartados tratados de un vistazo.

Qué la Composición Musical

La composición musical puede referirse a una pieza original de música, o bien una canción o una nueva canción escrita o pieza musical.

Las personas que crean nuevas composiciones son llamados compositores en la música clásica.

En la música popular y tradicional, los creadores de canciones nuevas son normalmente llamados escritores de canciones. Por su parte, la persona que escribe nuevas letras para una canción es el letrista.

“Componer” es el acto de participar en la creación de una canción u otra pieza musical.

En muchas culturas, incluyendo la música clásica occidental, el acto de componer generalmente incluye la creación de notaciones musicales, tal como una partitura, que luego es interpretada por el compositor o por otros músicos instrumentales o cantantes.

En la música popular y la música tradicional, la composición puede incluir la creación de un esquema básico de la canción, llamada partitura, que establece la melodía, las letras y la progresión de acordes.

En la música clásica, la orquestación (la elección de los instrumentos de un gran conjunto de música como una orquesta que tocará las diferentes partes de la música, como la melodía, el acompañamiento, la contramelodía, la línea de bajo, etc.) es típicamente realizada por el compositor, pero en el teatro musical y en la música pop, los compositores pueden contratar a un arreglista para hacer la orquestación.

En algunos casos, un escritor pop o tradicional podría no utilizar notaciones escritas en lo absoluto, y en su lugar componer la canción en su mente y luego tocar, cantar y / o grabar desde la memoria. En el jazz y la música popular, grabaciones sonoras notables de artistas influyentes se dan el peso que las partituras escritas o impresas juegan en la música clásica.

Aunque una composición musical a menudo utiliza notaciones musicales y tiene un solo autor, este no siempre es el caso.

Una obra musical puede tener múltiples compositores, lo cual regularmente ocurre en la música popular cuando todos los miembros de una banda colaboran para escribir una canción, o en un teatro musical, cuando una persona escribe la melodía, una segunda persona escribe las liricas, y una tercera orquesta las canciones.

Una pieza musical también puede ser compuesta con palabras, imágenes, o, desde el siglo XX, con programas que explican como el cantante o músico debería crear sonidos musicales.

Los ejemplos van desde la música de vanguardia del siglo XX que utiliza la notación gráfica, hasta composiciones de texto como “Aus den sieben Tagen” de Karlheinz Stockhausen, hasta programas de ordenador que seleccionan sonidos para piezas musicales.

La música que utiliza mucho la aleatoriedad y el azar se llama música aleatoria y está asociada con compositores contemporáneos activos en el siglo XX, como John Cage, Morton Feldman y Witold Lutosławski.

Un ejemplo muy conocido de la música basada en el azar es el sonido de los carillones de viento tintineando en una brisa.

El estudio de la composición tradicionalmente ha sido dominado por el análisis de métodos y práctica de la música clásica occidental, pero la definición de composición es lo suficientemente amplia como la creación de música popular y canciones de música tradicional y piezas instrumentales e incluye obras improvisadas espontáneamente como las de intérpretes de jazz libre y percusionistas africanos como tambore ewé.

Aunque en el año 2000, la composición consiste en la manipulación de cada aspecto de la música (armonía, melodía, forma, ritmo, y tono), según Jean Benjamin de Laborde..

La Composición consiste solo dos cosas.

La primera es arreglar y disponer de varios sonido de tal manera que su sucesión agrada al oído. Esto es a lo que os ancestros llamaban melodía.

La segunda es la representación audible de dos o más sonidos simultáneos de forma tal que su combinación sea placentera. A esto es lo que llamamos armonía, y solo eso merece el nombre de composición.

Terminología

En la música clásica, una pieza musical (un concierto, movimiento de baile, canción, etc.) existe en forma de una composición en notación musical o como un sencillo «acústico» en vivo (una actuación en directo en recital).

Desde la invención de la grabación de sonido, una pieza clásica o canción popular puede existir como una grabación.

Si la música es compuesta antes de ser presentada, podría ser presentada de memoria (la norma para solistas instrumentales en concierto y cantantes en espectáculos de ópera y recitales de canciones de arte), mediante la lectura de la notación musical escrita (la norma en grandes conjuntos, como orquestas, bandas de conciertos y coros), o través de una combinación de ambos métodos.

Por ejemplo, el chelista principal en una orquesta podría leer la mayor parte del acompañamiento en una sinfonía, donde se tocan tutti las partes, pero luego memorizar un solo expuesto, con el fin de ser capaz de ver el conductor.

