Formación

Abierta la inscripción para el Curso de Gestión Musical en Taller de Músics

Curso de Gestión Musical en Taller de Músics

Desde El Taller de Músics ha puesto en marcha un curso de Gestión Musical compuesto por 20 sesiones sobre temas clave impartidos por profesionales del sector en las que se aprenderá tanto las bases teóricas como prácticas.

El curso se desarrollará entre el 18 de noviembre y el 18 de abril y ofrecerá un total de 20 sesiones sobre temas esenciales en la gestión musical a cargo de profesionales del sector.  A esto hay que sumar varias masterclass con expertos destacados que analizarán aspectos fundamentales dentro de la industria musical.

Los temas tratados a lo largo de las sesiones de este curso de Gestión Musical son

  • Registro de una canción.
  • Las sociedades de gestión.
  • Contratos.
  • Autoedición.
  • Distribución digital.
  • Management y booking.
  • Crowdfunding.
  • Comunicación y redes sociales.
  • Estudio de grabación.
  • Rider técnico.
  • La actuación en directo.
  • El periodo de inscripción finaliza el 3 de noviembre.

Precios

Público en general
  • Curso completo: 650 euros
  • Una sesión: 40 euros
  • Clases magistrales: gratuitas (necesaria inscripción previa).
Descuentos

Alumnos del Taller de Músics
· Curso completo: 552 euros
· Una sesión: 34 euros

Socios/usuarios de: SDE, APGCC, APECAT o ARC
· Curso completo: 585 euros
· Una sesión: 36 euros

Información y matrícula: info@tallerdemusics.com | Curso de Gestión Musical

A continuación se desarrolla la información relativa a las sesiones que tendrán lugar en el curso a cargo de los propios profesores del Curso de Gestión Musical.

Curso de Gestión Musical. Sesiones y profesores

 

Abel Garriga, abogado (Holtrop, SLP)

Sesiones: Ya tengo una canción, ¿cuál es el siguiente paso? Registro de una canción, sociedades de autor, contratos (l) y (II)

En estas dos sesiones se hablará de los conceptos fundamentales de la propiedad intelectual como sistema legal regulador del tráfico jurídico (transmisión y uso) de los derechos sobre las composiciones y las grabaciones. El objetivo es que los participantes puedan tener una cartografía de los elementos que configuran la propiedad intelectual, para lo cual se hace hincapié no sólo en la norma escrita, sino en lo que permite entenderla: los intereses que integra y los actores que participan en la creación y difusión de la música. A tal efecto, se harán dos sesiones.

La primera tiene como objetivo señalar los ejes de la propiedad intelectual a partir de los cuales se configura el sistema, los intereses que lo sostienen y el motivo por el que existe actualmente una crisis del concepto. A partir de este mapa, bajamos entonces al detalle, con los conceptos básicos como la dicotomía idea/expresión, no necesidad de registro, derechos exclusivos – derechos de simple remuneración y derechos de gestión colectiva y otros que se encuentran en los fundamentos del edificio. También haremos una relación de las personas o entidades que ostentan derechos de PI en la música, y analizamos los diferentes intereses de cada uno.

La segunda sesión se centra en los derechos de simple remuneración y gestión colectiva obligatoria, lo que nos permite entrar en el concepto del catálogo de las entidades de gestión colectiva de derechos, de las que analizamos también el papel que juegan en el tráfico de los derechos. Acabaremos estas dos sesiones con la exposición de los modelos alternativos a la gestión tradicional de los derechos, como las licencias Creative Commons y el copyleft por extensión.

Eva Faustino, (APECAT).

Sesiones: Las editoriales y sus contratos (l) y (II)

Durante estas cuatro horas tendremos la ocasión de poner luz a que derechos gestionan las editoriales, cual es el objeto de los mismos y quien ostenta originariamente los derechos que se ceden en virtud de estos contratos.

El objetivo es poner claridad al complejo mundo de la gestión editorial, en la que intervienen no sólo los autores, las editoriales y las entidades de gestión como sujetos sino que también participan los diferentes “usuarios”, medios de comunicación y/o servicios de música como beneficiarios y “clientes”. Para acabar exponiendo la forma de pago y la forma de cobro de cada uno de los derechos de autor.

A mi entender, es importante que los músicos-autores conozcan sus derechos, atendiendo a que para la circulación profesional y comercial en el mercado de sus creaciones, a menudo existen intermediarios que convierten el valor de sus creaciones en beneficio económico o monetario; por ello, es importante que en la negociación con esos intermediarios el músico-autor tenga claro que está cediendo y que valor aporta el que adquiere para obtener un acuerdo justo y equitativo.

