4 Ejemplos de Cómo los Beatles Cambiaron la Música

Todos sabemos que The Beatles fueron una banda con una gran influencia la cual contribuyó a realizar cambios en la música y en la cultura de innumerables maneras por no decir que con ellos empezó todo…

En este artículo comentaremos cuatro ejemplos concretos de cómo los Beatles cambiaron la música y al mundo.

Bien es cierto que es algo manida hablar de lo tanto que The Beatles cambiaron la música, la cultura popular de occidente y básicamente el resto del mundo.

Ciertamente, fue la combinación de su increíble talento y el estar en el lugar correcto en el momento adecuado con la gente correcta que los impulsó en su inmenso estrellato.

Mientras que la sociedad marcaba ciertos parámetros para la música Rock And Roll, cada movimiento que hacían ellos era altamente escrudiñado y nunca llegaron a decepcionar.

Siempre buscaban la forma de mejorar sus propias habilidades y explorar nuevos territorios acústicos, por lo que su posición como pioneros significaba que ellos estaban operando mayormente sin tener una dirección fija, creando nuevas cosas a través de la experimentación y sus compases internos.

En estas experimentaciones, los Beatles y su equipo de audio terminaron inventando técnicas de grabación únicas y formas de alcanzar sonidos que eran copiados y siguen siendo utilizados aún en la actualidad por artistas de grabación.

Aquí te mostramos cuatro áreas donde los Beatles marcaron un nuevo camino para alcanzar la verdadera esencia del rock en el futuro.

El Flanger

Si bien es cierto que el efecto de duplicación popularmente conocido como Flanger fue realmente inventado por Les Paul en su garaje y fue usado en su canción “Mammy´s Boogie” en 1952, fueron los Beatles los que le pusieron el nombre, y, orgullosos de su creación, lo utilizaron en todo su álbum llamado Revolver, trayéndolo de forma oficial al vocabulario musical. Diferentes autores han mencionado diferentes historias acerca de la creación.

Una de las historias fue que John Lennon, quien siempre  odió el sonido de su propia voz, pedía que se colocaran efectos de sonido en sus vocales. Le decía a George Martín “No sé, cámbialo como quieras, ponle algo que sea genial, flangealo (Flange it).

La otra historia, la cual es probablemente menos apócrifa, involucra la invención de la tecnología en sí.

Para Revolver, los Beatles habían comenzado a poner la duplicación en la mayoría de sus vocales, y el tener que estar constantemente grabando la misma pista dos veces estaba comenzando a fastidiarlos.

Para ayudarlos, el ingeniero de EMI, Ken Townshend, tuvo una idea de hacer una duplicación artificial (o por sus siglas en inglés, ADT). En ADT, una señal de una cinta podía ser agregada a otra máquina con un oscilador variable (para permitir la alteración de la velocidad) y luego quedar por encima de la primera señal pero separados ligeramente en cuanto a temporalidad.

De esta forma, los Beatles sólo tenían que cantar la canción una vez y podían tener todos los beneficios de la duplicación por la mitad del trabajo.

Lennon preguntó cómo funcionaba esta tecnología, y Martin respondió de forma jocosa: “Escucha. Es algo muy sencillo. Tomamos la imagen original y la partimos a la mitad a través de un vibrante sploshing que termina en un flange con doble retroalimentación negativa”.

A partir de ese entonces, cuando John quería usar el efecto, pedía nombrándolo “El Flanger de Ken”.

Después de Revolver, el efecto siguió siendo utilizando en “Itchycoo Park” y en estéreo por primera vez en gran parte del álbum de Jimi Hendrix llamado Electric Ladyland.

La primera canción tenía efectos de flanger que aparecieron en los 70 con tecnología más avanzada, y el resto ya es historia. Tanto el efecto como su nombre nunca hubieran alcanzado ese punto sin la presencia de los Beatles.

Creatividad con el Micrófono

Geoff Emerick era el ingeniero asistente de los Betales, y desde Revolver fue su jefe de ingeniería.

Obviamente recibió peticiones extravagantes por parte de ellos, lo cual él por su parte se encontraba encantando de tratar de cumplir.

Una de sus primeras peticiones involucró ponerle un condón a un micrófono y bañarlo en leche para “Yellow Submarine”, lo cual habría electrocutado a Lennon.

Milagrosamente no lo hizo, debido a que el artilugio debió ser ocultado cuando Sir Joseph  Lockwood hizo una visita sorpresa al estudio.

A través de arriesgados experimentos, Emerick trata de probar con el grupo en un intento de capturar distintos tipos de sonido.

Nadie antes de él tenían instrumentos cerca de micrófonos en EMI – De hecho, eso era algo en contra de las reglas.

La gran mayoría de los ingenieros en los 60 llevaban simplemente trajes de laboratorios y tenían un código de conducta con respecto al equipo.