Las composiciones comprenden una enorme variedad de elementos musicales, que varían ampliamente entre géneros y culturas.

Los géneros musicales populares después de 1960 utilizan ampliamente instrumentos eléctricos y electrónicos, como la guitarra eléctrica y el bajo eléctrico.

Los instrumentos eléctricos y electrónicos se utilizan en las composiciones y conciertos de música clásica contemporánea, aunque en menor medida que en la música popular.

La música de la era de la música barroca (1600-1750), por ejemplo, utilizaba solo instrumentos acústicos y mecánicos como, cuerdas, bajos, instrumentos de viento, timbales e instrumentos de teclado, como clavecines y órganos.

La era de las bandas pop del año 2000 pudieron usar guitarras eléctricas tocadas con efectos electrónicos a través de amplificadores de guitarra, un teclado sintetizador digital y baterías electrónicas.

Improvisación

Diferentes estilos musicales permiten a los cantantes y a los interpretes utilizar varias cantidades de improvisaciones musicales durante las presentaciones de una composición o pieza.

En jazz libre, los interpretes pueden tocar sin ninguna partitura, forma o plano.

La improvisación es el acto de componer elementos musicales espontáneamente durante la presentación, en lugar de que un compositor escribiera la música con antelación.

La improvisación fue una habilidad importante durante la era de la música barroca (1600-1750); se esperaba que los instrumentistas y cantantes fueran capases de improvisar ornamentos y agregarlos a una melodía simple.

Además, se esperaba que los instrumentistas que tocaban acordes, como los intérpretes de clavicordios o los organistas de tubos, pudieran improvisar acordes de bajo, que usaba números y marcas cerca de la línea de bajo escrita para indicar qué armonías debían ser tocadas.

Durante el periodo clásico (1760-1820), se esperaba que los instrumentistas solistas pudieran improvisar unas cadenzas virtuosas durante un concierto.

En la era de la música romántica (1820-1910), los compositores empezaron a escribir ornamentos y cadenzas, y así no se esperaba que los músicos clásicos improvisaran tanto.

En la música clásica contemporánea (1945-2016), algunos compositores comenzaron a escribir piezas que indican que el intérprete debe improvisar durante ciertas secciones.

En el estilo de la música popular occidental como el rock y los estilos de música tradicionales como el blues, jazz y la música bluegrass, la improvisación es una habilidad esperada de varios intérpretes, incluyendo los miembros de la sección rítmica tocando partes solistas y de acompañamiento (por ejemplo, un guitarrista tocando un solo de guitarra).

En la mayoría de la música popular y tradicional, los músicos de la sección rítmica improvisan partes de acompañamiento, usualmente basado en una progresión de acordes conocida por el intérprete ( por ejemplo el twelve bar blues) o que se anota en partituras utilizando símbolos de acordes (por ejemplo, D minor, G7, C mayor) -I), o, en la música country, usando el sistema de números de Nashville.

Se espera que los principales intérpretes de rock y música tradicional puedan improvisar un solo (por ejemplo, el solo de guitarra, que es una sección clave de canciones de rock, metal y blues).

Piezas

Pieza en general “un término no técnico (que empezó a serlo) aplicado principalmente a las composiciones instrumentales del siglo XVII en adelante aparte de cuando se toman individualmente «pieza» y sus equivalentes son raramente utilizados de movimientos en sonatas o sinfonías  los compositores han utilizado todos estos términos (en sus diferentes idiomas) con frecuencia en formas compuestas (por ejemplo, Klavierstücke).

En la música vocal el término se utiliza con mayor frecuencia para los conjuntos de ópera.

Composición Como Forma Musical

Al examinar la composición de una obra musical, la estructura (u organización) de esa obra es generalmente llamada su forma musical.

Estas técnicas trazan paralelos desde los elementos formales de las artes visuales.

A veces, toda la forma de una pieza está compuesta por completo, lo que significa que cada parte es diferente, sin repetición de secciones.

Otras formas incluyen por estrofa, rondo, verso-coro, y otros. Algunas piezas se componen alrededor de una escala establecida, donde la técnica compositiva podría ser considerada el uso de una escala particular.

Otros se componen durante la presentación, donde una variedad de técnicas también se utiliza a veces.

Algunos se utilizan de canciones particulares que son familiares.

La escala para las notas usadas, incluyendo el modo y nota tónica, es importante en la composición musical tonal.

En la música que usa la técnica de doce tonos, la fila del tono es aún más comprensiva que una escala.

