Historia de la Industria Musical

La industria musical como la conocemos es relativamente nueva y no tiene más de 100 años.

Pero aún y con lo poco de su existencia, ésta particular y fascinante industria ha sufrido cambios monumentales en tan corto espacio de tiempo, y la mayoría de esos cambios han sido a causa de la tecnología.

Bueno… ¿y por qué debe importarme a mí la historia de la industria musical? Te escucho preguntar.

Fácil: Si tocas en una banda, eres cantante solista, eres mánager de artistas, eres

promotor musical o trabajas en un estudio de grabación, entonces eres dueño de un Negocio Musical. 

Por lo tanto, te guste o no, los acontecimientos históricos que se han venido dando en la industria musical desde sus inicios hasta el día de hoy, afectan de manera significativa el grado de éxito que tendrás con tu música y con tu Negocio Musical.

Lo menos que podrías hacer para realizar un cambio en tu dirección como artista

o empresario de la música es conocer qué ha sucedido en 100 años de industria musical y de qué manera cabes tú en ese espacio de tiempo.

Por favor, sé sincer@ conmigo; ¿Has alcanzado últimamente tus metas y objetivos con tu música?

Si has realizado un enorme esfuerzo con tal de sacar a flote tu carrera musical tocando puertas aquí y allá y aun así sientes que tu música navega a la deriva, entonces éste reportaje te responderá el por qué y ofrecerá las respuestas que buscas.

En ésta serie de textos se sostienen 3 cosas fundamentales:

1. La historia de la industria musical está dividida en 6 etapas fundamentales (El Pasado):

Si queremos comprender qué está sucediendo con la música hoy en día y qué es lo que

mueve a la industria musical en primer lugar, necesitamos conocer lo que ha sucedido en cada una de las diferentes etapas de la industria musical. Más aún, debemos entender cómo nos afectan éstos cambios históricos en nuestras carreras musicales.

2) Tu Música Nunca Será Famosa… En la Industria Musical Actual (El Presente):

Lo que tenemos hoy en día es una vieja industria musical del año de los dinosaurios, que poco a poco está muriendo y que no ofrece oportunidad alguna para músicos y artistas como tú y yo, por esa razón, es una pérdida de tu valioso tiempo, tu dinero y tu esfuerzo el enfocar tus energías en ganar la atención de grandes empresas de entretenimiento, con la idea errónea de que ellas te ayudarán a impulsar tu carrera musical.

Simplemente, las casas discográficas, las televisoras, la radio y las agencias promotoras y de representación actuales ya no pueden ayudarte con tu música y poco a poco están quedándose en el pasado.

¿Aun crees que la carencia de éxito con tu música se debe a la falta de apoyo de éstas empresas?

Respóndete a ti mismo, ¿Por qué querrías subirte a un barco que se encuentra actualmente a la deriva y a punto de sumergirse?

3) La Fórmula del Éxito… En la Nueva Industria Musical (El Futuro):

Desde hace unos 15 años, se ha venido gestando una nueva industria musical basada en la tecnología y en los cambios de hábitos de los consumidores; dicha nueva industria ofrece enormes oportunidades de éxito a los artistas independientes (Y para ello, existen cientos de casos de éxito)

Pero de igual manera, para triunfar en esa nueva industria musical, requieres de un modelo diferente de desarrollo artístico al que estás acostumbrado a llevar a cabo.

Necesitas conocer cuáles son los elementos clave de ese modelo, si tener éxito es lo que deseas; y aplicarlos a tu carrera musical.

Porque después de todo, nadie te ha enseñado hasta ahora la mejor manera de manejar tu grupo y carrera musical. Es más, lo que estás haciendo con tu música probablemente lo has hecho emulando a tus artistas y cantantes favoritos. Pero temo decirte que ese viejo modelo no te es útil a tus propósitos.

Si viste la popular película de Matrix, quizás recordarás la escena en la que Morfeo ofrece a Neo dos píldoras, una representando la negativa del personaje a conocer la verdad y continuar con la conformidad de su vida, mientras que píldora roja representa la verdad incómoda.

Mi responsabilidad el día de hoy es ofrecerte precisamente esa píldora roja, para que conozcas la verdad acerca de la industria musical actual y utilices esa información para  beneficio de tu música y el éxito.

Si tomas la píldora azul, entonces puedes dejar de lado éste texto y volver al cuarto de ensayo con tus colegas, a quebrarte la cabeza sobre cómo seguir tocando las puertas de las discográficas, agencias de representación ninguna de ellas se abran.

Si tomas la píldora roja:

• Conocerás qué está pasando realmente con las empresas de entretenimiento y por qué no pueden ayudarte aunque consigas un contrato con ellas.

• Conocerás cómo y por qué la Vieja I nuestros ojos y por qué tu música nunca será famosa.

• Conocerás que existe una Nueva Industria Musical que se está gestando frente a nosotros; una que ofrece enormes oportunidades a artistas, músicos y bandas independientes como tú y por qué nadie está aprovechando éste importante cambio.

• Conocerás una alternativa para alcanzar el éxito en tu carrera musical; un mayor y más grande éxito que los artistas de casa discográfica grande.

Créeme, es posible tener una carrera independiente y sin la necesidad de recurrir a tocar puertas que nunca se a asas discográficas y otras empresas de la vieja industria musical fans que adoren tu música; giras extensas y conciertos masivos que te permitan vivir de manera cómoda y continuar con tu carrera musical. Todo es posible hoy en día en ésta Nueva Industria Musical. Sólo necesitas saber el qué y cómo. ¿Cuál de las dos píldoras has decidido tomar?, ¿La roja, ¿la azul?…

¿Estás Listo?

Historia de la Industria Musical

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Las 6 Etapas de la industria musical a través de su historia.

La historia de la industria musical se puede resumir en 6 etapas diferentes. Cada etapa aparente, pero diferentes en cuanto a los procesos que se dieron en los cambios de los hábitos de consumo de la música por parte de las audiencias.

Por favor, toma muy en cuenta eso último que acabas de leer; los hábitos de consumo de los fans, puesto que el entender éste concepto te ayudará a comprender mucho de los cambios que en la industria musical se han desarrollado y por qué estamos donde estamos.

Otro punto clave que siempre deberás tomar en cuenta a lo largo de la lectura de éste reporte especial es el concepto de distribución o diseminación musical, puesto que un pequeño cambio tecnológico ha sido la clave de los cambios tan tumultuosos que hoy en día afectan el grado de éxito que tu música tendrá.