Siendo los pioneros de la irreverencia al igual que del sonido, los Beatles fueron bien ayudados por alguien como Emerick.

Su fama e importancia en EMI significaba que Emerick no podía ser despedido por sus transgresiones y se le permitía seguir experimentando con los micrófonos.

Y lo hizo – acercaba los micrófonos a las guitarras, a las voces, cuerdas, y cualquier otro instrumento imaginable.

La creatividad de Emerick se extendió al acercamiento y focalización del micrófono a la batería en particular.

Ante de los Beatles, los micrófonos eran generalmente grabados con dos micrófonos – Uno en el bombo y uno por encima de la batería.

Emerick puso micrófonos para cada uno de los tambores de forma individual y añadió uno debajo del snare.

Logró convencer a Ringo Starr de poner toallitas de té alrededor de su batería para humedecer los anillos de los bordes, una de las claves para el sonido de batería de Abbey Road.

También metió un suéter dentro del bombo, una rutina y práctica común de grabación en la actualidad.

Uno de los obstáculos más grande que tuvo que enfrentar Emerick fue el hecho de que debido a la paranoia que tenían en EMI por las agujas dañando los tocadiscos baratos, casi todo el todos los bajos fueron eliminados en las etapas iniciales de los Beatles.

El departamento de mantenimiento invento un proceso, introducido durante el proceso de registro, llamado Control Transitorio Automático de Sobrecarga (o por sus siglas en inglés, ATOC).

Esto permitía que hubiera bajos extra en una grabación sin el miedo de que existiera el problema que se metía.

Queriendo un sonido de bajos impresionante en “Paperback Writer”, Emerick y Paul McCartney literalmente convirtieron un altavoz en un micrófono y lo colocaron frente a él para amplificar el sonido de los bajos.

Fue idea de Emerick el reproducir la parte vocal de Lennon en “Tomorrow Never Knows” a través de un altavoz rotante Leslie para crear el sentimiento que Lennon quería de “Gritar desde la cima de una montaña”.

Ciertamente, la gran parte de las veces eran los experimentos que Emerick realizaba con los micrófonos los que ayudaron a que las canciones avanzaran como se quería.

Después tuvo la posibilidad de aprovechar las herramientas que tenía a mano en las consolas de grabación – EQ y compresión – para terminar de mejorar los sonidos. Sin él estando dispuesto a cumplir con su labor, los Beatles tal vez no hubieran llegado tan lejos como lo hicieron.

Creatividad con las Cintas

Trabajando con el medio moldeable de grabación como lo eran las cintas le permitió a los Beatles otra forma de experimentar, ya que estas cintas al ser físicas podían ser estiradas, revertidas, jaladas, apretadas y cortadas.

Los bucles de cintas no eran un concepto nuevo; ya habían sido explorado por varios compositores experimentales como Terry Riley y Karlheinz Stockhausen.

Los Beatles estaban familiarizados con esos compositores, como gran parte de los artistas de Swinging London.

Siempre buscando saciar su curiosidad, su fascinación con la experimentación de los sonidos fue su impulso primario para realizar sus innovaciones con las cintas magnéticas.

Lo más cerca que The Beatles estuvo de convertirse en una banda de composición electrónica fue usando cintas de bucles en “Tomorrow Never Knows”, “Being for the Benefit of Mr. Kite” y “Revolution 9”.

En la primera fue un recorrido por las cintas de bucle, reproducido en vivo durante la mezcla de cinco máquinas de cintas distintas dispersadas dentro del complejo de EMI.

Los bucles consistían en encontrar sonidos, ruidos raros como Paul riéndose en reversa, y diferentes notas siendo tocadas en Mellotron.

Los bucles para “Mr. Kite” fueron todos sonidos de órganos musicales y calliopes de la librería musical de EMI; Martin tenía a Emerick lanzando partes de la cinta en el aire para rearmarlas, tomándolas al azar del suelo. “Revolution 9” son sólo bucles – Lennon, Yoko Ono y George Harrison exploraron dentro del mundo de Stockhausen y John Cage.

La idea de las voces invertidas vino gracias a Lennon, quien accidentalmente puso una cinta maestra para “Rain” boca-abajo en su tocadisco.

Desde ese momento, los Beatles insistieron en que cada cosa debería ser revisada tanto de forma normal como en reversa, resultando en sonidos de solo de guitarras en reversa en la canción “I´m only Sleeping”, las voces invertidas en “Rain” y la batería invertida en “Strawberry Fields Forever”.

Los efectos de cintas en reversa se volvieron una parte crucial de la esencia psicodélica de la librería musical y fueron usando por casi todos los artistas desde ese entonces.

Nuevamente, mientras que la técnica no fue creada por los Beatles en sí, hicieron esos aportes experimentales e innovadores accesibles para todo el mundo.