Del mismo modo, la música de Oriente Medio emplea composiciones rígidamente basadas en un modo específico (maqam) a menudo dentro de contextos de improvisación, al igual que la música clásica india en el sistema Hindustani y Carnática.

Tradición de la India

En la tradición musical de la india hay muchas formas de composición musical. En cierta medida, esto se debe a que hay muchos estilos musicales que prevalecen en diferentes regiones del país, como la música hindustana, la música carnatica, la música bengalí, y así sucesivamente.

Otra influencia importante en la composición es su relación con la música folklórica, tanto indígena como también de la cultura musical de Arabia, Persia y Bengala.

En la tradición musical hindustani, Drupad (originalmente en sánscrito y adaptaciones posteriores en hindi y Braj Bhasha) está entre una de las composiciones antiguas y había formado la base para otras formas en esta tradición de la música como khyal, thumri y raga. En la tradición musical de Karnatak las composiciones están en la forma de Kriti, varanam y padam.

Progresion de Acordes

Un método para la composición musical es iniciar utilizando una progresión de acordes. Hay muchos “patrones” de progresión de acordes utilizados en la música, tal como ii-V7-I (en la clave de C mayor, esto es los acordes D menor, G7 y C mayor) e I-vi-ii-V7 (en la clave de C mayor, esto sería los acordes C mayor, Un menor, D menor y G7).

Un compositor puede utilizar unos de estas progresiones de “patrones”, o modificar uno para crean un efecto diferente.

Por ejemplo. El acorde dominante secundario y séptimo dominante podrían ser agregados, el cual podría transformar II-VI (en la clave de C mayor, esto sería los acordes D menor-G mayor-C mayor) en V7 / ii-V7 / -V7-I (en la clave de C mayor, esto sería Los acordes de A7-D7-G7-C mayor).

Los acordes también podrían ser seleccionados para reflejar el matiz de la emoción transmitida en una canción.

Por ejemplo, seleccionar una clave menor, pero con acordes mayoritariamente mayores (es decir, III, VI, VII) podría transmitir una sensación de «esperanza».

Además, para indicar un estado de ánimo «oscuro», un compositor podría usar acordes inusuales tales como moverse de I-II (en la clave de C mayor, esto sería los acordes C mayor y D ♭ mayor; D ♭ no es un Nota de la llave de C mayor, por lo que el uso de este acorde tiene un efecto dramático.

Otra forma de crear efectos dramáticos con una progresión de acordes es introducir una modulación en una nueva clave. Modulación a una clave estrechamente relacionada (por ejemplo, para una canción en la clave de C mayor, que modula a la dominante, mayor de G).

Modulando a llave relativamente cercana tales como G mayor ha sido una práctica común desde al menos el 1700, por lo que mientras esto podría aumentar el drama de una pieza, no crearía un efecto emocional significativo. Por otro lado, la modulación de una clave que no está relacionada con la clave tónica, como la modulación de la clave de C mayor (el tónico) a A ♭ mayor o G ♭ mayor.

Una vez que se selecciona la serie de acordes, se añaden líneas adicionales a la pieza.

La parte más importante en muchos géneros es una línea melódica principal.

Esta melodía puede ser apoyada por una o más líneas de armonía. Las canciones a menudo tienen una línea de bajo la cual agrega identidad a la pieza.

La música popular escrita con frecuencia de esta manera donde una serie seleccionada de acordes forma la estructura de cada una de una sección particular de la canción (por ejemplo, verso, coro).

La línea melódica habitualmente depende de las liricas escogidas por el escritor y puede variar un poco manera de verso a verso.

Melodía

Otra manera de componer música es comenzar creando una melodía, tema melódico, o grupo de melodías.

Una vez que estas melodías y temas han sido creados, el compositor puede entonces agregar los acordes adecuados los cuales apoyaran esta melodía.

La misma melodía puede ser apoyada con muchas progresiones de acordes diferentes.

Por ejemplo, si un escritor tiene una canción en clave de C mayor en la cual la melodía empieza con una “G” larga, esta nota melódica podría ser apoyada con un acorde tónico (C mayor), un acorde dominante (G mayor) o un acorde medio (E menor).

Si la canción está escrita en estilo jazz, esta tiene la nota “G” que podría ser apoyada con un acorde dominante secundario (por ejemplo, un acorde A7, en el cual “G” es la séptima dominante del acorde, que podría entonces resolver a n acorde D menor), o incluso tratando la nota de la melodía como una «extensión» de un acorde existente (por ejemplo, soportando la nota «G» larga con un acorde F mayor, haciendo así la nota «G» la novena de este acorde).