Un punto interesante para recordar es que lo que nosotros conocemos como “industria musical”, ha estado basada alrededor de la música popular, o música pop (les guste a unos y a otros no), refiriéndonos a la música que está pensada para alcanzar a un gran número de personas posible. Ésta popularidad está medida por actividades de ventas, para bien o para mal, y reflejado en los charts más importantes como Billboard.

Pero no te preocupes, dentro de ésta tipificación de la industria musical van incluidos la mayoría de los géneros que del pop y el rock se derivan, desde lo más brutal del Heavy Metal, pasando por ritmos urbanos como el rap y el hip-hop, hasta géneros más rurales como el country y la cumbia en cualquiera de sus variedades

Etapa 1 – El Nacimiento de la Industria Musical

En los días anteriores a la música grabada, la industria musical era un animal diferente. La industria estaba centrada alrededor de la música en papel, o partituras, como nosotros la conocemos, lo cual era la manera en cómo la música se diseminaba en aquel tiempo al público.

Por lo tanto, la única manera en la que tú podrías escuchar música era comprando las partituras y tocándolas en tu casa ya fuese con el piano o el arpa, los dos instrumentos más populares de esa época, por lo que originalmente, la industria musical promovía la canción, no al artista.

Imagínate que en aquella época, la música era una actividad familiar muy bella en la que los hermanos, padres, tíos, primos y abuelos (Por lo general gente de clases medias a clases altas) se reunían en las tardes para escuchar a algunos de los miembros proficientes en la ejecución de alguno de los instrumentos citados.

No existía otra forma de tener una experiencia con la música que no fuera en vivo. ¿Cómo iba a haberla? Si no existían aparatos electrónicos ni formatos de reproducción que hiciesen esto posible.

Aunque la industria musical realmente comenzó en el siglo 18, para finales del siglo 19, el centro de ésta industria se encontraba en el distrito de Tin Pan Alley, en Nueva York, en las oficinas de las compañías editoras de esa época que agrupaban a los compositores que producían música en papel para el consumo de sus clientes, mayoritariamente músicos.

Cuando los Player Pianos salieron al mercado, las compañías editoras crearon un sistema que ahora llamamos “promoción” para tener sus canciones incluidas en los rollos de los player pianos, un mecanismo que hacía que los pianos se tocaran por si solos. Hoy en día, esos pianos siguen existiendo, aunque claro, con un mecanismo digital basado en Linux o Windows para la auto-ejecución de las canciones. El punto es que la Promoción como actividad pronto se convirtió en una parte esencial de la industria musical.

Nueva tecnología empuja el negocio

Las nuevas tecnologías para la distribución de la música cambiaron el enfoque de la industria de la canción al artista.

El primer tocadiscos, el gramófono, se introdujo en 1890 y por primera vez en la vida de las personas, ahora era posible consumir y disfrutar de la música a conveniencia sin la necesidad de tener a alguien que supiera leer partituras. En los años 20’s se introdujo la radio, y la distribución musical creció rápidamente haciendo que canciones y artistas populares se expandieran en el consciente de las audiencias de manera rápida.

Cabe destacar que para 1920, también aparecieron las primeras películas con sonido, lo cual fue otra forma de diseminación musical. En 1932, se abrió la primera tienda musical, la George Song Shop en Johnstown, PA y para 1941, se abrió la que sería la primera tienda en cadena, la Tower Records.

Durante éste período, empresarios de todo el mundo comenzaron a reconocer las oportunidades de la industria musical, mientras que 200 casas discográficas se crearon en USA y las tiendas de discos comenzaron a abrir en cada pueblo. Millones de personas de una sola generación vivieron los cambios tecnológicos que en tan pocos años trajeron nuevos formatos de diseminación musical como el vinyl, la tienda de discos y los medios y sistemas promocionales, como la radio y las películas.

Si hay un dato importante que necesitas saber sobre ésta época, es el siguiente: en los inicios de las empresas dedicadas a la industria musical, sus principales negocios eran la venta de aparatos reproductores, por lo que la música era tan sólo un aliciente contenido en un formato físico (el disco) que promocionaba la venta del aparato electrónico.

Años después, estas mismas empresas cambiaron su enfoque y comenzaron a dedicarse a la creación de ídolos y estrellas de rock. Resulta increíble pensar en la música tan sólo como una pieza de contenido promotor de un producto a través de varios medios de diseminación, como lo es hoy la tienda iTunes y sus descargas de $0.99 centavos de dólar como promotores del sistema operativo de Apple y del iPod como accesorio de moda.

Pero así funcionaba la industria musical de aquella época (y de algún modo, así sigue funcionando, con el ejemplo de iTunes); la gente aún no tenía en su mente la consciencia del artista como punto central de la industria musical. Eso vendría en la siguiente etapa.

Etapa 2 – La Industria Musical Original

La industria original como la conocemos hoy en día realmente comenzó en el período que duró de los años 50’s a los 80’s. Y me refiero a la industria fabricadora de súper estrellas, ídolos y celebridades. Básicamente, el concepto de Celebridad de la Música (O “Rockstar”, como lo conocemos de manera contemporánea) no existía antes de ésta época, y fueron las mismas empresas de la industria musical quienes se encargaron de crear ídolos y celebridades en el afán de vender aparatos reproductores de música. Poca idea tendrían del monstruo artístico que estarían creando y del potencial monetario de ésta nueva figura económica. Durante esta época, el negocio de la música experimentó crecimientos inesperados. Las ventas y ganancias dentro de la industria llamaron la atención de Wall Street, lo cual llegó a ser uno de los momentos clave en la historia musical. Más de eso adelante, porque primero quiero ofrecer una vista panorámica de cómo la industria musical era manejada en aquel tiempo, para educar a los lectores más jóvenes:

• Durante casi 50 años, la manera en cómo se manejaba la industria era siempre la misma. El artista (generalmente después de enviar su casette demo) era firmado para un contrato discográfico por una casa disquera.

• La disquera asignaba un A&R (Artist and Repertoire; Ejecutivo cazatalentos de una casa disquera) para que fuese el enlace entre el artista y el mánager de producto de la compañía discográfica para los lanzamientos musicales.

