Managers y la nueva industria musical. Sobre Spotify, datos, marcas y más

Las quejas de los artistas sobre los royalties que ellos obtienen de los servicios de streaming son tomados en cuenta, sin embargo los datos generados y compartidos por plataformas como Spotify son considerados cada vez más valiosos por algunos managers.

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Ese fue uno de los temas claves discutidos durante el panel de managers en el pasado International Music Managers Forum (IMMF).

Eric Harle de DEF Management, el cual trabaja con Moby, Robyn, Röyksopp and The Knife entre otros artistas, criticó lo que él ve como desinformación dentro de la comunidad de artistas.

El hizo un llamado a los artistas para que trabajaran con servicios de streaming para aprovechar al máximo las oportunidades promocionales y los datos que se están abriendo.

“Me siento muy triste y apenado por estos artistas que siente que Spotify es algo malo que no paga a los artistas” agregó. “me entristece que estemos en esta situación y tengamos que escuchar esto. A veces los artistas jóvenes simplemente no lo entienden y por eso es justamente que quiero que se involucren con él”

Stephen O’Reilly, director de marketing de empresas de gestión como por ejemplo iemusic, mencionó que analizar los datos de streaming con los artistas es ahora una parte importante de la interacción de la compañía con sus clientes músicos.

“Una cosa que he comenzado hacer recientemente con algunos de nuestros artistas cuando están en la oficina es analizar los datos e insights de Spotify,” dijo. “Cuando le muestras a nuestros artistas el cuadro de mando de Spotify y de artistas similares, a ellos les resulta realmente interesante ver donde están y quienes son similares a ellos. ¿Cuáles son los otros músicos a los que sus fans reproducen más? Es algo que haré más de seguido, y mientras más datos obtengamos de los servicios, mejor.”

Agregó: «Tenemos mucha suerte de tener plataformas digitales que nos dan más que sólo los datos de Spotify; empresas como The Orchard, AWAL y Believe nos están proporcionando excelentes herramientas. Es interesante para ellos (los artistas) entender también lo que sucede.”

Ocasionalmente, mostrar estos datos a los artistas puede causar una conmoción. «Tenemos un artista que, cuando Spotify empezó, pusieron a otro artista junto a ellos [como interpretaciones recomendadas]», dijo Harle. «Ellos pensaron que el 80% de ellos eran geniales, pero para el otro 20% teníamos que regresar a Spotify y decirles que necesitaban eliminarlos».

El panel pasó a la cuestión de la propiedad de los datos, y obtener los datos sin procesar de servicios de terceros. Fuera del streaming, eso también es un problema en el mercado de la música en vivo también.

Jessie Scoullar, fundadora de Wicksteed Works y head of audience de Everybody’s, dio el ejemplo de Mumford & Sons: quienes han sido dueños de muchos de sus datos en vivo desde el exterior, lo que ha resultado inestimable a medida que han ido creciendo.

El panel también habló acerca de cuando las interpretaciones necesitan obtener la participación de los sellos para llevar sus carreras al siguiente nivel. Las marcas fueron nombradas como una de las maneras más obvias pero poderosas de impulsar las carreras hacia adelante y también aprovechar la financiación alternativa.

Harle criticó el papel de los sellos, diciendo que sólo se interesaron realmente en maximizar las oportunidades aquí [de las alianzas con marcas] cuando sus ingresos de ventas de los CD comenzaron a desplomarse. Sugirió que es mejor que un artista se rodee con el mayor número posible de especialistas. Al mismo tiempo, los artistas son mucho más capaces de trabajar con las marcas.

Ya no se trata del primer 1% de los artistas y bandas de hoy en día acaparando todo el dinero de las marcas. O’Reilly nombró a Jägermeister y Burberry como ejemplos de marcas que harán negocios con artistas y bandas independientes y de base. Pueden que sean por unos pocos miles de libras, pero los aumentos pueden ser considerables. «Podrías conseguir una chaqueta gratis», dice, «pero también podrías obtener 10 millones de vistas en tu canal de YouTube».

Maggie Collins, MD de Fans Created Management, dijo que la firma de un acuerdo de un sello aún tiene que ser evaluado caso por caso.

«Depende de lo que el artista necesite o quiera», dijo. «Del mismo modo, también se reduce a las relaciones. Me encantaría tener un proyecto con un artista que quiera mantenerse totalmente independiente durante toda su carrera y ver cómo podemos hacer que eso suceda. Pero a veces un artista va a comenzar y simplemente no tienen dinero para continuar – y he estado en esa situación con una banda de jóvenes. Ellos simplemente no tenían el dinero para seguir adelante y tenían que aceptar un acuerdo de grabación”.

Claire Southwick, fundadora de Primitive Management, argumentó que trabajar con bandas y artistas auto-editados y establecer su nombre es la mejor forma de apalancamiento cuando al final se habla con discográficas y ya se tiene un cierto nivel de autonomía, así como una demostración conceptual. Sin embargo, no es una panacea. «No funciona para todos y dependerá del artista», advirtió.

Por último, a medida que la industria se aleja de una economía basada en unidades, las ideas de los managers acerca de lo que es el «mainstream» se ha vuelto más difusa.

“Mi comprensión de la música hoy en día, es que cada artista es un nicho», sugirió Harle. «El mainstream está muerto. Hubo un tiempo en que yo sabía qué discos estaban saliendo [pero ahora no lo sé]”.

La implicación: en lugar de tratar de romper las masas, tal vez la estrategia más sabia para los artistas es utilizar los datos para identificar y apropiarse de su nicho.

Fuente: musically.com