Estilo libre

Otro método involucre el estilo libre de un instrumento, por ejemplo, un pianista podría simplemente sentarse y comenzar a tocar acordes, melodías, o notas que vengan a su mente con el fin de conseguir alguna inspiración, luego construir sobre las líneas descubiertas.

El estilo libre también es usado por guitarristas, que exploran riffs y licks diferentes en el instrumento.

Métodos computerizados

Como la tecnología se ha desarrollado en el siglo XX y XXI, los nuevos métodos para componer música han surgido.

Un método implica el uso de algoritmos informáticos contenidos en samplers para traducir directamente la fonética del habla en sonido digital.

Auriculares EEG también se han utilizado para crear música mediante la interpretación de las ondas cerebrales de los músicos.

Este método se ha utilizado para el proyecto Mindtunes, que implicó la colaboración de músicos discapacitados con DJ Fresh, y también por los artistas Lisa Park y Masaki Batoh.

Instrumentación Compositiva

La tarea de adaptar una composición para diferentes conjuntos musicales se denomina organización u orquestación, puede ser realizada por el compositor o por separado por un arreglista basado en la composición del núcleo del compositor.

Una composición puede tener múltiples arreglos basado en factores tales como tipo y amplitud de audiencia a la que se planea llegar, género musical o tratamiento estilizado, consideración de presentación en estudio o en vivo, músicos e instrumentos disponibles, meta comercial y restricciones económicas.

Basado en tales factores, los compositores, orquestistas y/o arreglistas tienen que decidir sobre la instrumentación de la obra original.

En la década del 2010, los compositores contemporáneos pueden escribir virtualmente para casi todas las combinaciones de instrumentos, abarcando desde sección de cuerdas, viento hasta la sección de bajos utilizados en arquetas estándar para instrumentos electrónicos tal como los sintetizadores.

Algunas configuraciones de grupo comunes incluyen música para orquesta completa (compuesta de cuerdas, madera, metales y percusión), banda de concierto (que consta de secciones más grandes y una mayor diversidad de instrumentos de viento de madera, latón y percusión que se encuentran normalmente en la orquesta), o un grupo de cámara (un pequeño número de instrumentos, pero al menos dos).

El compositor también puede escoger escribir para un solo instrumento, en cuyo caso esto se llama un solo. Los solos pueden no estar acompañados, como ocurre con las obras de piano de solista, o los solos pueden ir acompañados de otro instrumento o de un conjunto.

Los compositores no están limitaos a escribir solo para instrumentos, también pueden decidir escribir para la voz (eso incluye las obras corales, algunas sinfonías, por ejemplo, la novena sinfonía de Beethoven, operas, y musicales).

Los compositores además pueden escribir para instrumentos de percusión o electrónicos. Opcionalmente, como es el caso de la musique concrète, el compositor puede trabajar con muchos sonidos usualmente no asociados con la creación de la música, tal como máquinas de escribir, sirenas, etc.

En el libro Listening Out Loud de Elizabeth Swados, explica como el compositor debe de saber toda la capacidad de cada instrumento y como se deben complementar entre si, sin taparse entre si.

Ella da un ejemplo de cómo en una de su primera composición, ella tuvo la tuba tocando el Piccolo. Esto caramente ahogaría al Piccolo. Cada instrumento escogido debe de tener una razón por la cual estar ahí para agregar lo que el compositor quiere expresar.

 Arreglos

El arreglo es una composición que emplea material previo para comentarla como un popurrí y varias obras clásicas contemporáneas.

El proceso primero requiere del análisis de música existente, y luego reescribir (y usualmente transcribir) para una instrumentación distinta de aquella para la cual fue originalmente pensada. A menudo (pero no siempre) implica nuevo material de apoyo inyectado por el arreglista.

Diferentes versiones de una pieza de música compuesta se conocen como un arreglo

Interpretación

Incluso cuando la música es anotada con relativa precisión, como en la música clásica occidental de 1750 en adelante, hay muchas decisiones que un presentador y/o conductor tiene que tomar, porque la notación no especifica todos los elementos de una presentación musical.

El proceso de decidir como tocar música que ha sido compuesta previamente y anotada es definido como “interpretación”.

Las diferentes interpretaciones de presentadores o conductores de la misma obra musical pueden variar ampliamente, en términos de tempos que son escogidos y el estilo de tocar o cantar o el fraseo de las melodías.