• En el principio, el A&R asignaba también a un productor, quien era responsable de realizar el disco, aunque esto se convirtió eventualmente en una decisión mutua con el paso de los años.

• Muchas veces el productor era parte del staff de la disquera, mientras que en otros casos, el A&R también servía doble trabajo como productor.

La estructura se veía de la siguiente manera:

En los primeros años de la industria del disco, el artista usualmente tenía mínimo control sobre el producto final, lo cual era del dominio completo del productor. Conforme la industria se desarrolló, y cada vez más artistas demandaban control, el productor asignado para ayudar a grabar al artista por lo general era un contratista independiente de la casa disquera, adecuándose a las necesidades del artista siempre y cuando sirviera a los intereses de la casa disquera y su visión. Después de que la canción o el álbum se grababan, la casa disquera manufacturaba el vinyl (y después, el cassette y el CD) y lo distribuía a sus tiendas dedicadas al menudeo a través de la propia red de distribución de la casa disquera o a través de otros distribuidores independientes (mayoristas), quienes ponían el producto en cada tienda de discos, restaurantes, tiendas departamentales y cualquier otro lugar en donde se pudiese rentar espacio. La estructura se veía así:

La casa disquera también era responsable por el marketing y la promoción del disco, la cual se centraba en la radio. Si tu disco tenía rotación en radio, lo más seguro era que vendieras muchas unidades de disco. En palabras de Rupert Perry, alto ejecutivo de EMI Music: “Otro punto importante es saber cómo la gente consumía contenido en esos días, lo que era que la gente escuchaba su música en la radio, enteramente. Luego, los japoneses vinieron con la radio de transistor, la cual era portátil. De repente, la portabilidad significaba que el consumidor no tenía que estar sentado en su casa frente a la radio. Y ese fue el comienzo de algo más desde el punto de vista de la distribución. Tu puedes ver todas las cosas que han cambiado, pero de pronto, ves a la radio de transistor y te pones a pensar; ¡Rayos! La portabilidad era tan importante.” El tiempo de rotación en radio era crucial para el éxito de un disco y ello resultó en la creación de grandes departamentos de promoción dentro de las casas discográficas dedicadas a obtener rotación en radio a como diera lugar.

La competencia por el tiempo aire en radio se volvió tan feroz que esos departamentos comenzaron a utilizar regalos en dinero, prostitutas, viajes y cualquier cosa que influenciara a los directores de los programas de radio a poner una canción en rotación.

Esa práctica fue conocida como Payola. Eventualmente se volvió delito dentro de los marcos legales y subsecuentemente resultó en muchos escándalos e investigaciones dentro de la industria de la radio y del disco y de la manera de cómo hacían negocios.

La estructura se veía así:

Para evitar cualquier cargo que los acusara de payola, las casas discográficas dejaron de utilizar departamentos de promoción y comenzaron a utilizar promotores independientes, con la teoría de que cualquier cosa que hiciera una tercera parte o que un promotor independiente ofreciera a los directores de radio, esencialmente eliminaba la responsabilidad legal de la casa disquera (Eventualmente, y con el paso de los años, ésta teoría también se probó ilegal). Pese a todo, la rotación en radio era la llave del éxito, y la promoción era la clave para la rotación en radio. La estructura de ésta etapa musical finalmente se veía de la siguiente manera: Con la excepción de la limitada exposición hacia el consumidor vía clubes de fans y firmas de autógrafos en las tiendas de discos, los artistas estaban segregados de la cadena de distribución y consumo.

El artista realizaba promoción ocasional en la radio, pero generalmente, no había mucha comunicación entre el artista y el fan. Con suerte, la interacción y la comunicación con el fan no era tan necesaria durante ésta época, gracias a la influencia enorme de la radio, el jugador clave de la industria musical durante ésta época. Además de la payola, la segunda etapa de la industria musical estuvo plagada de otras prácticas deshonestas y corruptas a la hora de promocionar un disco. Por ejemplo: para poder exagerar las posiciones en los charts, las casas discográficas pagaban a las tiendas de música una cantidad de dinero para reportar intencionalmente que un disco estaba vendiendo, aún y cuando no. Tiempo después, ésta práctica se puso a prueba con la implementación de la tecnología SoundScan, la cual computaba los datos de ventas de álbumes vía el escaneo del código de barra. ¿Por qué alguien llevaría a cabo una práctica como la anterior basada en la mentira?

Fácil, para elevar el “valor percibido” de un artista o un álbum y hacerlo ver bien con la finalidad de que vendiera más. Otra práctica corrupta en esa época era lo que llamaban el síndrome de platino. Para exagerar las ventas, las casas discográficas enviaban enormes cantidades de discos, y luego reportaban que el disco había llegado a platino, refiriéndose a que el disco había vendido lo suficiente para estar certificado como un disco con altas ventas por arriba del millón, insinuando con esto que la demanda era tan grande que las unidades enviadas estaban pre-vendidas. Claro, generalmente no era reportado cuando los discos se regresaban a la casa disquera en números de platino por que simplemente no estaba vendiendo. Puntos para recordar:

• La casa discográfica es todapoderosa y tiene el poder de crear ídolos, celebridades y estrellas de rock.

• El artista está aislado de los fans y no mantiene comunicación con su público.

• La radio es la clave de los hits.

• Los artistas tenían la oportunidad de lanzar múltiples álbumes para poder desarrollar su carrera en el largo plazo.

• Es un mundo de singles.

• Pero el álbum hace más dinero.

Etapa 3 – Epoca Corporativa

En la siguiente etapa del negocio de la música, se produjo un nivel impresionante de ganancias nunca antes visto en la historia de la industria musical, que es muy dudoso que alguna vez volvamos a ver un crecimiento con éste precedente. Con la llegada del CD en 1982, las compañías discográficas experimentaron un crecimiento en sus ganancias de varias maneras. Debido a que la tecnología para crear CD’s era cara en un principio, las discográficas aumentaron el precio de cada disco al mismo tiempo que disminuían la regalía al artista, con el supuesto argumento de que se trataba de un “gasto de tecnología”. Mientras que el precio al menudeo del disco nunca bajó aún y cuando la tecnología se amortizó y se hizo barata, los artistas eventualmente se dieron cuenta de la situación y no les pareció. Quizás lo mejor que pudo haberles sucedido a las casas discográficas en ese tiempo fue la habilidad de revender todo su catálogo de artistas a un público dispuesto a cambiar de vinilo a CDs y comprar una copia del álbum que ellos ya tenían en vinilo.