José Ramón Gil, abogado (FG Legal)

Sesiones: Contratos en la industria musical (l) y (II)

Estas dos sesiones tienen los siguientes objetivos.

  • Conocer las diferentes vías para la negociación de acuerdos y formalización de acuerdos alcanzados.
  • Dar a conocer al alumno, desde el punto de vista de la industria musical, los aspectos esenciales de la contratación y las cuestiones de mayor interés: partes del contrato, objeto de los contratos, derechos y obligaciones para cada una de las partes, contraprestaciones y ámbitos territoriales y temporales.
  • Permitir conocer aquellas cláusulas que, de modo habitual, se contienen en los contratos propios del sector.
  • Las diferentes posibilidades ante situaciones de conflicto, irregularidad o incumplimiento contractual.
  • Análisis de contrato de prestación de servicios.
  • Análisis de contrato de encargo de obra.
  • Análisis de contrato de producción.
  • Análisis de contratos en el ámbito laboral.
  • Análisis de contratos de representación artística.
  • Análisis de contratos de actuación.

Alfons Serra, (La Cúpula Music/Gandula)

Sesión: La distribución digital

La finalidad de la sesión es dejar claros los factores principales que intervienen en el proceso de distribución digital de música en los canales digitales (Spotify, iTunes, Deezer, Tidal…). Veremos qué tipo de distribuidores digitales hay y las diferentes variables que nos pueden ayudar a decidirnos por uno o por otro. También veremos las diferencias entre los canales de streaming y de descarga, como se generan los royalties, analíticas, evolución histórica, entre otras cosas, para conseguir una visión global.

Los canales digitales son las nuevas radios. Ofrecer tu música en Spotify, iTunes, Deezer, etc. te da una visibilidad que es totalmente imprescindible actualmente, además de generar royalties a partir de las reproducciones y descargas. Muchas distribuidoras ofrecen sus servicios a grupos autoeditados, a costes muy accesibles. Los royalties digitales globales ya superan los royalties de vendas físicas a muchos países. Así, los canales digitales se han convertido en muy poco tiempo en actores principales de la industria musical.

Cristina Calvet, abogada.

Sesiones: Formas jurídicas para artistas y profesionales de la cultura (l) y (II)

La sesión relativa a formas jurídicas para artistas y profesionales de la cultura pretende tratar, al margen también de conocer qué tipo de sociedades se pueden constituir, cuales son las problemáticas de los profesionales del sector musical/artístico ante la necesidad de escoger una opción y otra que permita ajustarse más a la realidad cultural de este sector. Se abordarán y analizarán las praxis y funcionamientos societarios habituales en el ámbito musical. También vinculado a la tipología societaria adecuada será necesario incluir en estas dos sesiones aspectos fiscales y obligaciones que se derivan de la constitución de una u otra sociedad.

Es fundamental que todo músico que pretenda vivir de esta profesión conozca y sea consciente de qué opciones son las que tiene a su alcance para dejar de ser empresario individual y constituirse en una u otra tipología societaria. Será necesario que, disponiendo de estos conocimientos básicos, pueda elegir la mejor opción. La opción que se ajuste más a sus necesidades presentes y futuras.

El contenido que se impartirá en estas dos sesiones tiene relación directa y forma parte de todo el tejido que forma la industria musical. Podrán apreciarse las diferencias en cuanto a responsabilidades y obligaciones ostenta un músico contratado laboralmente por un tercero respecto un músico que sea trabajador autónomo ya la vez forme parte de los órganos rectores de una sociedad (ya sea ésta civil o mercantil).

Valentí Acconcia, (Vanacco Crowdfunding Consultant)

Sesiones: Financiamiento colectivo / Crowdfunding (l) y (II)

En la sesión de crowdfunding del curso de Taller de Músics hablaremos de las 20 reglas de oro para crear una buena campaña. No sin antes repasar aspectos básicos como la definición de crowdfunding, los distintos tipos que existen o hasta 20 ejemplos de campañas ya financiadas con éxito.

Es imprescindible saber qué es el crowdfunding y cómo funciona para poder crear nuevos proyectos en el siglo XXI. El motivo es que una buena campaña de crowdfunding puede crear una comunidad alrededor de cualquier proyecto y su creador. En el sector musical, además, permite al artista tener mayor independencia creativa. También le permite trabajar las redes sociales alrededor de sus proyectos y su propia identidad virtual.