El equipo de sonido de Emi también contó con otra mejora en sus máquinas para cintas: Velocidad variable.

Martin manipuló la velocidad de la cinta para grabar un solo de piano en conjunto con un  “falso clavecín” para la canción “In my life”.

Martin grabó el piano a la mitad de la velocidad, lo cual le dio esa apariencia de clavecín siendo tocado a una velocidad normal. Emerick tuvo la idea de grabar pistas de ritmo para luego ralentizarlas para darle una vibra más tenebrosa en “Rain”; la idea primero vino de él cuando estaba experimentando con cintas de bucle en “Tomorrow Never Knows”. Ciertos sonidos se volvieron más profundos y resonantes.

Del otro lado de la moneda, también tuvieron la opción de grabar sus vocales con la cinta corriendo más lenta.

Las voces habrían adquirido un timbre más alto cuando la cinta estaba siendo reproducida en velocidad normal.

“I´m Only Sleeping” y “Lucy in the Sky With Diamons” fueron canciones que utilizaron ese efecto para las voces principales, y en “Magical Mystery Tour” fue utilizado para las voces de fondo.

La velocidad variable no era un efecto nuevo, y ya había sido utilizado por Ross Bagdasarian para su éxito “Witch Doctor”.

También había sido utilizado para hacer que los cantantes pop sonaran más jóvenes (lo cual, según un rumor, habría sido hecho en las canciones de Beach Boys).

Los Beatles la usaron para fines artísticos, creando de esta forma un efecto distinto.

Su experimento más ambiguo con respecto a la manipulación de la velocidad de la cinta fue creando la parte final para “Strawberry Fields Forever”.

Lennon quería editar dos partes en conjunto: El problema es que ambas eran distintas en cuanto a claves y tempos. “Pueden arreglarlo” fue lo que le dijo a Martin y Emerick. Armed sólo utilizo tijeras, dos máquinas de cintas y VariSpeed, pudiendo incrementar la velocidad de la primera versión y bajar la velocidad de la segunda, creando el empalme en la segunda parte. Esto es una demostración de su paciencia e interés que tenían para que la versión final de la canción fuera una pieza maestra.

Vídeos Musicales

Diecisiete años antes del estreno de MTV, los Beatles comenzaron su proyecto de video, “A Hard Days Night” en 1964.

Algunas de las secuencias musicales claves fueron presentadas como un silencio dramático bajo las pistas y grabaciones de los Beatles, siendo esto un precursor para el formato que los videos de música seguirían en el futuro.

El cambio de escena rítmico y los contrastantes clips de videos y acercamiento fueron utilizados para encontrar la uniformidad entre la música y el video.

El director, Richard Lester, bromeaba a menudo en años posteriores que la gente le decía el padre de MTV, y el respondía de forma jocosa que debían traerle una prueba de paternidad. El segundo video de los Beatles “Help!”, tomó el concepto de video musical a otros nivel; esta vez en color, mientras que Lester ordenaba que se tomaran clips más inusuales y escenas grabadas desde distintos ángulos nunca antes tomados en cuenta.

Luego de que los Beatles dejaran de presentarse en vivo, comenzaron a hacer videos promocionales para enviar a Shows televisivos como Ed Sullivan.

A medida que su música y estilos de vida se volvían más psicodélico, también lo hacían sus videos. Los videos promocionales para “Strawberry Fields Forever” y “Penny Lane” utilizaron slow motion, grabaciones invertidas, iluminación y movimientos de cámara exagerados, y filtros de color, lo cual era usualmente utilizado por productores underground.

Tomaron su experimentación con los videos y lo llevaron al límite con una nueva cosa: Magical Mystery Tour, el cual fascinó a los críticos y a la audiencia con su esencia compleja, guión improvisado y segmentos del video abstractos. Sin embargo, observando con la óptica actual, escenas como “The Fool on the Hill” y “I Am The Walrus” son videos de música propiamente dichos.

A diferencia de Elvis Presley, cuyos vídeos tenían una historia lineal con un guión bien estructurado, los videos de los Beatles eran más que nada acerca de la música, dejando la historia como algo en segundo plano.

Las secuencias de los videos de música y las innovaciones en dirección de Lester eran algo nuevo para la audiencia. Mayormente se mostraba a las otras bandas y artistas que ellos también podían hacer videos de esta forma, y muchos lo hicieron.

No fue sino hasta el crecimiento de MTV que los videos musicales se volvieron algo común dentro de los elementos de una banda, así que es impresionante qué tan lejos los Beatles llegaron en este aspecto.

Al igual que la mayoría de sus innovaciones, todo comenzó con una necesidad de probar cosas nuevas en conjunto con otras necesidades particulares en ese momento particular.