Las ventas de catálogo (ventas de los discos de un artista de antes de su más reciente producción) incrementó las ganancias, debido a que los costos de producción eran mínimos: Nada más el costo de maquilar el CD, sin contar con los costos promocionales. Los consumidores compraron el nuevo formato de CD que ahora contenía mejor calidad de sonido (para algunos) para suplementar sus nuevas colecciones de CDs, y de esa manera, proveyeron recursos financieros a las discográficas que tenían enormes volúmenes de catálogo. Una oportunidad única de negocio, ¿No crees? Si tomamos en cuenta que los mayores costos de la producción de un álbum se encuentran en la promoción, pues entonces estamos hablando de que las discográficas  tenían un ahorro de alrededor del 60% al 70%, debido a lo que mencionábamos antes; la música de catálogo ya había tenido su época de promoción en los años anteriores; ya no había necesidad de volver a promocionar a esos artistas con éste nuevo formato.

Ahora resultaba que las compañías discográficas tenían, con el formato de CD, un excelente negocio que arrojaba ganancias por donde quiera, lo cual atrajo inmediatamente la atención de Wall Street. Mientras que en los años anteriores, la industria del disco había sido considerada por Wall Street como un ente sin mucho interés de entre todas las ramificaciones de la industria del entretenimiento, ahora resultaba que eran los consentidos de los inversionistas, y fue en ésta época en la que comenzaron las grandes fusiones:

• Columbia Records fue comprada por Sony (Y eventualmente convirtiéndose en Sony Music).

• Warner Bros. Records fue comprada por Time Inc. Convirtiéndose de esa manera en Time Warner.

• Univeral Music fue comprada por Matsushita y después ambos comprados por Vivendi.

• EMI fue comprada por Thorn Industries.

• Polygram ya era operada por Philips, y la MBG era operada por Bertelsmann AG.

• Las 6 grandes compañías discográficas ahora estaban bajo control de un conglomerado.

En palabras de Rupert Perry:

“La otra gran cosa que sucedió fue el compact disc. Cuando salió, hubo un crecimiento enorme en la industria, y no muchas grandes corporaciones se dieron cuenta en su momento. Cuando la CBS, quienes eran los reyes de la industria en su momento, vendió su negocio de discos a Sony, ¡Eso fue enorme! Era un gran momento sucediendo debido a que la CBS decidió que querían salir del negocio de la música, en donde habían estado por años.”

Con la fusión de conglomerados, entraron en escena los MBAs y otros profesionistas de cuello blanco como contadores y abogados, llevando a cabo el negocio (profesionistas que no tenían mucho conocimiento de la música, por cierto). Esta situación fue una ruptura con la atmósfera anterior, en donde quienes manejaban el negocio eran personas musicalmente visionarias como Mo Ostin, Ahment Ertegan, Jac Holtzman, Berry Gordy y Howie Stein, quienes podían sentir un hit en sus huesos con tal sólo escucharlo.

Hoy en día, existen pocos ejecutivos como éstos señores. En la etapa anterior, en donde la disquera estaba con los artistas por tres, cuatro o hasta cinco álbumes con tal de que éstos se nutrieran y se desarrollaran artísticamente, ahora la nueva estructura corporativa que controlaba el negocio demandaba resultados instantes “Éste cuarto del trimestre”. El desarrollo artístico, tan crucial para las estrellas y súper estrellas que conocemos hoy, murió de manera lenta y después cada vez más rápido conforme los resultados financieros inmediatos se convirtieron en el mantra de la industria (en vez de la música en sí misma).

La llegada de MTV

Durante ésta etapa, otro acontecimiento inesperado que ayudó al crecimiento de la industria llegó en un nuevo formato de diseminación musical a través de la televisión llamado MtV. De un día a otro, la música ahora estaba en la televisión, y un nuevo nivel de exposición incrementó las ventas de nuevo. MtV de pronto tenía el poder de “crear” un hit, al igual que la radio en su tiempo, por el simple acto de poner un video musical en rotación constante. Con la llegada de MtV, de pronto la imagen llegó a ser más importante que la habilidad musical. Si tú no te veías atractivo, simplemente no tenías rotación en MtV; y si no tenías rotación en MtV, tus probabilidades de hacerla en grande en la industria musical simplemente se desvanecían. Rápidamente, la cultura corporativa comenzó a cambiar hacia el enfoque de encontrar artistas atractivos para llenar el tiempo aire que tenían comprado en televisión.

La habilidad musical, o talento, dejó de ser el componente necesario a ser un componente más, ahora que la imagen era lo que las discográficas más buscaban. Para un ejecutivo de discográficas que no tenga experiencia en la industria musical, el arte simplemente no tiene sentido. La Academia demanda resultados repetibles, y el arte no es parte de esa ecuación. Cabe decir que la “artesanía” era parte de la fórmula de éxitos en un principio, pues todo se basaba en ir creando piezas “artísticas” en base a un molde pre-establecido. ¿Cómo se explica lo anterior?:

• Primero, encuentra un artista similar a lo que haya sido popular o haya tenido éxito, ya sea en el presente o el pasado.

• Luego, consigue a un compositor exitoso para que escriba la perfecta canción genérica.

• Añade un productor con buen record y ponlo con el artista en un estudio en donde se hayan grabado éxitos antes y con los mismos músicos que grabaron dichos éxitos.

• El artista importa poco en éste escenario corporativo. Dicho artista simplemente debe verse bien frente a la cámara, porque será un video en donde van a trabajarcoreógrafos, directores y estilistas con hits recientes en sus currículos.

Si alguna vez te preguntaste cuál era la fórmula de éxito en la música, la acabas de leer; es la fórmula de éxito de Madison Avenue, y es la necesaria para vender producto.

¿Quién es Madison Avenue?, ¿Y por qué tiene tanta influencia en cuanto a la creación de éxitos en la música? Eso lo iremos respondiendo más adelante conforme vayas avanzando en la lectura de éste reporte especial. No te confundas; la anterior es una fórmula de una industria vieja que ya está muriendo; una fórmula cara que demanda demasiados recursos y poco talento, y que es probable que sea igual de exitosa en ésta nueva época.

Un acontecimiento que no mucha gente conoce

Desafortunadamente, las leyes de manejo y alcohol en 1983 afectaron negativamente el desarrollo artístico de una manera real.