En resumen el curso dotará al asistente del conocimiento para acercarse al crowdfunding con conocimiento de causa. Le supondrá un ahorro de tiempo y la posibilidad de conocer de primera mano a un consultor independiente en la materia. Podrá saber por dónde empezar y qué necesita para construir una campaña de éxito.

Kiko Caballero, productor, mezclador e ingeniero de sonido

Sesiones: El estudio de grabación: usos, como optimizar la inversión, el papel del productor y del técnico de sonido y el rider técnico

La tecnología de audio tanto en software como hardware ha evolucionado tremendamente en los últimos diez años haciendo muchísimo más versátil y barato el trabajo de producción tanto para músicos como para técnicos. El problema es que la mayoría de músicos siguen creyendo en los estudios y técnicas de producción tradicionales, y por lo tanto caras y limitadas, ya que el cambio ha sido tan grande que ni muchos de los estudios se han sabido adaptar bien. La idea de esta sesión es dar a conocer a profesionales de la industria los diferentes tipos de herramientas que ellos mismos pueden usar de manera sencilla, tipos de salas, estudios, técnicas de producción modernas que hagan de  su producción un proyecto más eficiente a nivel económico sin perder calidad, todo lo contrario, incluso ganando. ¡Grabar hoy en día es mucho más barato de lo que se piensa! Pero hay que organizarse bien…

Son importantes sobre todo por dos cosas: eficiencia económica y adaptabilidad creativa (llegar al concepto sonoro adecuado a su obra). La importancia es sobre todo, estar a niveles de calidad internacionales sin gastar demasiado. En resumen, ser competitivos.

La figura del productor y el técnico de sonido llevan existiendo más de 50 años pero desgraciadamente en España son todavía figuras difusas y mal aprovechadas sobre todo por músicos que desconocen de sus competencias y más que nada en los estilos más acústicos. La idea de la sesión es dar a conocer las competencias de los técnicos de sonido y los productores, además de otros personajes dentro de una producción musical para, y de cara a los músicos, hacer fluido el trabajo en una producción donde sólo tendrán que estar atentos a sus competencias y donde sabrán qué y cuándo pedir cada una de las exigencias a los responsables correspondientes en cada caso.

Facilitar el trabajo del músico cuando está rodeado de otros personajes dentro de una producción es una necesidad evidente. Hay muchos malentendidos entre músicos y técnicos debido a que tanto uno como el otro no conoce al 100% las competencias del otro. Mejorar la comunicación entre los diferentes responsables y sobre todo, enseñar al músico qué necesita y a quién pedirlo harán que su trabajo gane en calidad debido a que estará más arropado técnicamente, cómodo, tranquilo y tan solo concentrado en su trabajo.

Francesc Viladiu i Illanas (Alter Sinergies)

Sesiones: La actuación en directo (l). El cómo y el por qué de un festival

La sesión La actuación en directo. El cómo y el porqué de un festival incide en los objetivos de un festival y el desarrollo de un proyecto de estas características. Se tratarán temas como la planificación y el análisis territorial, social y de la competencia, la definición del proyecto, su producción, ejecución y avaluación. También se verán ejemplos y casos prácticos. En un momento en que continua la proliferación de festivales, el conocimiento de su funcionamiento es importante para cualquier músico o persona vinculada al mundo musical. Además, el desarrollo de un proyecto como un festival puede ser extrapolable a muchos otros ámbitos.

Brian Sellei (Menos Que Cero)

Sesión: La actuación en directo (ll). Conciertos

La charla se centra en la producción de espectáculos dentro de salas de conciertos. Considero que la producción en salas es muy importante para el sector, ya que es atemporal, marca la tendencia del mercado, y es lo que da la vida la industria musical durante todo el año.

Dentro de la charla repasaremos todos los temas que hay que conocer. Desde por qué plantearnos realizar un concierto, hasta ver el resultado cualitativo y cuantitativo al acabar el mismo, pasando por todos los aspectos que van desde la coordinación técnica, promoción, medidas de seguridad, permisos, ticketing, derechos, etc.

Todo estará acompañado por documentos reales y experiencias propias.

Otros intervinientes y sesiones son

  • Víctor Velasco, (Sones), sesión: La autoedición.
  • Olga Àlavos y Marçal Lladó (Bankrobber), sesión: Management y booking
  • Marc Tapias, (En Silencio), sesión: Promoción (l). Los medios de comunicación y Promoción (ll). Las redes sociales

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