Los compositores y escritores que presentan su propia música en un concierto están interpretando sus canciones, al igual que lo que presentan la música de otros.

El conjunto estándar de opciones y técnicas presentes en un momento y lugar determinados se denominan práctica de rendimiento, mientras que la interpretación se utiliza generalmente para significar las elecciones individuales de un artista intérprete o presentador

Derechos de Autor y Estatus Legal

Los derechos de autor son un monopolio otorgado por el gobierno el cual, da al dueño de la composición como los compositores o un empleador del compositor, en el caso de trabajos a destajo, un conjunto de derechos exclusivos sobre la composición, tal como el derecho exclusivo de publicar las partituras describiendo la composición y como debería ser tocada.

Los derechos de autor requieren que cualquier persona que desee utilizar la composición de la misma manera para obtener una licencia (permiso) del propietario.

En algunas jurisdicciones, el compositor puede asignar derechos de autor, en parte, a otra parte.

Generalmente, los compositores que no están haciendo negocios como compañías editoras por ellos mismo asignarán temporalmente sus derechos de autor a las editoriales formales, otorgándole a estas empresas una licencia para controlar tanto la publicación como la posterior licencia del trabajo del compositor.

El contrato legal, no el derecho de autor, rige estos contratos compositor-editor, que normalmente implican un acuerdo sobre cómo los beneficios de las actividades del editor relacionadas con el trabajo serán compartidos con el compositor en forma de regalías.

El alcance de los derechos de autor en general está definido por varios tratados internacionales y sus implementaciones, que adoptan la forma de estatutos nacionales, y en las jurisdicciones del derecho común, la jurisprudencia.

Estos acuerdos y el cuerpo normativo correspondiente distinguen entre los derechos aplicables a las grabaciones sonoras y los derechos aplicables a las composiciones.

Por ejemplo, la Novena Sinfonía de Beethoven está en el dominio público, pero en la mayoría del mundo, las grabaciones de interpretaciones particulares de esa composición generalmente no lo son.

Para propósitos de derechos de autor, letras de canciones y otras palabras realizadas se consideran parte de la composición, aunque pueden tener diferentes autores y propietarios de derechos de autor que los elementos no líricos. Muchas jurisdicciones permiten la licencia obligatoria de ciertos usos de composiciones.

Por ejemplo, la ley de derechos de autor puede permitir que una compañía discográfica pague una tarifa modesta a un colectivo de derechos de autor al que pertenezca el compositor o editor, a cambio del derecho a fabricar y distribuir CDs que contengan la composición de un compositor o editor.

La licencia es «obligatoria» porque el titular de los derechos de autor no puede rechazar o establecer los términos de la licencia.

Los colectivos de derechos de autor también suelen gestionar la concesión de licencias de interpretaciones públicas de composiciones, ya sea por músicos en directo o mediante la transmisión de grabaciones de sonido a través de radio o Internet.

En EE.UU.

Aunque las primeras leyes de derechos de autor de Estados Unidos no incluyeron composiciones musicales, fueron agregadas como parte de la Ley de derechos de autor de 1831.

De acuerdo con la circular emitida por la Oficina de derechos de autor de Estados Unidos sobre el Registro de Copias de Composiciones Musicales y Grabaciones de Sonido, una composición musical se define como «Una composición musical consiste en música, incluyendo cualquier palabra que acompaña y normalmente se registra como obra de interpretación letras.

El autor de una composición musical es generalmente el compositor, y los letristas si los hay.

Una composición musical puede tener la forma de una copia anotada (por ejemplo, partituras), en forma de un registro (por ejemplo, cinta de casete, LP o CD).

El envío de una composición musical en forma de registro fonográfico no significa necesariamente que exista una reclamación para copiar correctamente en la grabación de sonido.

En Reino Unido

La Ley de Derechos de Autor, Diseños y Patentes de 1988 define una obra musical como «una obra que consiste en música, excluyendo cualquier palabra o acción destinada a ser cantada, hablada o interpretada con la música».

En India

En la India La Ley del Derecho de Copia, de 1957, prevaleció para la obra literaria, dramática, musical y artística original hasta que se introdujo la Ley de Derechos de Autor (Enmienda) de 1984.

En virtud de la ley enmendada, se ha establecido una nueva definición para la obra musical que establece que «obras musicales significa una obra constituida por música e incluye cualquier notación gráfica de tal obra, pero no incluye palabras o acciones destinadas a ser cantadas, habladas o interpretadas Con la música «.