¿Qué tienen qué ver el alcohol y las leyes de manejo con la industria musical?

Deja que lo explique de manera detenida, para que puedas apreciar un componente en la industria musical que no muchos artistas y bandas conocen y que es crucial para la carrera de todo aquel o aquella que desee incursionar en la música. Antes de 1972, la edad legal para tomar tenía un rango de 18 a 21, dependiendo del territorio en donde se estuviese, pero la guerra en Vietnam trajo consigo el argumento de que “Si tengo edad legal para pelear por mi país, entonces debería tener edad legal para tomar”.

Para 1972, muchos de los otros estados de Estados Unidos acordaron de que si una persona tenía la edad suficiente para votar y pelear por su país, entonces también debería tener la edad legal para tomar, por lo cual se bajó el rango a 18 años. ¿Qué significó esto? La situación de pronto abrió la oportunidad para que abrieran en masa nuevos locales de esparcimiento, como son los bares, restaurantes, antros, clubes, boliches (el sinónimo de club nocturno en Argentina y otras partes de América Latina) y salas de concierto, ya que con el pase de ésta ley, de pronto se incrementó la demanda de alcohol en tal medida que había qué acomodar a éste enorme mercado de consumidores, al mismo tiempo que había qué atraerlos con entretenimiento en vivo. De un año a otro, de pronto los clubes nocturnos abrieron por doquier, y la música en vivo floreció en ese ambiente. En aquella época, si tú tocabas en alguna banda decente, entonces podías acomodarte en cualquier lugar en cualquier noche de la semana, y que te pagaran por ello.

Esto significó un acontecimiento enorme para la industria musical, ya que la situación le ofrecía la oportunidad a cualquier músico mediocre de tocar en cualquier lugar y desarrollar sus habilidades artísticas y musicales, de la misma manera en como lo hicieron los Beatles en Hamburgo en 1962. En ese tiempo, una banda podía tocar 5 sets musicales durante los 7 días de la semana y desarrollar sus habilidades musicales. Ahora, repite el proceso por un año o dos, y con eso estarías listo para tomar el siguiente paso en tu carrera musical, si eso es lo que deseas hacer. Los Beatles dedicaron no sólo uno o dos años de tocar 8 horas diarias 7 días a la semana. Dedicaron 10 años. ¿En qué clase de artista crees que pudieras convertirte si te tomaras una preparación de 10 años tocando diariamente 8 horas? Experimentando con sonidos nuevos, con toda clase de géneros, imagen, estilos, ejecución en el escenario, etc. La respuesta es obvia; terminarías convirtiéndote en un artista legendario de clase mundial.

Desafortunadamente, también era fácil caer en la trampa de tocar en clubes nocturnos por siempre, debido a que el dinero que se pagaba en esa época era tan bueno, pero aquellos con la suficiente ambición tomaron sus días tocando cóvers en clubes nocturnos por lo que eran y continuaron adelante con sus vidas artísticas después de aprender lo que necesitaban tocando constantemente frente a grandes audiencias. Y así fue como los años 70’s experimentaron un crecimiento sin precedentes en la historia de la industria musical, creando muchos de los artistas clásicos que han influenciado casi toda la música que escuchamos hoy en día. Pero resultó que en 1982, la edad legal volvió a elevarse a 21 años, y desde entonces, la emoción y la diversidad musical han decaído.

La música se ha vuelto blanda y homogeneizada (gracias a la fórmula de éxito de Madison Avenue) y desde entonces, no ha existido una tendencia mayor en la industria musical desde el rap y el rock alternativo en los años 80’s y 90’s, respectivamente.

Y esto en parte debido a la reducción en escala grande de espacios para la música en vivo, gracias a dichas leyes de alcohol y otras más que afectaron las escenas musicales. Ahora viene la pregunta para ti, ¿Cuántas veces a la semana tocas en vivo con tu grupo?, ¿Cuántas de esas veces es un show pagado? La infraestructura musical ha disminuido demasiado en los últimos años. Una banda es suertuda si toca una o dos veces a la semana. Esto significa que a un artista le va a tomar mucho más tiempo desarrollarse artísticamente, no sólo para sentirse cómodo ante grandes audiencias, sino también para desarrollarse musical y vocalmente.

Entre más le toma a un artista desarrollarse artísticamente, es más la probabilidad de que vaya a renunciar a su carrera (en el caso de las bandas que se separan) o que simplemente el artista y su grupo cambien de dirección, lo cual significa que la oportunidad en nuestra generación para experimentar otra gran tendencia en la industria musical es incierta, lo cual resulta terriblemente triste. Probablemente podrías preguntarte, ¿Por qué un artista querría renunciar a su carrera?

Es sencillo; porque simplemente la música la hemos vuelto un hobbie más que una profesión, por lo que un músico, con el paso de los años, opta mejor por dedicarse a una carrera que le provea un sustento que cubra sus necesidades conforme va creciendo, se va casando y comienza a crear una familia. Los músicos necesitan la retroalimentación constante y la atención que sólo una audiencia puede darles. Entre más tocas, mejor te vuelves en tu arte, lo cual te lleva a experimentar más y a encontrar tu propia voz y estilo. Pero con la escasa infraestructura para la música en vivo que hoy en día tenemos, el panorama para el desarrollo artístico de los artistas independientes es incierto. Puntos para recordar:

• Las casas discográficas ahora son propiedad de enormes conglomerados
• Las ganancias al trimestre ahora son más importantes que el arte
• Muchas canciones de los álbumes son solamente “filler” o relleno
• MTV significó un empuje para las ventas de álbumes
• La imagen de un artista es más importante que el arte
• Las leyes de alcohol afectaron en gran medida el desarrollo artístico

Etapa 4 – La Era de la Música Digital

El día en el que el primer archivo de mp3 fue compartido, ese fue el primer día de la nueva etapa de la industria musical (En algún momento alrededor de 1994). Aunque nadie lo sabía en su momento, esto significó una disrupción que algún día haría que la industria se tambalease. Rupert Perry:

“Si regresamos un poco a la época del internet en 1993, la gente que estaba involucrada en el negocio de contenidos simplemente no tenía idea de cuán monumental sería éste cambio. Tener cualquier forma de contenido disponible en tu computadora era totalmente una nueva forma de distribución que al principio nos excitó, pero a la que al mismo tiempo temimos. La diferencia estaba en que ahora, la disquera ya no tenía ningún control sobre la distribución. Nadie de los que comerciaban con contenidos, como la televisión, el cine y la música, tenían ya ese control, porque antes, ellos decidían a dónde iba el contenido, quién podía consumirlo y de qué manera. Con el internet, todo eso se fue por la ventana de manera instantánea.”

Justo antes de la llegada del mp3, un archivo de música con la calidad digital del CD era demasiado pesado (alrededor de 5mb por cada minuto de canción en sonido estéreo) y tomaba demasiado ancho de banda tocar 1,411 kbps, lo cual significaba que era imposible reproducir música en internet dada la tecnología de su tiempo. El mismo archivo musical en formato mp3 tomaba un décimo del espacio, con un ancho de banda entre 128 y 256kbps, lo cual hacía al archivo relativamente fácil de descargar aún con los dispositivos primitivos de módem disponibles en esa época. Utilizar un archivo mp3 es como quitarle el aire a una llanta de bicicleta. La llanta se vuelve lo suficientemente pequeña como para caber en una caja, pero sigue siendo la misma llanta. Precisamente eso es lo que hizo el archivo mp3, quitó el aire de los archivos musicales, haciéndolos más pequeños. Aunque la calidad de los mp3 no era tan buena como la del CD, los consumidores habían mostrado previamente, con la introducción del cassette, que la calidad no era su mayor preocupación al momento de hacer decisiones de compra y de escucha de nuevos artistas.

Las redes P2P dejan su marca

Las redes Peer-to-peer (P2P) fueron la segunda tecnología que cambió la industria musical durante ésta época. En una red P2P, cada computadora conectada al sistema puede proveer y recibir archivos sin la necesidad de un servidor central, con el ancho de banda y procesamiento distribuidos alrededor de todos los miembros de la red. En otras palabras, los archivos viven en múltiples computadoras interconectadas, con cada usuario con la capacidad de descargar un archivo (o piezas del mismo archivo de múltiples computadoras). Napster fue el primer sistema masivo de distribución de archivos mediante red P2P.

Aunque no totalmente P2P, debido a que necesitaba servidores centrales para mantener listas de sistemas conectados a sus archivos, un factor que le valió perder el caso en la demanda en su contra. Aunque ya existían con anterioridad redes que facilitaban la distribución de archivos a través de la internet (como IRC, Hotline y UseNet), Napster se especializaba directamente en música, y como resultado de su enorme popularidad, ofrecía una enorme selección de música para descargar. Poco después de su creación, la compañía fue demandada legalmente por varios actores de la industria musical. Entre ellos, artistas (Metallica, Dr. Dre, Madonna, etc.), casas discográficas (A&M), y la misma industria musical representada por la RIAA (Recording Industry Association of America).

¿Cómo no iban a protestar? Si artistas como Metallica ganan alrededor de $4 dólares por cada disco que venden (Cuando el estándar en la industria es menos de $0.50 centavos para el resto de los artistas). Todos ellos alegaban agravio a los derechos de propiedad intelectual y eventualmente, Napster fue apagado en julio del 2001. En su momento álgido, Napster llegó a tener 26.4 millones de usuarios en todo el mundo. La vieja industria musical falló en apreciar la oportunidad de tener 26 millones de potenciales clientes con quienes hacer negocio. Y eso fue un error del cual se dieron cuenta años después, cuando ya era demasiado tarde, y por el cual pagaron muy caro. Mp3.com, otro servicio similar que inició en 1999, fue demandado por Universal Music Group por violaciones al copyright, lo cual obligó a éste servicio a pagar $200 millones de dólares y quedar fuera del negocio.

En su momento álgido, mp3.com descargaba más de 4 millones de archivos de audio por día a más de 800mil usuarios y tenían una base de clientes de 25 millones de usuarios registrados. La compañía fue eventualmente comprada por Roxio y renombrada Napster, y hoy como servicio, provee descargas pagadas y un servicio de suscripción para la reproducción en streaming (Reproducción en tiempo real). Aunque ambos servicios, Napster y mp3.com fueron cerrados por decisión legal de las cortes, ellos dos pavimentaron el camino para la descentralización de la distribución de archivos P2P mediante programas como Gnutella y Limewire (hoy descontinuados), lo cual es mucho más difícil de controlar. Como resultado, la RIAA persiguió agresivamente a los usuarios que utilizaran éstos servicios, a pesar de los reclamos del público y la industria musical.

Desde entonces, éste organismo ha dejado de perseguir personas cuando se dieron cuenta que gastaban millones en servicios legales sólo para recuperar cantidades pequeñas, sin mencionar el daño que le hicieron a la reputación de la industria demandando por igual a abuelitas y a jovencitos adolescentes de pueblos pequeños sólo por cometer el delito de bajar canciones desde sus computadoras.

La Piratería Toma Otra Forma

Otra disrupción mayor en la tradicional industria musical llegó como resultado del lanzamiento al mercado del quemador de CDs, y su impacto no puede ser subestimado. En los días del vinyl, la maquila no autorizada de discos casi no era del conocimiento público debido a los altos costos de operación que ésta actividad requería. Maquilar un vinyl requería equipo grande, especializado y costoso, lo cual hacía de ella una actividad fuera del alcance de la gente, e incluso del más entusiasta. Cuando el CD llegó al mercado, los primeros quemadores de CDs solamente se encontraban en estudios profesionales de masterización debido a sus enormes costos (el equipo rondaba entre los $250mil dólares, y cada CD virgen rondaba los $200 dólares). Claramente, la economía del proceso hacía posible mantener a los piratas fuera del negocio.

Desde luego, el cassette, desde su lanzamiento al mercado en 1964, significó una espina en la industria musical, porque en esa época, cualquiera podía comprar con $1 dólar un cassette en blanco y apretar el botón de “rec” al momento de escuchar un hit en la radio. Generalmente proveyendo calidad de audio mediocre, el cassette fue el primer ejemplo de que el audio era una consideración menor para el fan comparado con el precio. Cuando el quemador de discos apareció en casi cada computadora, y el precio de los discos en blanco cayó a $1 dólar, la práctica entre los usuarios de compartir música digital se volvió imparable, y para entonces, la industria ya nada podía hacer. Y así fue como inició la época digital de la industria musical.

Puntos para recordar:

• Época de la Música Digital

• Las redes P2P ayudan el proceso de diseminación musical digital

• Intercambio de música digital es un hecho

• La práctica de quemar discos afectó las ventas

• Las casas discográficas son complacientes

Etapa 5 – La Música Digital se Monetiza

Así que llegó a ser obvio que a menos de que la industria musical no se adaptara al nuevo ambiente, pronto desaparecería. Irónicamente, fue la industria de la computación la que de alguna manera salvó a la música. Mientras que diferentes servicios de música digital presentaban alternativas a las casas discográficas para hacer negocio con las descargas pagadas, finalmente fue iTunes de Apple Computer quien hizo disponible un nuevo modelo de negocio que funcionó, aunque básicamente un sistema cerrado, ya que inicialmente, iTunes requería de un iPod para poder funcionar (tiempo después, las opciones de la plataforma fueron expandidas). iTunes fue un ganador entre los consumidores por su facilidad de uso (una característica por la que Apple es conocido) y por el iPod como nuevo accesorio de moda e identidad personal. Ahora, la industria finalmente podía monetizar sus ofertas digitales. Pero a un precio de $0.99 por track, por lo que no había mucha ganancia atractiva.

• Lanzado en enero del 2001, iTunes fue un éxito instantáneo que fue seguido por consecuentes actualizaciones.

• Ya en los últimos meses del 2001, iPod support se implementó, lo cual inició la bola de nieve en la nueva economía digital de la música.

• En el 2003, la tienda iTunes Store se introdujo, y tanto el consumidor como Apple nunca miraron atrás. Desde entonces, películas, programas de televisión, videos musicales, podcasts, aplicaciones y videojuegos se han añadido al extenso catálogo de la tienda de Apple.

• En abril del 2009, la tienda iTunes implementó una estructura de precios después de un intenso estira y afloja con las discográficas. Las canciones ahora están en $0.69, $0.99 y $1.29.

• En el momento en el que se escribió éste reporte que estás leyendo, más de 10 billones de canciones han sido descargadas desde que se lanzó iTunes Store un 28 de abril del 2003.

Mientras que iTunes es el monstruo indiscutible de la industria musical digital, otros competidores han emergido. Desde Amazon MP3 hasta el nuevo Napster, existen hoy en día numerosos lugares en dónde se puede comprar música digital. Pero si existe un tipo de servicio de música digital que las discográficas SÍ apoyan, es el servicio de suscripción o streaming, el cual significa que tú pagas una cuota mensual para poder tener acceso a escuchar tanta música como tú quieras en lo que dure ese tiempo y sin limitaciones.

La música es transmitida vía online en tiempo real, lo que se conoce como “Streaming”, por lo que tú no eres dueño de ella, pero ya que la música se encuentra disponible de manera inmediata a cualquier hora, realmente no hay necesidad de tenerla guardada en tu computadora, teléfono o reproductor. Mientras que los servicios de suscripción como Rhapsody, Spotify o Napster se están poniendo de moda, sus números son relativamente pequeños comparados con la descarga directa de música como iTunes.

Ni qué decir con los márgenes de ganancias que obtenían con las ventas de álbumes en los años 90’s. Las discográficas están esperando que el modelo de suscripción o “Streaming” finalmente gane tracción en el consumidor, debido a que es atractiva la idea de ganar un flujo de ingreso mensual como resultado de su contrato de licencia con el servicio. Cabe decir que a los artistas no les parece mucho, ya que el dinero recolectado por las casas discográficas no se reparte de manera equivalente.

Los editores de música (agencias dedicadas a explotar los derechos de las canciones) también dudan de éste modelo, puesto que para ellos ya de por sí existen costos altos de administración. Pero con todo eso, el modelo de suscripción o streaming no ha alcanzado su masa crítica aún.

Quizás en los próximos años; aún está por verse. La música digital monetizada trajo consigo otro cambio grande: el retorno de los singles, tal y como se manejaba la industria en los 50’s y 60’s. En vez de estar forzados a comprar un álbum con 10 canciones para poder escuchar una o dos que sí les agrada, los consumidores ahora pueden nuevamente comprar las canciones que ellos quieran, tal y como se acostumbraba en años anteriores.

Debido a que la economía de la industria musical en sus años de bonanza monetaria estuvo centrada alrededor del formato del álbum y el dinero que éste generaba, regresar a la compra de la canción-single fue un golpe mayor al modelo financiero que había estado en pie durante más de 40 años en la historia de la industria musical, ya que mientras que en el pasado las discográficas gozaban de ganancias cuantiosas por la venta de un álbum a $10 dólares, ahora se topaban con la situación de tener qué conformarse con vender un single a $0.99 centavos de dólar. Con ello, las estructuras financieras fueron sacudidas desde su centro.

Entra el Contrato de 360 Grados

Para compensar las ganancias perdidas por consecuencia de los nuevos cambios tecnológicos, las discográficas mayores tenían qué tener fuentes de ingreso más allá de las ventas del CD, y el lugar más lógico en dónde encontrar esas fuentes de ingreso era en el artista mismo. Ya que es bien entendido que el 90% de los ingresos de un artista vienen de dar shows en vivo y de las giras, las discográficas vieron eso como una oportunidad para un ingreso potencial, y rápidamente formaron un nuevo esquema para apoderarse de una pieza del pastel, lo que conocemos hoy como contrato de 360 grados.

El contrato de 360 grados significa que tú compartes con la casa disquera un porcentaje de tus ingresos como artista, de fuentes que van más allá de las ventas del disco, lo cual incluye shows en vivo, mercancías y publishing (El dinero que te pagan por tener una canción en comerciales, películas y telenovelas). La casa disquera se convierte en tu manager (en raras ocasiones) y comparte en todo lo que el artista haga.

Quizás has escuchado a los chicos del popular grupo de rock Paramore, quienes son un vivo ejemplo de un grupo actual que funciona mediante un contrato de 360 grados. Otro ejemplo es Madonna, quien en años recientes firmó un contrato de 360 grados con Live Nation para su gira mundial, compartiendo con ésta empresa promotora de eventos un porcentaje de las ganancias que el tour generara. Quizás tu pudieras cuestionarte por qué un artista querría permitirle a una casa disquera un acuerdo de ésta naturaleza.

El argumento es de que si el área de experiencia de una disquera es en vender discos (lo cual no está haciendo nada bien), entonces ¿Qué tipo de experiencia tiene la disquera en manejar tu carrera? Además, un artista que está generando ingresos por otro tipo de conceptos diferentes a la de la venta de discos, ¿Por qué tendría necesidad de firmar un contrato con una empresa que está teniendo dificultades con su negocio medular, que es la venta de discos?

Mientras que ésta sería la única manera de hacer negocios con las discográficas hoy en día, es otra razón por la cual un artista independiente debería ignorar éstos acuerdos en la mayoría de los casos. Y también es una razón poderosa por la cual el artista, músico y/o banda independiente de hoy en día debería reconsiderar el enfoque de su carrera, desistiendo de una vez por todas de buscar llamar la atención de éstas empresas y comenzar a enfocarse en conectar con aquella persona que importa: El Fan.

Al mismo tiempo, el management tradicional se está convirtiendo cada vez más en algo poderoso, debido a que el manager ahora tiene que tomar más decisiones para el artista. Con la influencia decreciente de las casas discográficas , ahora es responsabilidad del artista y su manager encontrar nuevas fuentes de ingreso, negociar con patrocinadores potenciales y hacer acuerdos con distribuidores digitales, entre otras cosas. Con muchas de las ventas y el marketing ahora en manos de los artistas, la figura del manager ahora tiene responsabilidades más que en otras épocas anteriores, y su guía e impacto han llegado a ser más valorados por el artista. Puntos para recordar:

• La Música Digital se ha monetizado.
• Las ventas ahora las hacen los singles, no los fillers de los álbumes.
• Las casas discográficas imponen contratos de 360 grados a los artistas.
• Incremento en la importancia del management.

Etapa 6 – El Amanecer de la Comunicación Artista/Fan

El cambio más grande que vino con ésta nueva etapa en la industria musical es en su estructura. En esta nueva etapa que estamos viviendo, el middleman puede ser removido de la ecuación, dejando al artista y al fan hoy en día en comunicación directa y en el nivel en el que ellos deseen, desde la creación, la promoción, el marketing y las ventas. Pero quedarse meramente en contacto con el fan puede ser tan elusivo a veces como estar en contacto con amigos o familia. Los verdaderos fans, así como los amigos y la familia, requieren comunicación regular, así lo conozca o desconozca el artista. Ésta nueva etapa de la industria musical, o mejor llamada, la Nueva Industria Musical, permite que los artistas se promocionen directamente con sus fans:

• Si ellos pueden alcanzar a sus fans, entonces pueden hacerles consciente de sus productos (música nueva, mercancía nueva, boletos de conciertos, tarifas y cotizaciones por eventos en vivo).

• Si los artistas pueden alcanzar a sus fans directamente, entonces también pueden venderle directamente (aunque lo más correcto sería ponerlo como “invitarles a que vean una oferta.”)

• Más importante aún, en ésta nueva época en la que vivimos, los artistas tienen el poder de dialogar con sus fans para que sean ellos mismos quienes les ayuden a su artista favorito con las ventas y la mercadotecnia.

¿Qué quieren los fans? Tan sólo pregúntales. Recuerda que el fan equivale a cliente potencial o cliente actual.

[ Fan = Cliente] 

¿Qué desea el cliente?

• ¿Qué se le notifique cuando el artista vaya a su pueblo? Anote su calendario de actividades en su página y pregunte a qué ciudad debería ir.

• ¿Qué canción desea el cliente que el artista haga cover? Haga una lista de canciones potenciales y haga una encuesta para sus fans.

• ¿Quiere el cliente un paquete especial en la cotización de sus servicios? Discútalo con él directamente.

Esta es la esencia de ésta época que estamos viviendo; la conexión Fan/Artista.

Mundo de Nichos de Mercado

Otro factor de éxito en ésta Nueva Industria Musical es que la audiencia se ha vuelto muy enfocada a los nichos de mercado. Desde Swahili Polka, pasando por el madrigal mandarín hasta el Death Metal noruego, si un artista le busca lo suficiente, encontrará su audiencia. Aunque por supuesto, hay que aclararlo; si bien es cierto que la estratificación de las audiencias le otorga más oportunidades al artista de hoy en día, también significa que disminuye la posibilidad para vender millones de hits, debido a que la gente está menos expuesta a uno o dos géneros musicales que antes.

Se fueron para siempre aquellos días en los que una aparición en MtV podía lanzar en grande éxito a un artista. Es cierto, las estructuras antiguas de la vieja industria musical aún existen (casas discográficas , tiendas de música, radio terrestre, canales de música, etc.) y de cierta manera pueden beneficiar al artista independiente. Pero toma en cuenta que dichas estructuras nunca volverán a ser el factor determinante para el éxito de un artista. De hecho, si lo analizas bien, NUNCA lo fueron.

En realidad, la música en sí misma y el espectáculo siempre han sido los factores determinantes. Siempre se ha sabido que una casa disquera no firmaba artistas nuevos en virtud de su música, sino por el número de seguidores que éste tenía, lo cual representaba ventas tanto para el artista como para la casa disquera. Si tú haces un concierto y la casa disquera ve que tienes filas de gentes esperando entrar a verte, entonces a esa disquera no le interesa tu música; le interesa la gente que está dispuesta a comprar lo que tienes.

Hoy en día, con las herramientas y la tecnología actual, ahora puedes desarrollar tu audiencia en una manera más eficiente y hacerte de una carrera con una base pequeña de fans y/o clientes potenciales. De hecho, la misión y propósito de Latin Music Wire es explorar las miles de maneras en las que un artista puede exponerse y desarrollarse en ésta nueva industria musical y de manera independiente, todo con la meta principal de establecer una conexión directa con el fan. Esperamos estar cumpliendo nuestro propósito contigo.

Puntos para recordar; ¿De qué se trata la Nueva Industria Musical?

• El Middleman se elimina; No hay mediadores entre tú y tus fans.
• El nuevo modelo es la conexión directa del Fan/Artista.
• Ventas directas al fan son ahora posibles.
• Marketing directo al fan es ahora posible.
• Comunicación directa con el fan es ahora posible.
• Se trata de dialogar y vender directamente al fan.
• Se trata de tener tu música más estratificada para poder encontrar una audiencia.

En pocas palabras: Se Trata de Conectar Directamente con el Fan

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Fuente:

Siller, K., «Historia rápida de la industria musical»